Den ersten Band von Typoversity habe ich ja bereits ausreichend gefeiert – jetzt entsteht ein zweiter. Patric Marc Sommer und Andrea Schmidt suchen für Typoversity 2 wieder typographisch orientierte Arbeiten aus dem studentischen Umfeld, die die Interviews und Features des Buches abrunden und den aktuellen Stand des schriftaffinen Designs an deuten Hochschulen zeigen. Das Beste: Anders als bei anderen Lookbooks ist das dabeisein völlig kostenlos (es gibt sogar noch ein Gratis-Belegexemplar), einfach eine PDF bis 5 MB an mail@typoversity.com senden und eigene Daten (Name, Adresse, Telefonnummer, Email) sowie die Daten zum Projekt (Datum der eingereichten Arbeit, betreuender Professor/Lehrender, Semester, Hochschule) angeben. Die Arbeiten – die ab Januar 2010 «gültig» sind – werden von einer 1A-Jury begutachtet, die für Qualität sorgt: Neben Patric und Andrea sind dabei: Christoph Dunst, Verena Gerlach, Heike Grebin, Christoph Koeberlin, Dan Reynolds und Birgit Tümmers.

Nach einer Single und EP kommt die französische Folk-Pop-Alternative-Chanteuse Pauline De Lassus alias Mina Tindle mit ihrem ersten echten Album heraus, einer kleinen zerbrechlichen Skulptur, die ihre Verwandtschaft zu anderen Sängerinnen, nicht zuletzt der frühen Feist oder Camille, nicht zu verbergen sucht. Tindle bewegt sich souverän in diesem Akustikgitarre/Elektronica-Schlafzimmerpop, den zahllose andere, ebenfalls photogene Sängerinnen in den letzten Jahren produziert haben und von denen es so viele gibt, dass man dafür langsam ein eigenes Genre erfinden müsste. Die mal melancholischen, mal radiotauglich-gutgelaunten Songs sind getragen von einer hingehaucht-zirpenden Stimme, die sich nur selten, wie etwa in »Lovely Day«, energetisch zeigt, ansonsten meist streichzart-träumerisch bleibt. Taranta ist eine Low-Fat-Einspielung, Musik zum Milchkaffee oder zum Grüntee – was keineswegs als reine Kritik verstanden sein will, auch wenn es schon auffällt, wenn etwa die unterproduzierte Demo-Fassung von «Plein Nord» auffällig zu den besten Tracks gehört, eben weil sie nicht rundgeschliffen ist und Brüche zulässt, die (wenn auch kalkulierte) Ehrlichkeit zulässt, die diese Art von Singer-Songwriter-Schiene nun einmal braucht.

Tingle taucht in einen gigantischen Pool von Konkurrentinnen ein, einem tatsächlich sehr gesättigten Markt von substituierbaren Gütern und, ganz banal, es fehlt ihr ein Alleinstellungsmerkmal, denn die französische Note geht in der Produktion nahezu unter. Taranta bietet wunderbar weghörbaren europäischen Pop der gehobenen Mittelklasse, nichts, was deine Welt verändert oder was langfristig im Ohr bleibt, nichts, was die Kulissen in deinem Kopf verschiebt, aber sehr sehr nette, handwerklich präzise und mit Charme gemachte Popmusik, an der nichts verkehrt ist (außer vielleicht der Soundauswahl bei To carry many small things und der generellen Produktion, die zu viel und doch einen Hauch zu falsch ist). Groove und Fröhlichkeit dieser Platte überzeugen aber am Ende – immerhin steht der Frühling in der Tür und wir wollen Musik, die zum Wetter passt. Und hier ist sie.

Vorweg – es ist tatsächlich eine große Freude, eine Literaturverfilmung zu sehen, ohne die Vorlage zu kennen. Ich bin aufgrund eines spannenden Trailers spontan (vor mittlerweile drei oder vier Wochen…) in diesen Film gegangen, ohne die Buchtrilogie von Suzanne Collins auch nur näherungsweise zu kennen. Das hat man selten genug, völlig unbedarft, ohne den permanenten Vergleich im Kopf, an eine solche Übersetzung von einem Medium in das andere heranzugehen. Wenn ich Kommentaren bei IMDB glauben darf, ist der Film unter dem Gesichtspunkt dieser Übertragung nicht wirklich gelungen (wie das ja meist der Fall ist wenn Drehbücher Adaptionen sind anstatt auf ihr eigenes Medium maßgeschneidert zu sein), und rückblickend ist es natürlich phantastisch, sich zumindest diesen Ärger erspart zu haben. Es gibt Filme, in denen ist die Regie so gekonnt – etwa im 3. Teil der Harry-Potter-Verfilmungen oder bei »Schweigen der Lämmer« -, das die Divergenzen zwischen Buch und Film dir egal sind, aber in 90% aller Fälle vergiftet es den Film etwas, wenn man die ursprüngliche Fassung kennt.
Das erste, was auffällt, ist wie sehr der Film einfach den Trailer wiedergibt (beziehungsweise umgekehrt) – wer den Trailer gesehen hat, hat während der ersten Filmhälfte permanent das Gefühl, eine Art »Extended Remix« zu sehen, wobei die Kurzfassung irgendwie besser war. Seltsam ist, dass die einige 100 Jahre in die Zukunft gelegte Welt der Hungerspiele im Trailer völlig intuitiv verstanden werden kann, in der ausgedehnten Fassung aber nicht sinnvoll zusammenkommen will. Eines der vielen Probleme dieses Films ist sein unglaubwürdiges, in sich nie logisches Worldbuilding. Wenn eine Gesellschaft die Ressourcen hat, die die »Capitol«-Realität aufweist, und aus dem Nichts heraus dreidimensionale Monster gleich mehrfach auf das Spielfeld beamen kann – warum baut dieses Regime dann auf so primitive faschistoide Unterdrückunsmechanismen? Nur damit es an das alte Rom bzw. an das Dritte Reich erinnert? Welche TV-Übertragung würde jemals wirklich das Finale künstlich beschleunigen wollen, anstatt die Erfolgssendung eher auszudehnen? Wo ist der Kick einer Show, die menschliche Kombattanten bis zum Tod gegeneinander antreten läßt, wenn am Ende die letzten Spieler nicht voneinander, sondern von übermächtigen Bestien zerfleischt werden? Warum laufen bei den 74. Hungerspielen immer noch die Gladiatoren zum Füllhorn – sollten, wenn die ganze Welt diese Show zwangssehen muss, nicht alle Spieler wissen, dass dort ein riesiges Gemetzel stattfindet. Autorin und Regisseur machen diesen Fehler, weil *für Sie* dies die ersten Hunger Games sind, aber die tatsächlichen Bewohner dieser fiktiven Wirklichkeit würden das Füllhorn meiden, weil sie oft genug gesehen haben müssten, was dort passiert. So wie ja in Big Brother auch ab der 2. Staffel die Bewohner der TV-Wohngemeinschaft ganz anders agierten, weil sie durch die erste Staffel informierter waren und die »Regeln« kannten, nach denen du dich beim Publikum beliebt machst.
Solche und viele weitere Fehler in der internen Kohärenz der Geschichte versalzen unweigerlichen jede Art von postapokalyptischen Dystopiaschocker, zumal wenn dieser so frappierend an Battle Royale erinnert, Kōshun Takamis Roman und der daraus hervorgegangene Film und die Mangaserie, die weniger wollen und genau dadurch mehr erreichen. Anstelle einer ausgeklügelten, dann aber doch im Detail widersprüchlichen Fantasy-Welt verzichtet Battle Royale auf ein langatmiges Vorspiel und liefert, was The Hunger Games verspricht, aber letzten Endes nie zeigt – den zynischen und völlig sinnlosen, aber unentrinnbaren Kampf ums Überleben, der aus Freunden und Schulkameraden tödliche Feinde macht. Denn – wahrscheinlich um ein ein PG13-Rating zu bekommen – von dem Kampf als solches Kriegen wie bei den Tributen herzlich wenig mit, es ist ein ausgesprochen blutarmes Gemetzel, was kein Schaden sein muss, wenn nicht genau hier die Prämisse des Films liegt. Die Härten, die die Protaonistin erleiden muss, wirken im Film gedämpft, unwirklich. Dazu kommt, dass der aus der Ichperspektive des Buches sehr auf Katniss Everdeen fokussierte Film die anderen Mitspieler nahezu gar nicht konturiert, sie bleiben Chiffren. So gibt es zu keiner Sekunde Zweifel daran, wer der Sieger dieses Todesspiels sein wird. Hieran wird klar, dass Battle Royale seine Spannung aus dem tatsächlichen Konflikt zieht, Hunger Games aber eher eine Coming-of-Age-Story ist, die ewige Geschichte des Mädchens vom Lande in der großen Stadt, es ist »Der Teufel trägt Prada« mit Pfeil und Bogen.

Apropos Mode – ich bin unentschieden, ob die Designs von Sets und Kostümen nun großartig oder furchtbar sind. Wahrscheinlich, und das ist eine nicht zu unterschätzende Leistung, ist beides der Fall. Ich halte es nicht für ausgeschlossen, dass Hunger Games in zwanzig Jahren ein Camp-Klassiker ist, etwa so wie Logan’s Run, ein Film dessen Designs ja auch irgendwie zwischen peinlich und genial vibrieren. Architektonische Details und einige der Kostüme sind liebevoll, großartig gelungen, haben den Mut aus dem seit Jahren immer gleichen allzu düsteren Look anderer SF-Filme herauszubrechen, andere Ansätze erinnern an die überbordende Ästhetik der 70er, gekoppelt mit japanischem Cosplay-Kitsch, immerhin weit weg von der grauen Dystopie von Gattaca und Co. Schaut man sich die modische Entwicklung seit 1950 an, ist diese Vision des immer bunteren, immer androgyneren Looks auch plausibel, und die erlaubt dem Film, in nahezu barocke Queer-Pracht einzutauchen – aber zugleich wird eben auch hier deutlich, wie wenig sich The Hunger Games eigentlich als SF sieht. Im Grunde seines Herzens ist dieser Film Fantasy, ein Ritterepos in einer Zeit armer Bauern und reicher dekadenter Adliger, in der die Bauern zur Belustigung der Oberschicht in die Arena gehen,mum zu sterben – eine zeitlose Geschichte, die ins alte Rom ebenso passt wie in das heutige Russland, die aber per se wenig »spekulative Fiktion« anbietet. Selbst die Waffen ist anachronistisch, wären die Bestien am Ende nicht CGI sondern echte Wölfe, der Film könnte auch im Mittelalter spielen, ohne, dass sich die Handlung auch nur einen Deut ändern müsste. Und so ist die Crux des Films, dass er in der Ästhetik und in der filmischen Umsetzung mit Shakecam-Look durchaus eigene Akzente zu versuchen setzt, aber auf eine Handlung fußt, die Science Fiction im Grunde nicht versteht und der es spürbar darum geht, eine franchisetaugliche Idee à la Harry Potter oder Twilight herzugeben. Das kann und darf man »Young Adult«-Literatur der letzten Dekade vielleicht nicht unbedingt vorwerfen, aber da es wirklich alle Autoren seit Rowling so versuchen und alle Verlage (und auch die gesamte Filmindustrie) nach solchen Vorlagen suchen, ist die Gesamtwirkung hirnbetäubend. The Hunger Games ist insgesamt trotz einiger sehenswerter Passagen diese Sorte gremiumgeformter Corporate Movie, eine Art filmgewordenes Brand-Building, das einen furchtbaren Nachgeschmack hinterlässt. Wo Battle Royal genau das Gegenteil war – ein wilder, seltsamer, mitunter störender und verstörender, oft unsagbar schlechter, dann wieder brillanter Alternative-Streifen – ist Hunger Games sozusagen »Starbucks« im Zelluloid-Gewand. Nichts, aber auch gar nichts an diesem Film will dich verwirren, schockieren oder gar überraschen, die Handlung verläuft auf Schienen, so sicher und so langweilig-linear wie eine Fahrt mit dem Bummelzug in der Nacht. Ich hätte etwas drum gegeben, wenn Harrelsons »Säufer mit dem Herz aus Gold« wirklich einfach nur ein betrunkener Bastard gewesen wäre, oder wenn sich das »arme schwarze Mädchen« als heimtückischer Gegner entpuppt hätte, der seine scheinbare Schwäche als Waffe einsetzt. Aber nichts von alledem – dem Film fehlt für solche Wendungen die Sophistication und der Mut, aus der eindimensionalen Heldensaga herauszukommen, die sich nur dadurch von Rambo unterscheidet, dass es weniger Blut gibt und die Hauptfigur weiblich ist. Schlimmer noch – wo Battle Royal aus der bizarren Hypertrophie, Schüler in einen brutalen Überlebenskampf zu schicken, eine phantastische Satire auf die japanische Kultur von Kaizen und Karōshi gewinnt –, scheint The Hunger Games klammheimlich den Casting-Darwinismus und eine Haifisch-Kapitalismus gutzuheißen… Hauptsache, man gehört zu den Gewinnern. Das rebellische Potential der Figur Katniss geht in dem voyeuristischen Gleiten der Kamera über den barocken Lifestyle und der Gier nach Action in der Arena sang- und klanglos unter, Katniss ist am Ende eine Gewinnerin im Kontext des Systems, nicht jemand, der es ins Wanken gebracht hat. Am Ende, zumindest im Film, hat sie – wie es von Anfang an klar war – beim brutalstmöglichen Casting gewonnen, weil sie gerissener und skrupelloser war als ihre Gegner, nicht mehr. Was diesen Film so traurig macht, ist das vertane rebellische Potential, das so gut in einen Teenager-Film gepasst hätte, die zum Himmel gereckte Faust und der Glaube, ein System verändern zu können, nicht die melancholische Einsicht, dass es sich auf den Leichen der Opfer eigentlich doch ganz vorzüglich traurig aus dem Penthouse-Fenster blicken lässt.