HD Schellnack /// Kontakt Twitter iPhoto pointandshoot Typographie Alternative Pop Licht nodesign Aktionen Zitat Natur Photographie Denken Fail ScienceFiction Apple Studium Belletristik Comics Dayshot Vernacular Scratchbook Werbung Fragen Winter Software Medien Fun Retro Gesellschaft Farbe Print Electronic Magazine iOS Zukunft Web Drama Frühling Jazz Sommer Kitsch Kunst Sachbuch Hardware Fantasy Klassik Herbst Thriller Emma

Tweets

27. Februar 2014 22:00 Uhr. Kategorie Tweets. Tag . Keine Antwort.

Tweets

8. Oktober 2013 22:00 Uhr. Kategorie Tweets. Tag . Keine Antwort.

Tweets

21. September 2013 22:00 Uhr. Kategorie Tweets. Tag . Keine Antwort.

Tweets

14. Mai 2013 22:00 Uhr. Kategorie Tweets. Tag . Keine Antwort.

Scheinriesen

hd schellnack

Dass weniger Bücher erscheinen, ist nicht unbedingt das Merkmal einer sterbenden, sondern vielmehr vielleicht einer gesundenden Branche. Der aufgeblähte Marktanteils-Ballast wird, so mag man hoffen, wegschmelzen. Die reine Zahl der sinkenden Auflagen und Neuerscheinungen sagt wenig über die Titel aus, die wegbleiben. Und vielleicht ist es kein qualitativer Verlust, wenn das ein oder andere Bücher über Vampire, Elfen oder Ponys nicht erscheint oder die x-te Kochbuchreihe nicht fortgesetzt wird. Dieser Schwund bedeutet sicher eine Veränderung in Gewinnmodellen und Querfinanzierungen – muss aber kein Fanal für das Sterben von Verlagen oder gar der Literatur sein. So wenig wie nach dem Backlist-Boom in der Musikbranche das Wegbrechen der CD-Neukäufe von Titeln, die die Käufer bereits auf Vinyl hatten und ein zweites Mal erstanden, wirklich real eine Krise bedeutete.

Der relative Niedergang der großen Fillialisten war leider absehbar, denn auch dieser ist bereits im Musik- und Videogeschäft vorweggenommen gewesen. Große Handelsketten verdrängen durch A-Lagen, scheinbar größere Auswahl, mehr Macht bei der Preisgestaltung und der Werbung die kleinen Vor-Ort-Händler im ersten Schritt. Die großen Kinoketten haben die Stadtteilkinos nahezu unwirtschaftlich gemacht, Mediamarkt, Saturn und Co dem kleinen Plattenladen den Garaus gemacht. Konsequenterweise fallen die Ketten dann einige Zeit später der eigenen Größe und der technischen Entwicklung zum Opfer und werden selbst durch noch effektivere Online-Anbieter oder durch digitale Download-Angebote verdrängt. Egal, wie viele Quadratmeter große Filialisten in Innenstadtlage bieten, Amazon wird immer scheinbar mehr Auswahl bieten und liefert bequemer an die Haustür. Und selbst das kann die «Instant Gratifikation» eines Online-Downloads nicht mehr erreichen, in dem die klassische AIDA-Kette, auf die die Konsumenten seit Jahrzehnten trainiert sind, in Sekunden realisiert werden kann. Dass die Sortiments-Auswahl ohnehin ein Phantom ist – auch die kleinste Buchhandlung kann in aller Regel alle bei Grossisten verfügbaren deutschen Titel binnen eines Tages liefern, ist für das digitale Buch egal… denn hier ist Lagerfläche kein Thema mehr, im ePub-Format passen mehr Bücher auf eine tragbare Festplatte als ein Mensch zu Lebzeiten lesen kann. Digitale Anbieter werden die großen Fillialen (und auch die restlichen kleinen Buchläden) zunehmend be- und verdrängen. Aber ist das aus Sicht des Lesers wirklich ein Verlust? Waren große Buchhandelsketten denn wirklich Orte literarischer Vielfalt und belletristisch versierter Beratung? War es wirklich sinnvoll, mehr als ein Fünftel der Fläche für Nonbook zu verwenden? Wahrscheinlich liegt die Rettung der größeren Anbieter jetzt sogar genau in der Beantwortung solcher selbstkritischer Fragen – weg von der reinen Mehr-ist-Mehr-Orientierung und hin zu den Qualitäten, für die der klassische Buchhandel seit Dekaden steht. Wobei ein Fokus auf Auswahl, Qualität, Beratung und Charisma unweigerlich auf Kosten eines effizienten Abverkaufens gehen wird. Und während die kleineren Buchhandlungen und inhabergeführten Strukturen diesen Weg der Selbstausbeutung seit langem kennen und leben, wird man sehen müssen, wie diese Arbeit aus Liebe zur Literatur und zum Stammpublikum auf die Logik von Handelskonzernen übertragen lässt. Wobei diese Frage – wie man als Konzern sozusagen zum Scheinriesen wird, der immer kleiner wird, je näher man ihm kommt, sich nahtlos auf viele andere Branchen übertragen lässt, die im digitalen Zeitalter vor ähnlichen Problemen stehen – von Banken bis zum Reiseanbieter.

7. Mai 2013 13:44 Uhr. Kategorie Stuff. Tag . Keine Antwort.

Slanted: Cuba

hd schellnack

Die 21. Ausgabe der Slanted dokumentiert die Unruhe dieses Magazins, das wieder einmal sein Format ändert (allerdings überraschend wenig am Design dreht, das in dem kleineren, eher buchartigen Format überraschend gut funktioniert) und auch inhaltlich den Fokus ändert. Denn es geht diesmal nicht um spezifische Schrifteigenschaften oder typographische Ordnungen, sondern im Mittelpunkt steht ein Land – Cuba, weswegen weite Teile des Heftes auch auf spanisch sind. Design, Leben, natürlich auch Typographie von Castros Zeitkapsel-Insel sind zu entdecken, ebenso wie urbane Aspekte von Havanna reflektiert sind und sich die Slanted über viele Texte auf verschiedenste Weise der Kultur des Landes nähert. Zum Vorschein kommt vor allem bei der Poster-Kunst eine seltsam zeitlos wirkende Gestaltung, die modern wirkt, aber doch aus vergangenen Dekaden zu wehen scheint, die brutaler und direkter, oft auch politischer wirkt. Als typographischer Reiseführer in die Fremde funktioniert die Slanted überraschend gut, und zugleich entkommt das Team um die Slanted-Veteranen Lars Harmsen und Julia Kahl der Sackgasse, in die das Magazin zu schlittern drohte – indem der Nutzeffekt des Magazins nahezu konsequent aus dem Heft, in eine Beilage, verbannt wird. So wird die Slanted nicht nur gestalterisch, sondern auch inhaltlich zunehmend zu einem Abenteuerspielplatz für die Macher – und das tut dem Magazin ausgesprochen gut, es macht nach wie vor Spaß, der Evolution dieses Anti-Magazins zuzusehen, das gedruckt unruhiger und lebendiger wirkt als so manche Onlinemedien.

hd schellnack
hd schellnack
hd schellnack
hd schellnack
hd schellnack
hd schellnack

(weiterlesen …)

24. April 2013 14:28 Uhr. Kategorie Design. Tag , . Keine Antwort.

Tweets

4. März 2013 22:00 Uhr. Kategorie Tweets. Tag . Keine Antwort.

Olfactive Studio

hd schellnack

Zunächst klingt die Idee, Parfums gemeinsam mit Photographen zu entwickeln und insofern eben auch Parfums für Photographen zu entwickeln möglicherweise nach einem Marketing-Gag. Krawatten für Architekten, Kaffeetassen für Lehrer, Uhren für Designer – es gibt immer wieder diese Nischenprodukte, die sich an einen Beruf heranrobben, auf der Suche nach neuen Absatzmärkten, unabhängig von einer wirklich zu dem Beruf passenden Idee.

Aber die Düfte von Olfactive Studio gehören ganz definitiv nicht dazu. Was vielleicht daran liegt, dass Celine Verleure durch ihre Arbeit für unter anderem Kenzo Erfahrung mit Parfums hat. Gemeinsam mit namhaften Photographen hat sie eine ganze Reihe von Düften kreiert, die photographische Eindrücke festzuhalten scheinen. Namen wie Chambre Noir, Still Life, Autoportrait und Lumière blanche vermitteln bereits bildhaft eine Ahnung davon, was bei diesen meist recht unisex-tauglichen Düften zu erwarten ist. Noir wirkt beispielsweise kraftvoll und dunkel, holzig, ein starker Duft, der mit Selbstbewusstsein getragen sein will, Autoportrait hingegen ist nahezu unsichtbar, zurückhaltend, vielleicht eine Art sehr viel leichtere Fassung von Sel de Vétiver von The Different Company. Das relativ neue Lumière Blanche riecht frisch und würzig, nach Moschus und Mandeln, während Still Life das vielleicht klassischste und blumigste Parfum der Reihe ist, mit viel Pfeffer in der Kopfnote und leicht holzig in der Basis. Jeder Duft bringt einen anderen Photographen oder Photographin (unter anderem Massimo Vitali) und eine eine andere Parfümeurin zusammen, wobei letztere dankbarerweise nicht im Schatten der Bildermacher stehen, sondern gleichermaßen auf der Website eine eigene Rolle spielen. So kann man entdecken, dass der vielleicht maskulinste und zugleich doppelbödigste Duft der Reihe, Chambre Noir (Darkroom), aus Kopf und Nase zweier Frauen erwachsen ist, was in der Reihe ansonsten meist männlicher Photographen ein Highlight ist.

Zusammengenommen bilden die derzeit vier Düfte eine Art kuratierter Serie, die sich für alle Gelegenheiten ideal anbietet. Von hell und klar bis zu hölzern-orientalischer Schwere ist für jeden Geschmack etwas dabei, beziehungsweise eben genügend Abwechslung für verschiedene Stimmungen und Anlässe. Es ist selten, dass eine so doch eher überschaubare Reihe so gekonnte definitive Stimmungen abdeckt und olfaktorisch auch hervorzaubern kann. Die Einheit von visueller Idee, Duft und Wirkung ist insofern ideal gelungen.

Wenn man so will, bietet Olfactive Studio genau das, wofür die Marke steht – Bildwelten, die man einatmen kann. Jedes der Parfums ist assoziativ und lädt bei aller Alltagstauglichkeit und gestalterischen Zurückhaltung zum Visualisieren ein, bis sich vor dem geistigen Auge tatsächlich die Ahnung einer Photographie, oder einer ganzen Ausstellung ergibt, in der man als Kurator durch Erinnerungen an zum Duft passende Photofragmente geht.

Insofern steckt hinter der Idee alles andere als ein Marketing-Gimmick – obwohl sie sich sicher dennoch perfekt als Geschenk für befreundete Photographen eignen wird. Vielmehr bietet Olfactive Studio ein sensuales Crossover, eine meisterhafte Synästhesie. Dazu kommt das schöne Detail, dass die Flakons in perfektem Minimalismus schwelgen: eine einfache Signatur, ein laborartiger Aufkleber, eine zum Thema des Duftes passende Färbung. Einfachheit, wie man sie vielleicht seit Helmut Lang nicht mehr hatte, die Flaschen kühl und funktional wie aus einem Laborregal.

Céline Verleures Konzept steht fast symptomatisch für einen Trend im Mode- und Fragrance-Markt, der zunehemend auch andere kreativwirtschaftliche Segmente erreicht. Mit der Erfahrung einer großen Marke im Rücken, bewaffnet mit einer Prise Mut, einem Blog, Facebook und einer kraftvollen Idee, hat die Pariserin eine Duftmarke etabliert, die eine willkommene Alternative zu den «big brands» darstellt. Wie Mikro-Brauereien, winzige Verlage oder kleinste Software-Schmieden, gibt es auch hier immer mehr Mini-Label, die eine erfolgreiche Alternative zu den Konzentrations- und Vereinheitlichungstrends in der Branche darstellen und sich als solche hoffentlich auch langfristig durchsetzen können.

11. Februar 2013 19:54 Uhr. Kategorie Stuff. Tag , . Keine Antwort.

Tweets

10. Februar 2013 22:00 Uhr. Kategorie Tweets. Tag . Keine Antwort.

Aw Yeah Comics

hd schellnack

Art Baltazar und Franco zeichnen seit einigen Jahren bei DC Comics für Publikationen verantwortlich, die eigentlich an Kinder als Einstiegsdroge gerichtet sind, die aber durch augenzwinkernden Humor, Insider-Kommentare auf den durchaus traurigen Zustand von DC heutzutage und durch phantastisches Artwork zu dem besten gehören, was dieser Verlag derzeit produziert. Umso trauriger, dass den beiden Schöpfern erst ein Heftwechsel aufgezwungen wurde und nun auch das eine Heft noch eingestellt ist, das sie zuletzt für DC produziert haben, ungeachtet der Kultgemeinschaft, die sich um die beiden geschart hat.

Insofern ist es nur konsequent, dass beide nun via Kickstarter ein neues Project starten – Aw Yeah Comics. Es wird spannend sein, ob die Arbeit der beiden auch ohne den satirischen Rückbezug auf die echten Superhelden-Comics ähnlich unterhaltsam sein wird, aber der Schritt zum vorfinanzierten Comic der beiden zeigt einen sehr deutlichen Trend, da immer mehr Autoren und Zeichner via Kickstarter ihre eigenen Publikationen planen, so etwa Gail Simone, die hier wohl auch auf ihre ganz eigene Krise mit DC Comics reagiert und – ähnlich wie Franco und Baltazar – in Rekordzeit ihre Pledge-Limit deutlich überschritten hat.

Warum ist das interessant? Es unterstreicht die Tatsache, dass Kickstarter inzwischen zu einer bedeutsamen Plattform wird (und es ist erschreckend, dass es in Deutschland immer noch nichts vergleichbares gibt), ebenso wie den Umstand, dass Kickstarter faktisch inzwischen zu den großen Comic-Verlagen in den USA gehört, ohne strukturell überhaupt ein Verlag zu sein. Man darf das getrost auf Filme, Bücher, Musik, Games und auf zahlreiche andere Produkte hochrechnen.

Der Grund liegt auf der Hand – Kickstarter ist eine der wenigen Antworten auf Raubkopie in Zeiten digitaler Medien. Denn die Finanzierung findet vorab statt. Die Erlöse nach der Publikation sind sicher Teil des Geschäftsmodells und «nice to have», aber im Grunde sind gut kalkulierte Projekte dieser Art bereits kein Minusgeschäft mehr, wenn sich ausreichend Backer finden, die Entscheidung über Flop oder Erfolg findet statt bevor die eigentliche Arbeit beginnt. Wenn Gail Simone bereits über 100.000 $ eingenommen hat – und damit das dreifache ihrer ursprünglich benötigten Startsumme -, dann dreht sich hier ganz nebenbei eine klassische Produktions- und Verkaufslogik um. Der Absatz findet bereits als Teil der Finanzierung statt.

Man darf sicher darüber diskutieren, ob ein solches Modell nur für bekanntere Kreative eine Basis bietet und sozusagen Überraschungserfolge oder die klassische Arbeit eines Verlages/A&R, überhaupt erst Stars zu generieren, ausschließt. Kickstarter ist keine universelle Antwort. Aber es ist interessant zu sehen, wie gut ein partizipatives Modell funktioniert und wie sich die Ideen hier exzellent positionieren lassen, während das herkömmliche Modell – erst produzieren, dann mal weitersehen, wer sowas braucht – zusehend ins Trudeln gerät.

Nicht nur für Baltazar und Franco dürfte insofern Kickstarter vielleicht eine Alternative zur work-for-hire-Situation darstellen, sondern auch für die Kreativbranche an sich eine Lösung skizzieren. Wir sind damit ja nicht so weit weg von den Methoden, unter denen etwa Musils Mann ohne Eigenschaften entstand, der auch von Freunden und Mäzenen und durch Vor-Veröffentlichungen finanziert war, nur weitaus weniger berechenbar und sozial verteilt. Dass dabei auch engere Verknüpfungen von Machern und Konsumenten entstehen, kann dabei kein Nachteil sein, wenn man bedenkt, dass die Idee des einsamen Autors im stillen Kämmerlein ohnehin und vielleicht auch Gott sei Dank etwas ausstirbt, der lebendige Austausch von Gesellschaft und diese reflektierenden Künstlern wäre ein Zugewinn (für beide Seiten). Die Frage ist, wie Verlage und Plattenfirmen, Produktionseinrichtungen und Künstler selbst mit diesen neuen Chancen umzugehen verstehen, wie schnell sie reagieren können und welche veränderte Rolle sie in diesem Gefüge spielen wollen und können.

Wer sagt, dass nicht das goldene Zeitalter der Autoren überhaupt erst bevorsteht?

6. Februar 2013 23:08 Uhr. Kategorie Online, Stuff. Tag , . Keine Antwort.

Tweets

22:00 Uhr. Kategorie Tweets. Tag . Keine Antwort.

Tweets

31. Januar 2013 22:00 Uhr. Kategorie Tweets. Tag . Keine Antwort.

Kreuzung

hd schellnack

15. Januar 2013 22:16 Uhr. Kategorie Photos. Tag . Keine Antwort.

Long Time no see: Demon Seed

hd schellnack

«Rosemarie’s Baby» trifft «I Robot» – diese 1977er Verfilmung eines B-Schockers des Vielschreibers Dean R. Koontz ist alles in allem ein ausgesprochen seltsamer, unwirklicher Film. Streckenweise unfreiwillig komisch, streckenweise psychedelisch, streckenweise body-horror um Dekaden vorweggenommen. Der Londoner Regisseur Donald Cammell ist eine exzellente Wahl für diese exzentrische Mischung, immerhin hatte er zehn Jahre zuvor in seinem bis dahin einzigen Film («Performance») schon einen eher surrealen Kult-Pop-Krimi produziert. Unter seiner Führung wird der plumpe Horrorstoff zu einem gleichzeitig grandios schlechten und schlicht grandiosen Kammerspiel zwischen Julie Christie, Fritz Weaver und Robert Vaughn als Stimme des Computers Proteus IV, der in einer etwas oedipalen Wendung als eigentlich für den militärisch-wirtschaftlichen Komplex unterirdisch konstruiertes Superhirn gegen seinen Schöpfer Dr. Alex Harris auf und schwängert (!) dessen Frau Susan, um selbst – Pinocchio würde es garantiert verstehen – menschliches Dasein erleben und Sterblichkeit begreifen zu können. Ganz à la Frankensteins Braut will Dr. Harris das natürlich nicht unbedingt zulassen, weswegen Proteus sich praktischerweise in das Labor seines Schöpfers hackt und vom dortigen Terminal aus nicht nur zu einer monströsen Metallplatten-Skulptur mutiert, sondern auch noch die gesamte Haustechnik übernimmt und Susan spontan im Keller vergewaltigt, da sie sich trotz bester Argumente Proteus’ freiwillig so gar nicht für eine Mensch-Maschine-Symbiose begeistern kann. Gespickt mit entsetzlichen aber liebevollen Trickeffekten, die teilweise so atemberaubend dreist bei Kubrick gestohlen sind (bietet sich bei einem Film über eine boshafte Künstliche Intelligenz ja auch an), das man ganz hingerissen ausrufen will: «So schlecht und so gut!» Denn trotz oder vielleicht sogar gerade wegen einem Hang zu britischer Skurrilität, seltsamen Wendungen in der ohnehin eher wirschen Handlung, trotz sowohl steifer wie auch hysterischer Darsteller, trotz der genial nebelmaschinenverhangenen Trick ist dem Film in jedem Moment eine ganz eigene Leidenschaft anzumerken, eine besondere Intensität. Und die sorgt tatsächlich für einen unwirklich-alptraumhaften Horror, der sich eben gerade wegen der irrationalen Handlung einstellt. Die Verve, mit der Cammell seinen Zug von der eigentlichen Science-gone-wrong-Schiene entgleisen lässt, verunsichert für den Rest des Films, weil man diesem Film jederzeit jede noch so abstruse Wendung zutraut… und in dieser Erwartung auch selten enttäuscht wird. «Demon Seed» ist seltsamerweise ein Film, der viel will, an den eigenen Ambitionen furios scheitert und gerade deshalb, in seinem Scheitern überhaupt erst gut wird. Ein besserer Film wäre wahrscheinlich insgesamt einfach ein anderer Film, mit plausibler Handlung, einer glaubhaften Motivation für Proteus, mit weniger dreisten Zitaten – wahrscheinlich hätte es den Film dann einfach nie gegeben. Ein nur noch marginal schlechterer Film hingegen wäre als platter Horrorschocker längst vergessen in der Schublade von Filmen, die selbst Corman noch zu peinlich wären. Aber so? Irgendwo zwischen Ballard und Hammer-Studios? So ist «Demon Seed» beunruhigend, verwirrend, bis zum letzten Moment durch und durch anders. Wir finden oft genug Filme gut, weil sie auf amüsante Art «trash», «camp» oder einfach eben genial schlecht sind, aber ein Film, der nur funktionieren kann in dem, was er eigentlich erreichen will, weil er es eben nicht erreicht? Atemberaubend selten! Im Grunde ist «Demon Seed» in seinem Scheitern ein gelungenes Stück Kunst.

21. Dezember 2012 09:16 Uhr. Kategorie Film. Tag , . Keine Antwort.

Long time no see: Soylent Green

hd schellnack

«Soylent Green» ist einer dieser wegweisenden und prägenden Filme für mich, die Sorte, die du als Kind siehst und die sich in eine bestimmte Genre-Ecke bewegen. Weniger Science als Social Fiction hat er mich vor zig Jahren auf eine ganze Flut von Büchern und Filmen gestoßen und zu einem lebenslangen Fan spekulativer Fiktion dieser Art gemacht, weniger Raumschiff, mehr soziopsychologische Experimentierkammer. Aus den Thesen des Club of Rome entwickelt, ist der Film nahtlos in der Tradition von diesen Siebziger-Filmen, die wenig mit dem Weltall und Strahlenkanonen anfangen können und mehr mit der konkreten Alltagszukunft der Menschheit, die eine ehrlichere, direktere Reflektion beziehungsweise Extrapolation gegenwärtiger Tendenzen sind. Oder vielmehr der Ängste ihrer Zeit, wobei nur wenige Filme jener Periode die erwachenden Umwelt- und Wachstumsängste so gekonnt ganz wortwörtlich zu Hobbes »Homo homini lupus« verdichten wie «Soylent Green» und die Kannibalen-Apokalypse beklemmender inszenieren als die meisten Zombie-Filme von heute es könnten.

»Soylent« wirkt dabei an manchen Stellen natürlich ebenso »preachy«, übertrieben und angestaubt wie viele andere ähnliche Werke aus dieser Periode (wie ja etwa selbst «The Sheep Look Up» von Brunner), besticht beim Wiedersehen aber eigentlich sogar durch genau diese Uncoolness. Der Film hat eine Botschaft und ist sich nie zu fein, diese auch mit dem Holzhammer ins Gesicht der Zuschauer zu prügeln. Es ist ja inzwischen eigentlich wohltuend, einem Regisseur bei der Arbeit zuzusehen, der bei allem kommerziellen Ansatz eines SF/Krimi-Films noch versuchte, sein Publikum zu erziehen und dabei recht unzierlich ist. Richard Fleischer, 1973 bereits durch und durch alter Hollywood-Kriegshengst mit fast drei Dekaden Erfahrung, ist in den 60s und 70s auf der Höhe seines Schaffens und als Blockbuster-Lieferant genügend Rang, um einen Film zu produzieren, der einerseits gnadenlos akute soziale Themen aufs böseste ausschlachtet, andererseits genug Vibration erzeugt, um bis heute als Klassiker zu gelten. Tiefe und Gewicht bekommt Soylent dabei vor allem durch «The Book» Ernest Borgnine, dem man die nostalgische Verzückung wegen ein paar Lebensmitteln ebenso abnimmt wie die fast transzendente kontroverse Euthanasie-Szene. Die fein nuancierte Kunst des wunderbar gegen seine eigene Bad-Boy-Schublade anspielenden Borgnines gibt dem Film eine Glaubwürdigkeit, die sich aus Andeutungen zu ergeben scheint, aus Beiläufigkeiten. In einem Film, in dem die Oscarkategorie « Dramatischstes Overacting» bereits vom Hauptdarsteller Heston perfekt abgedeckt ist, liefert der während der Dreharbeiten bereits an Krebs erkrankte (und in der Sterbeszene insofern den eigenen Tod selbst vorwegnehmende) Borgnine eine der Rollen seines Lebens, macht mit einem Augenblick mehr als Heston mit allem Schwitzen, Grunzen und Prügeln. Sein Solomon Roth ist die Figur, an der wir das Elend der gesellschaftlichen Niedergangs tragischer erleben als an den überfüllten Straßen. Es ist Borgnines Verdienst, dass es bei «Soylent Green» eigentlich völlig egal ist, wie die Leiche zu Beginn des Filmes heißt, die als reiner McGuffin die Handlung lostritt (es ist William R. Simonson, Chef der Soylent Green herstellenden Firma). Der wahre Mord, das wahre Verbrechen in diesem Film ist das Leben in einer Welt, in der der Freitod nicht nur gesellschaftlich gewollt, sondern individuell die sachlich bessere Wahl ist, die wirkliche Glücksstrategie in dieser stinkenden engen Welt ist der Selbstmord.

Aber auch Charlton Heston – heute eher als Witzfigur für Michael Moore berühmt als der Kinostar, der er einst war – ist aus diesem Film nicht wegzudenken. Ähnlich wie bereits in «Planet der Affen» und «Omega Man» zeigt er (wahrscheinlich unfreiwillig) gerade in seiner lauten Fast-Parodie des Actionhelden (später nur noch zwischentonfrei von Arnold Schwarzenegger übertroffen) den Macho im Zusammenbruch. Seine körperliche, wütende Aggression, der frustrierte Handlungsdrang – Heston ist ein Cowboy in einer Welt, die er nicht mehr versteht, ein Outcast, ein Mann, der mit seinen Fäusten nicht mehr in der Lage ist, die Komplexität der Realität zu verformen, gefangen im Netz von Sachzwängen und Deals. Wenn er als Polizeidetektiv Robert Thorn den Zuhälter der «Furniture»-Mädchen prügelt, wenn er Lebensmittel stiehlt oder sich an den Edel-Prostituierten aus Simonsons Appartement bedient, dann ist Heston der inkarnierte Jäger und Sammler der Urzeit, Huxleys edler Wilder in der Schönen Neuen Welt. Thorns kleine Ganovereien sind dabei einerseits natürlich absolut funktional in der Nachkriegsstimmung dieser überbevölkerten Mangelgesellschaft, andererseits ist seine Hilflosigkeit im zynischen Geflecht von Politik, Gewinnmaximierung und Sachzwang symbolisch für die Ängste Amerikas in dieser Periode… hier zeigen sich psychologisch tatsächlich tiefere Ängste als die, die man oberflächlich dem Ölschock zuweisen kann. Während Clint Eastwood oder Michael Douglas erst Dekaden später ratlose Tatmenschen verkörpern, ist Heston bereits hier orientierungslos und schlägt wütend, ultimativ wirkungslos, auf die Glaswände seines Gefängnisses ein. Was schließlich ist noch vernünftig, wenn die ganze Welt verrückt geworden ist? Und was wäre eine sinnvolle Alternative zum höflich gebrochenen Kannibalismus, der hinter der Produktion von Soylent Green steckt? Am Ende bleibt nur die Wahl, so legt Fleischer uns nahe, zwischen Thorns furioser, aber letztendlich sinnlos verpuffender Wut und Rothmans resignierendem Sterben. Diese böse Botschaft in einen Film zu verpacken, der dennoch den üblichen Handlungsstrukturen eines Hollywood-Thrillers entspricht, ist beachtenswert.

Denn auch ohne die Öko-Botschaft ist «Soylent Green» ein beachtlicher Film Noir, der hemmungslos bei Chandler klaut und der mit Thorn eine Figur erschafft, die in ihrer Korruption und Aufrichtigkeit so sehr Kind der 70er ist, wie zugleich wegweisend für spätere gebrochene Antihelden. «Blade Runners» Rick Deckart beispielweise hat hier einen eindeutigen Vorläufer, auch wenn die Dystopien sich natürlich grundlegend unterscheiden… jeweils ihr eigenes Jahrzehnt wiederspiegeln. «Soylent» ist auch deshalb so erfolgreich gewesen, weil es einer der ersten deutlichen Genre-Mashups war: Die SF-Elemente dienen hier einerseits nur als Background und ungewohntes Setting einer relativ normalen Krimihandlung à la Philip Marlowe, paradoxerweise macht aber nur diese Handlung den Kern des SF-Frameworks wirkungsvoll und überhaupt verdaulich. Das Zukunfts-Szenario wirkt wie eine Frischzellenkur für die relativ abgegriffene Krimihandlung, aber die Vertrautheit eben dieser Handlung macht die an sich massiv ungenießbare Club-of-Rome-Botschaft überhaupt erst verdaulich und nachhaltend wirksam. Es ist, anders gesagt, ein hochelegantes Film-Design, das hier am Werk ist, das gekonnt kommerzielle Wirksamkeit als Basis einer weiterführenden Intention ausnutzt. Es gibt wenig Filme, die das halbwegs erfolgreich und zugleich ehrlich hinbekommen – die Siebziger gehören zu den etwas besseren Dekaden für diese Art von Film –, und genau deshalb wirkt «Soylent Green» in der Rückschau zwar unweigerlich etwas angestaubt und unentspannt zugleich, überzeugt aber immer wieder durch Mut zum absonderlichen Detail und durch zwei Darsteller, die in Hestons Fall perfekt das eigene Image gegen sich selbst wenden, in Borgnines Fall große darstellerische Qualität in einen eigentlichen B-Movie bringen und diesen dadurch erstrahlen lassen. Am Ende kann sich Soylent nie ganz entscheiden, ob er Dystopia, Krimi, Charakterstück oder Action-Drama sein will… und genau diese dem echten Leben seltsam nahekommende unfreiwillige Unausgeglichenheit, die so seltsam aus dem Handgelenk geschüttelt wirkt, macht den Film auch noch nach fast vierzig Jahren viril.

18. Dezember 2012 18:01 Uhr. Kategorie Film. Tag . Eine Antwort.

William Gibson: Distrust that particular flavor

hd schellnack

Es ist fast verblüffend, dass William Gibson im Vorwort dieser Sammlung von Artikeln und Vorträgen so vehement sein Unbehagen mit nicht-fiktionalen Texten bekundet. Sind doch seine Bücher perfekte Fusionen von Realität und Erfindung, wobei nie ganz klar ist, was eigentlich echt und was fiktional ist. Wer ein derartiges Talent besitzt, das Reale in die Literatur einfließen zu lassen, dem sollte es doch leicht fallen, den umgekehrten Weg zu beschreiten, oder?

Vielleicht ist sich Gibson der Fragilität der besonderen Art von Lüge bewusst, die spezifisch seine Art zu schreiben darstellt, diese hauchdünne Illusion von Realität – und darüber, wie diese Fata Morgana des Gibsonverse fadenscheiniger wird, an Substanz verliert, wenn man nicht den Roman mit der Surrealität der modernen Welt anreichert, sondern umgekehrt, die Reportage zum Vehikel literarischen Nachdenkens macht.
Bereits der erste Text, eine Art Meditation über Dead Media (Tragbare Radios, 8-Spur-Kassetten usw.) und wie sie in den Nischen der Zivilisation überleben, und vor allem der dahinter gestellte kurze rückblickende Kommentar aus dem »Heute« (spannend wäre übrigens, wenn eine neuaufgelegte Edition 10 Jahre später diese Kommentare wieder reflektiert kommentieren würde) machen eine Fusion aus journalistischer Neugier, autobiographischen Interessen und schriftstellerischer Gabe deutlich, die trotz Gibsons Kritik an der eigenen Arbeit beeindruckend ist, zumal der Text quasi nebenbei die heutige Medienkonvergenz hervorsagt.
Wie nebenbei entspinnt sich aus den Texten ein Bild des Autors, in Referenzen, in Nebensätzen, in den »speeches« sogar sehr direkt etwa über die Entscheidung, Romane nicht mehr in der mehr oder minder fernen Zukunft anzusiedeln, sondern vielmehr die Gegenwart mit den Werkzeugen der SF-Literatur anzugehen. Es sind diese indirekten Einblicke in das tastende Denken dieses Autors über Gesellschaft, Zukunft und das kreative Arbeiten, der durch digitale Medien ohnehin zu den öffentlicheren Menschen seiner Zunft zählen dürfte, die das Buch auszeichnen. So reflektiert ein Artikel vom Ende der 90er Jahre über Gisons Begegnung mit eBay und seiner Faszination für mechanische alte Uhren so präzise meine eigene Erfahrung, dass es fast erschreckend ist – und ist zugleich eine Zeitkapsel, denn nur knapp eineinhalb Dekaden später ist eBay zumindest für den Uhrenkauf mehr oder minder unbrauchbar geworden und das gesamte, damals noch so naive System des Online-Auktionshauses längst von professionellen Händlern und vom Betreiber selbst so unterminiert, dass es durch die Professionalisierung den ursprünglichen Charakter und Wert weitgehend verloren hat, so wie jeder Kinderflohmarkt nach und nach von Berufshändlern vergiftet wird.

Ob Eindrücke aus Japan, Buchempfehlungen oder andere Inspirationen, die Gibson freilegt – »Distrust« fungiert als angenehmer Exhibitionismus von Quellen und Mustern, die Gibson steuern. Dass er sich für soziale Autisten in Tokio ebenso interessiert wie für die Tamagotchi-Psychologie des Uhrensammelns wird jedem Leser seiner Bücher sofort einleuchten, für jeden, der den Autor wegen seines SF-Labels bisher gemieden hat hingegen, dürften diese kurzen Texte als Einstiegsdroge dienen. Quasi frei von dem Gewicht von Dialog, Charakteren und Handlung entpuppt sich hier ein William Gibson in reinster Form, der wie ein Taucher in fremde Welten hinabsinkt und verwaschene Polaroids von »da unten« für uns an die Oberfläche bringt. Was in seinen Romanen eine Art Kontext, eine Textur bildet (die mitunter zugegeben wichtiger ist als die eigentliche Romanhandlung), ist hier in der Essenz zu genießen: Der Autor als Anthropologe des Seltsamen, des Verschrobenen, der die Outcasts und die surrealeren Aspekte des Future Shocks auf den Punkt schreiben kann. Gibson erinnert in den besten Momenten insofern nicht ganz von ungefähr an Kracauer, der auf seine Art eben diesen technologischen, kulturellen und sozialen Schockzustand der 20er Jahre so unvergleichlich literarisch abzubilden vermochte. Die Textsammlung von Gibson wird diesem Anspruch nicht ganz gerecht – viele der kurzen Texte sind Vorworte von Büchern oder »fluffige« Texte für Magazine, aber wenn Gibson fliegt, dann ist er als Sachautor keinen Deut schlechter denn als Prosaschreiber. Im Gegenteil – manchmal scheint es, als wären seine Faszinationen ohne Handlung und erfundene Figuren klarer und hypnotischer, Sund wahrscheinlich mag Gibson genau deshalb seine eigenen non-fiktionalen Texte weniger, sie sind enthüllender. Zugleich zeigen sie, dass die Wirklichkeit heute, um Chuck Palahniuk zu zitieren so »stranger than fiction« geworden ist, dass Essays und Sachtexte oft zumindest ebenso fesselnd sein können wie die Romanform, aber dabei direkter, schärfer konturiert wirken.

Das es zwischendrin immer wieder spannende Einblicke in alltägliche und doch unvertraute Aspekte menschlichen Daseins gibt, die Gibson feinfühlig obduziert, dass es akrobatische Ablationen gibt, zusammengehalten von einer neiderweckenden sprachlichen Begabung, dass in den kleinen Texten ein bündiger, holographischer Mikrokosmos von Gibsons Arbeit steckt, etwa in dem atemberaubenden Hikaru-Dorodango-Artikel für das Tate Magazin – all das straft Gibsons bescheidenes Vorwort natürlich Lügen. Er ist ohne Frage ein brillanter Sachautor und es ist mehr als lohnend, ihn hier einmal von der anderen Seite seines Zauns zwischen Wirklichkeit und Fiktion Botschaften senden zu erleben, vielleicht gerade weil diese Wand ohnehin bei fast keinem Schreiber so durchlässig ist wie bei ihm.

14. Oktober 2012 16:47 Uhr. Kategorie Buch. Tag , , , . Keine Antwort.

Endless Now

People my age are products of the culture of the capital-F Future. The younger you are, the less you are a product of that. If you’re fifteen or so, today, I suspect that you inhabit a sort of endless digital Now, a state of atemporality enabled by our increasingly efficient communal prosthetic memory.

William Gibson, Distrust that particular flavor

8. September 2012 10:27 Uhr. Kategorie Stuff. Tag , . Keine Antwort.

12-09-07

7. September 2012 21:00 Uhr. Kategorie Tweets. Tag . Keine Antwort.

12-08-31

      Could somebody please produce this Ross Lovegrove TyNant bottle again? IN GLASS please, and with a metal cap? Thanks!

http://t.co/8dhI5UGi#

      Great bedroom

http://t.co/j9tVPLXW#

31. August 2012 21:00 Uhr. Kategorie Tweets. Tag . Keine Antwort.

Long Time no see: Someone’s watching me

hd schellnack

Erst in der Mitte dieses Films ist mir aufgefallen, dass ich ihn schon kenne. Er muss irgendwann in grauer Vorzeit als Fernsehfilm gelaufen sein, ich habe ihn als Kind gesehen. Tatsächlich von John Carpenter 1978 fürs Fernsehen geschrieben und gedreht, folgt dem minimaoistischen «Assault on Precinct 13» und ist fast zeitgleich mit der Produktion des Klassikers «Halloween» entstanden. Obwohl er viele für Carpenter typische Nuancen hat, ist es merklich ein Made-for-TV-Streifen, spürbar inspiriert von «Psycho», «Rosemary’s Baby», «Rear Window»/«Vertigo» und vielen anderen Vorbildern und auch wirklich sichtbar extrem low-budget. Die Handlung ist nahezu absurd dumm, die Nebenrollen völlig blutarm, das Produktionsbudget bestenfalls auf dem Niveau einer Laienspielschar – und dennoch macht vor allem der Beginn des Films Spaß, weil Carpenter selbst unter diesen Bedingungen (und ohne selbst die Musik beizusteuern, was atmosphärisch wirklich immer schade ist) einen schleichenden urbanen Horror entfalten kann, der gerade durch die Unwirklichkeit der vergleichsweise lächerlich wirkenden Bedrohung effektiv wirkt. Wie in einer Art Masterclass kann man hier zusehen, wie Carpenter sich von der Hitchcock-Kopie zu einem eigenen Stil herantastet und entdeckt dabei viele Elemente, die später zu festen Eckpfeilern seiner Arbeit wurden. Herausragend an dem Film ist aber vor allem Lauren Hutton als taffe Fernsehproduzentin Leigh, die vor einer verkorksten Beziehung nach LA flüchtet. Hutton präsentiert die Figur zu keinem Moment als schwaches Frauenklischee, sondern ist – selbst im Kontext eines Carpenter-Films, der zu starken Frauenrollen tendiert – zynisch, humorvoll, selbstbewusst, sexy (soweit im TV möglich) und im großen und ganzen meist in control of the situation, was ihren langsamen Nervenzusammenbruch umso glaubhafter und schwieriger macht. Hutton dominiert diesen Film so sehr, dass nicht nur die Nebenfiguren, inklusive der männlichen Hauptrolle, sondern auch der Antagonist völlig unwichtig erscheinen, die wahre Freude entfaltet «Someone’s watching me» dabei, diesem Supermodel beim gekonnten und lässigen Agieren vor der Kamera zuzusehen und das 70s-Flair des Films zu genießen. Die Mode, die Wohnungseinrichtung, das urbane Umfeld – von Finchers Zodiac nur noch imitiert und hier eben echt -, und eine Darstellerin, die so extravagant, mitreißend und cool ist, dass man sich fragt, wieso Faye Dunaway eigentlich so groß geworden ist und Huttons Kinokarriere eher C-Level hatte. Wie so oft bei relativ schlechten Filmen kann man sich herausragend auf Subtext und Details konzentrieren und die Nuggets im Schlamm entdecken – dieser «verlorene» Carpenter jedenfalls ist in genau diesem Sinne ein großartiger B-Movie.

17:06 Uhr. Kategorie Film. Tag . Keine Antwort.

12-08-30

      Die Scheinargumente für ein Leistungsschutzrecht

http://t.co/ajDeHsEu#

      Großraumbüros: Clean-Desk oder chaotisch-kreativ?

http://t.co/xzJ6hyXB#

      Campbell’s Soup releases Warhol special edition cans

http://t.co/5bJ67B5a#

      Recycling-Architektur: Nur wer nicht baut, baut gut

http://t.co/qA9xSQPc#

      Aranguren & Gallegos Architects – ABC Museum

http://t.co/t8HhenOd#

30. August 2012 21:00 Uhr. Kategorie Tweets. Tag . Keine Antwort.

12-08-29

      The Simple Styling Trick that Instantly Makes Any Room Look Neater

http://t.co/rjqshdDf#

      Google offering Google+ for businesses, free until the end of 2013

http://t.co/xdc4OjWH#

      Old favorite of mine, mistress of materials: Jennifer Sterling

http://t.co/IOAy8I02#

      kitchen love…

http://t.co/w5GT3m2u#

      Wooden Toys by Permafrost.

http://t.co/USIsP3Hc#

      Apropos Holz – wunderschöner Tisch hier

http://t.co/rcXliYXL#

29. August 2012 21:00 Uhr. Kategorie Tweets. Tag . Keine Antwort.

12-08-28

      Very charming: House on the island

http://t.co/xWVWokYa#

      How Microsoft Designed Its New Logo

http://t.co/JAs6opKw#

      Nope, it was a Selectric II – this color, to be precise (and it looked as messed up as well). Wrote a LOT with this.

http://t.co/a2Wc2hLI#

      More IBM Selectric, including typeface-specimen here…

http://t.co/g4QjjkD8#

      And another one (Selectric III, had this as a kid)

http://t.co/FKqSvern#

      Beautiful – Vintage Selectric Typewriter Manual Cover Artwork

http://t.co/0Uf1wGSQ#

      Ginan House by Keitaro Muto Architects

http://t.co/x1My9Slw#

28. August 2012 21:00 Uhr. Kategorie Tweets. Tag . Keine Antwort.

Adam Baldych & The Baltic Gang: Imaginery Room

hd schellnack

Dass ACT sich inzwischen in Sachen schönes Cover-Artwork und phantastischer Musik zu einem echten Konkurrenten von ECM mausert, ist lange kein Geheimnis mehr – und das Klangspektrum ist oft weiter gespreizt als das von ECM, die oft eben bei einem spezifischen Label-Sound bleiben. So auch diese Produktion, die für ACT ungewohnt auf Jazz-Geige setzt, beschwingte Eigenkompositionen des jungen polnischen Ausnahmesolisten Adam Baldych, der hier mit einer atemberaubenden Besetzung frischen Wind in den oft zu gleichen Jazzsound wirbelt. Nach den Balkan-Beats also Balkan-Jazz? Jein. Denn natürlich geht es hier mit mehr Feuer zur Sache als vielleicht beim skandinavischen Einsamkeits-Jazz, die Musik will nicht nur deinen Kopf, die will auch deinen Bauch, die ist groß besetzt und so gut gespielt wie emotional, hier geht es um die große Geste, nicht ums Understatement. Von der Klischee-«Ostblockjazz»-Geige ist Baldych aber Lichtjahre entfernt, hier ist nicht volkstümlich, sondern eine präzise, klare Maßarbeit, deren Gefühl aus dem Können kommt, nicht aus dem Gesülze. Gerade wenn man denkt, sich am modernen Jazz und seinen klammen Experimenten einerseits und toten Sphärenklängen andererseits sattgehört zu haben, kommt so ein Album daher, macht alles gleich und dennoch alles anders, distanziert und dann nahbar, so durch und durch global – da blitzen skandinavische Weiten auf, ungarischer Puls und irgendwo auch der Herzschlag von NY oder London, das gepflegte Urbanrostige unter de Chrom – und vor allem so wunderbar unverkopft. Ein europäisches Album, das sich liebevoll vor der großen Jazzlegende USA verneigt.

16. August 2012 14:04 Uhr. Kategorie Musik. Tag . Keine Antwort.

Kin: iamwhoiam

hd schellnack

Wer weiß, vielleicht ist »iamwhoiam« gar keine Musik, sondern ein audiovisuelles Stück Konzeptkunst – Jonna Lee ist sicher als Künstlerin experimentell genug, um jenseits der Grenzen eines «Albums» zu denken. Und trotzdem – auch ohne viral bei Youtube gehypte Videos und Konzepte überzeugt das Projekt Kin mit atmosphärischem Synth-Ambient-Pop, der sich nicht scheut, auch mal billig-verhallt zu klingen oder zu kitschigen Flächen und Glöckchen zu greifen. Unterkühlter, weit entfernter Gesang, mittig und eisern, halten die Sache in der Balance, lassen keine verdächtige Nähe zum Dream-Pop aufkommen, sondern erinnern eher an die Klangwelten eines Carpenter-Soundtracks, irgendwie billig, irgendwie süßlich und trotzdem irgendwie beunruhigend. Man fühlt sich auch an eine Art elektronische Version früher Cocteau Twins erinnert, schockgefrostet und in Wodka gebadet, lasziver, wenn das denkbar ist. Kin ist nicht so anschmiegsam produziert wie viele andere vergleichbare weibliche Sängerinnen und bewahrt eine klare Distanz zum Hörer, so sparsam wie die Titel der Tracks, wunderbar unterproduziert, weit ab von der Chance auf einen Hit, auch wenn »Sever« eigentlich ein ganz und gar famoses piece of pop ist. Absolut kaufenswert und nach mehrfachem Hören kein Album, das dich langweilen will, sondern wächst und wächst.

17. Juli 2012 16:41 Uhr. Kategorie Musik. Tag . Keine Antwort.

Dark Shadows

hd schellnack

Dieser Film ist eine Identitätskrise. Er wäre vielleicht gerne eine Komödie, aber er ist nicht lustig. Er könnte womöglich auch ein effektlastiger Fantasyfilm sein, aber er wird zu keinem Zeitpunkt spannend oder atemberaubend. Er könnte eine dieser man-out-of-time-Stories sein, aber ausgerechnet Tim Burton, Meister der cineastischen Außenseiterfiguren, holt aus diesem Aspekt bestenfalls müde Gags heraus. Er hätte eine bizarre Familiengeschichte abgeben mögen, wenn man als Zuschauer nur zwei oder drei der Charaktere wirklich kennenlernen (oder gar mögen) würde. Aber »Dark Shadows« bleibt im Bereich der Konjunktive stecken, in ungehaltenen Versprechen und brachliegendem Potential gefangen.

Was überraschend ist – schließlich ist der Stoff des Films schon fast zu naheliegend für Burton, eine Mixtur aus Elementen von »Sleepy Hollow« und »Scissorhands«, und vielleicht ist gerade diese Nähe ein Grund für die routinierte Müdigkeit, die »Dark Shadows« ausstrahlt. Vielleicht begründet sich die mangelnde Energie auch in der stets gleichen Crew von Darstellern, mit denen Burton arbeitet. Burton arbeitet stets mit den gleichen Darstellern und unabhängig von der enormen Qualität von Mimen wie etwa Helena Bonham-Carter bringt diese Vertrautheit unweigerlich auch eine gewisse Routine und damit Langeweile in den Prozess ein – zumal gerade Depp in diesem Film einfach übertrieben campy wirkt (was auch an der Synchronisierung liegen kann), als groteske Mischung aus Nosferatu und Klarion the Witch Boy. Insofern verwundert es nicht, dass ausgerechnet die Nebenrolle von Chloë Grace Moretz zumindest anfangs noch am ehesten fesselt – ihr hyper-gelangweilter Teenager, fast am Rande dessen, was man überhaupt noch Schauspielerei nennen dürfte, gehört zu den wenigen Highlights des Films. (Ein anderes ist das Cameo von Ur-Vampir Christopher Lee als Seemann, sehenswert ist auch Jackie Earle Haley als Willie Loomis.)

Ansonsten wirkt der Film seltsam gehetzt, so als wäre es tatsächlich eine Art imaginärer Zusammenschnitt einer kompletten Fernsehserie – und nicht ein Kinofilm, der lediglich auf einer Serie basiert. Handlungsfäden, die im Rahmen von einer oder mehreren Serienstaffeln sinnvoll wirken mögen, sind in dieser komprimierten Form einfach nicht mehr überzeugend, daran ändert auch eine dicke Schicht Edeltrash-Lackierung wenig. Würde man eine Staffel von »True Blood« auf 90 Minuten schneiden, käme eine ähnlich flüchtige Angelegenheit dabei heraus… aber eben kein Kinoabend, sondern nur ein Flirren von Moment zu Moment. Aber selbst für HBO wäre »Dark Shadows« noch zu oberflächlich und unlogisch. Andere Comedy-Crossovers wie »Der Tod steht ihr gut« oder »Men in Black«, die ebenfalls Humor mit SF oder Horror vermengen, wirken immer noch kohärent und seriös gegen Burtons neues Werk, das eher wie ein schlechtes Musical daherkommt, ohne aber an die operettenhafte Energie von »Sweeney Todd« heranzureichen oder an die phantastische Broadway-on-Ecstasy-Schwüle der Schokoladenfabrik-Ästhetik.

Und so ist »Shadows« vielleicht ein idealer Fan-Service für die Anhänger der Original-Serie, eine nostalgische Leistungsschau, vielleicht ist er auch nur ein Spaß, den sich Burton selbst geschenkt haben mag. Aber tatsächlich ist verblüffend, dass ein Regisseur, der überzeugend Humor liefern kann und auch für echte Horror-Momente zu haben ist, ausgerechnet in der Mischung der beiden Genre einen solchen Flop produziert, der Camp sein will, aber niemals wirklich ist, weil er wie ein orientierungsloses Schiff zwischen zu weit auseinander liegenden Häfen treibt, nicht lustig, nicht spannend, nicht verrückt, nicht unterhaltsam. »Dark Shadows« ist ein seltsamer Nicht-Film, ein Ansatz, der so viel sein möchte, dass am Ende ein Vakuum bleibt. Hoffentlich erholt sich Burton mit seinem Film von dieser Identitätskrise und findet zur Energie stärkerer Filme zurück. Jedenfalls dürfte Burton damit endlich das Problem los sein, dass er ständig mit »Planet der Affen« als seinem schlechtesten Film konfrontiert wird – das umstrittene Remake von 2001 überzeugt gemessen diesen Film geradezu als Meisterwerk.

13. Juni 2012 10:22 Uhr. Kategorie Film. Tag , . Keine Antwort.

The Hunger Games

hd schellnack

Vorweg – es ist tatsächlich eine große Freude, eine Literaturverfilmung zu sehen, ohne die Vorlage zu kennen. Ich bin aufgrund eines spannenden Trailers spontan (vor mittlerweile drei oder vier Wochen…) in diesen Film gegangen, ohne die Buchtrilogie von Suzanne Collins auch nur näherungsweise zu kennen. Das hat man selten genug, völlig unbedarft, ohne den permanenten Vergleich im Kopf, an eine solche Übersetzung von einem Medium in das andere heranzugehen. Wenn ich Kommentaren bei IMDB glauben darf, ist der Film unter dem Gesichtspunkt dieser Übertragung nicht wirklich gelungen (wie das ja meist der Fall ist wenn Drehbücher Adaptionen sind anstatt auf ihr eigenes Medium maßgeschneidert zu sein), und rückblickend ist es natürlich phantastisch, sich zumindest diesen Ärger erspart zu haben. Es gibt Filme, in denen ist die Regie so gekonnt – etwa im 3. Teil der Harry-Potter-Verfilmungen oder bei »Schweigen der Lämmer« -, das die Divergenzen zwischen Buch und Film dir egal sind, aber in 90% aller Fälle vergiftet es den Film etwas, wenn man die ursprüngliche Fassung kennt.
Das erste, was auffällt, ist wie sehr der Film einfach den Trailer wiedergibt (beziehungsweise umgekehrt) – wer den Trailer gesehen hat, hat während der ersten Filmhälfte permanent das Gefühl, eine Art »Extended Remix« zu sehen, wobei die Kurzfassung irgendwie besser war. Seltsam ist, dass die einige 100 Jahre in die Zukunft gelegte Welt der Hungerspiele im Trailer völlig intuitiv verstanden werden kann, in der ausgedehnten Fassung aber nicht sinnvoll zusammenkommen will. Eines der vielen Probleme dieses Films ist sein unglaubwürdiges, in sich nie logisches Worldbuilding. Wenn eine Gesellschaft die Ressourcen hat, die die »Capitol«-Realität aufweist, und aus dem Nichts heraus dreidimensionale Monster gleich mehrfach auf das Spielfeld beamen kann – warum baut dieses Regime dann auf so primitive faschistoide Unterdrückunsmechanismen? Nur damit es an das alte Rom bzw. an das Dritte Reich erinnert? Welche TV-Übertragung würde jemals wirklich das Finale künstlich beschleunigen wollen, anstatt die Erfolgssendung eher auszudehnen? Wo ist der Kick einer Show, die menschliche Kombattanten bis zum Tod gegeneinander antreten läßt, wenn am Ende die letzten Spieler nicht voneinander, sondern von übermächtigen Bestien zerfleischt werden? Warum laufen bei den 74. Hungerspielen immer noch die Gladiatoren zum Füllhorn – sollten, wenn die ganze Welt diese Show zwangssehen muss, nicht alle Spieler wissen, dass dort ein riesiges Gemetzel stattfindet. Autorin und Regisseur machen diesen Fehler, weil *für Sie* dies die ersten Hunger Games sind, aber die tatsächlichen Bewohner dieser fiktiven Wirklichkeit würden das Füllhorn meiden, weil sie oft genug gesehen haben müssten, was dort passiert. So wie ja in Big Brother auch ab der 2. Staffel die Bewohner der TV-Wohngemeinschaft ganz anders agierten, weil sie durch die erste Staffel informierter waren und die »Regeln« kannten, nach denen du dich beim Publikum beliebt machst.
Solche und viele weitere Fehler in der internen Kohärenz der Geschichte versalzen unweigerlichen jede Art von postapokalyptischen Dystopiaschocker, zumal wenn dieser so frappierend an Battle Royale erinnert, Kōshun Takamis Roman und der daraus hervorgegangene Film und die Mangaserie, die weniger wollen und genau dadurch mehr erreichen. Anstelle einer ausgeklügelten, dann aber doch im Detail widersprüchlichen Fantasy-Welt verzichtet Battle Royale auf ein langatmiges Vorspiel und liefert, was The Hunger Games verspricht, aber letzten Endes nie zeigt – den zynischen und völlig sinnlosen, aber unentrinnbaren Kampf ums Überleben, der aus Freunden und Schulkameraden tödliche Feinde macht. Denn – wahrscheinlich um ein ein PG13-Rating zu bekommen – von dem Kampf als solches Kriegen wie bei den Tributen herzlich wenig mit, es ist ein ausgesprochen blutarmes Gemetzel, was kein Schaden sein muss, wenn nicht genau hier die Prämisse des Films liegt. Die Härten, die die Protaonistin erleiden muss, wirken im Film gedämpft, unwirklich. Dazu kommt, dass der aus der Ichperspektive des Buches sehr auf Katniss Everdeen fokussierte Film die anderen Mitspieler nahezu gar nicht konturiert, sie bleiben Chiffren. So gibt es zu keiner Sekunde Zweifel daran, wer der Sieger dieses Todesspiels sein wird. Hieran wird klar, dass Battle Royale seine Spannung aus dem tatsächlichen Konflikt zieht, Hunger Games aber eher eine Coming-of-Age-Story ist, die ewige Geschichte des Mädchens vom Lande in der großen Stadt, es ist »Der Teufel trägt Prada« mit Pfeil und Bogen.

Apropos Mode – ich bin unentschieden, ob die Designs von Sets und Kostümen nun großartig oder furchtbar sind. Wahrscheinlich, und das ist eine nicht zu unterschätzende Leistung, ist beides der Fall. Ich halte es nicht für ausgeschlossen, dass Hunger Games in zwanzig Jahren ein Camp-Klassiker ist, etwa so wie Logan’s Run, ein Film dessen Designs ja auch irgendwie zwischen peinlich und genial vibrieren. Architektonische Details und einige der Kostüme sind liebevoll, großartig gelungen, haben den Mut aus dem seit Jahren immer gleichen allzu düsteren Look anderer SF-Filme herauszubrechen, andere Ansätze erinnern an die überbordende Ästhetik der 70er, gekoppelt mit japanischem Cosplay-Kitsch, immerhin weit weg von der grauen Dystopie von Gattaca und Co. Schaut man sich die modische Entwicklung seit 1950 an, ist diese Vision des immer bunteren, immer androgyneren Looks auch plausibel, und die erlaubt dem Film, in nahezu barocke Queer-Pracht einzutauchen – aber zugleich wird eben auch hier deutlich, wie wenig sich The Hunger Games eigentlich als SF sieht. Im Grunde seines Herzens ist dieser Film Fantasy, ein Ritterepos in einer Zeit armer Bauern und reicher dekadenter Adliger, in der die Bauern zur Belustigung der Oberschicht in die Arena gehen,mum zu sterben – eine zeitlose Geschichte, die ins alte Rom ebenso passt wie in das heutige Russland, die aber per se wenig »spekulative Fiktion« anbietet. Selbst die Waffen ist anachronistisch, wären die Bestien am Ende nicht CGI sondern echte Wölfe, der Film könnte auch im Mittelalter spielen, ohne, dass sich die Handlung auch nur einen Deut ändern müsste. Und so ist die Crux des Films, dass er in der Ästhetik und in der filmischen Umsetzung mit Shakecam-Look durchaus eigene Akzente zu versuchen setzt, aber auf eine Handlung fußt, die Science Fiction im Grunde nicht versteht und der es spürbar darum geht, eine franchisetaugliche Idee à la Harry Potter oder Twilight herzugeben. Das kann und darf man »Young Adult«-Literatur der letzten Dekade vielleicht nicht unbedingt vorwerfen, aber da es wirklich alle Autoren seit Rowling so versuchen und alle Verlage (und auch die gesamte Filmindustrie) nach solchen Vorlagen suchen, ist die Gesamtwirkung hirnbetäubend. The Hunger Games ist insgesamt trotz einiger sehenswerter Passagen diese Sorte gremiumgeformter Corporate Movie, eine Art filmgewordenes Brand-Building, das einen furchtbaren Nachgeschmack hinterlässt. Wo Battle Royal genau das Gegenteil war – ein wilder, seltsamer, mitunter störender und verstörender, oft unsagbar schlechter, dann wieder brillanter Alternative-Streifen – ist Hunger Games sozusagen »Starbucks« im Zelluloid-Gewand. Nichts, aber auch gar nichts an diesem Film will dich verwirren, schockieren oder gar überraschen, die Handlung verläuft auf Schienen, so sicher und so langweilig-linear wie eine Fahrt mit dem Bummelzug in der Nacht. Ich hätte etwas drum gegeben, wenn Harrelsons »Säufer mit dem Herz aus Gold« wirklich einfach nur ein betrunkener Bastard gewesen wäre, oder wenn sich das »arme schwarze Mädchen« als heimtückischer Gegner entpuppt hätte, der seine scheinbare Schwäche als Waffe einsetzt. Aber nichts von alledem – dem Film fehlt für solche Wendungen die Sophistication und der Mut, aus der eindimensionalen Heldensaga herauszukommen, die sich nur dadurch von Rambo unterscheidet, dass es weniger Blut gibt und die Hauptfigur weiblich ist. Schlimmer noch – wo Battle Royal aus der bizarren Hypertrophie, Schüler in einen brutalen Überlebenskampf zu schicken, eine phantastische Satire auf die japanische Kultur von Kaizen und Karōshi gewinnt –, scheint The Hunger Games klammheimlich den Casting-Darwinismus und eine Haifisch-Kapitalismus gutzuheißen… Hauptsache, man gehört zu den Gewinnern. Das rebellische Potential der Figur Katniss geht in dem voyeuristischen Gleiten der Kamera über den barocken Lifestyle und der Gier nach Action in der Arena sang- und klanglos unter, Katniss ist am Ende eine Gewinnerin im Kontext des Systems, nicht jemand, der es ins Wanken gebracht hat. Am Ende, zumindest im Film, hat sie – wie es von Anfang an klar war – beim brutalstmöglichen Casting gewonnen, weil sie gerissener und skrupelloser war als ihre Gegner, nicht mehr. Was diesen Film so traurig macht, ist das vertane rebellische Potential, das so gut in einen Teenager-Film gepasst hätte, die zum Himmel gereckte Faust und der Glaube, ein System verändern zu können, nicht die melancholische Einsicht, dass es sich auf den Leichen der Opfer eigentlich doch ganz vorzüglich traurig aus dem Penthouse-Fenster blicken lässt.

27. April 2012 16:01 Uhr. Kategorie Film. Tag . Eine Antwort.

12-04-26

26. April 2012 21:00 Uhr. Kategorie Tweets. Tag . Keine Antwort.

12-03-30

30. März 2012 21:00 Uhr. Kategorie Tweets. Tag . Keine Antwort.

Clemens J. Setz: Die Liebe zur Zeit des Mahlstädter Kindes

hd schellnack

Nach dem 700 Seiten umfassenden Monolith »Die Frequenzen« beweist der junge Grazer Clemens J. Setz, dass er sich ebenso gut, wenn nicht besser, auf die kurze Form versteht. Short stories sind eine etwas aussterbende Gattung, Warschauer ist, zumal sie vor allem im Web aufblühen sollten. In aller Regel hängt hier die Messlatte enorm hoch – Hemingway, Poe, Carver, Kafka, Hampel haben jeweils in ihrer eigenen Art die Kürze zur Kunst gemacht. Franz Kafka ist dann auch nicht von ungefähr ein Name, der bei der Lektüre von »Die Liebe zur Zeit des Mahlstädter Kindes« aufblitzt, weil Setz in fast altmodischer Pracht an die Kraft der Worte glaubt und auch weil sich bei seine Kurztexten eine ähnliche Mischung aus Beklemmung und Berührung einstellt.

Der Vergleich mit Kafka ist kein geringer, zudem inflationär gebraucht, aber es ist schwer bei der Titelgeschichte, der letzten im Buch, nicht an K.s Besuch des Gerichtes in »Der Prozess« zu denken, wenn Kiril das Treppenhaus beschreibt. Ähnlich wie Kafka versteht es Setz, seine Worte, wie harmlos sie auch zunächst wirken mögen, zu schwarzen scharfkantigen Kristallen zu polieren, die dir noch lange nach dem Lesen im Fleisch stecken bleiben. Auch die Liebe zu fast unsichtbarer, erst unter UV-Beleuchtung schlagartig erkennbarer Metaphorik, dieses phantastische Kippen von Entwicklungen im letzten Moment, wenn du als Leser zurücktrittst und merkst, wie konsequent der Schreiber dich fast hypnotisiert-eingelullt auf vergiftete Pfade geführt hat, um dir erst am Ende der Reise das Tuch von den Augen zu reißen, teilen die Autoren, wie sie beide lachend da stehen, während du über den Abgrund ausrutschst. Aber in diesem Vergleich steckt natürlich auch eine Gemeinheit, denn Setz ist alles andere als ein Kafka-Klon, er äfft ihn nicht nach, schreibt vielseitiger und farbenfroher, seine Schläge sind moderner, weniger diffus, härter, kälter und mit einer Tendenz zum Tritt in die Eier, die sich der prüdere Kafka niemals getraut hätte. Setz ist viel mehr in der durchpornographisierten Gesellschaft angekommen, in der selbst das konservativere Buchpublikum inzwischen gelernt hat, Charlotte Roches Softcore als Belletristik mißzudeuten oder in der wir dank »American Psycho« seit zwei Dekaden eine Verschiebung des Härtegrades in der Literatur haben – und in der du als Autor einfach sehr viel härter zutreten muss, bis beim Publikum Ekel oder zumindest Konsternierung eintritt. Was Setz aber mit »Die Blitzableiterin oder Education Sentimentale« mühelos gelingt, einer Geschichte, die sich in einer gekonnten Eskalation vom Nachtrennungssex zur Kindesmißhandlung hochreitet. Überhaupt ist die Entgleitung, Entfessselung, das Verrutschen der Zivilisationsmaske ein wiederkehrendes Thema in den Kurzgeschichten, so weit gefächert sie thematisch und stilistisch auch sein mögen und so gerne der Autor genau im Moment abblendet, wo hinter der Maske etwas ganz anderes zum Vorschein kommt, wo die Dominosteine, die Setz so minutiös in Schwingung bringt, endlich und unwiderruflich fallen. Wir als Leser sehen aber nur noch, wie der Winkel der Steine bedrohlich steil wird, die Kettenreaktion findet nur noch in unserer Phantasie statt, Setz macht den Leser zum Ko-Autor, und unsere Vorstellung ist wie immer schlimmer als das, was ein Autor, der es bis zu dieser Eskalation gebracht hat, noch enthüllen könnte.

Ob ein Vulkan unterdrückter Gewalt unter Jugendlichen eskaliert, hinter urbaner Nachbarschaft der aus dem zu engen Zusammenleben geborene Hass auflodert, aus den Visitenkarten einer Karrierefrau stinkende Beulen kommen, die sich wie Krebszellen apokalyptisch vermehren, ob der Astronaut, der sich einen Roboter baut, um mit ihm über seine geliebte klassische Musik sprechen zu können oder die Frau, die im Riesenrad lebt und vereinsamt… Setz’ Buch ist ein Kaleidoskop von vielen, teils wunderbar kurzen, und immer unterschiedlichen, tiefen, lohnenden Ideen, die sich niemals verknappt oder hingenuschelt anfühlen, eal wie skizzenhaft kurz der Autor sie reduziert.

Die Kunst von Clemens J. Setz ist dabei, anstrengend im besten Sinne zu sein und dabei doch immer so magisch, so schnell, dass man nicht gelangweilt von der Mitarbeit abwinkt. Im Gegenteil – ob halbe Seite oder komplexere Kurzgeschichte, die experimentellen Erzählformen, die flirrenden, bizarren Ideen, die suggestive Macht – all das kombiniert macht enorm Spaß. Ob in Kunst, Film, Musik, Theater oder eben Literatur – die größte Meisterschaft aus meiner Sicht ist es nicht, unverständlich Kopfkonzepte schwurbeligster Natur herauszuklotzen und sich in die arrogante Pose des »Ihr versteht es sowieso nicht, nyahnyah…« zu sichern, sondern Werke zu produzieren, die engagieren, fesseln, verzaubern, aufwecken, aufregen, dich einen gesunden Hauch überfordern oder aus der Komfortzone drücken, aber die nicht onanistisch sind, sondern offensichtlich die Kommunikation wollen. Solipsismus kann jeder. Bei aller Bewunderung, die letzten drei David-Lynch-Filme hätte jeder in ihrer Traumlogik-Bildschwurbel-Beliebigkeit produzieren können, Jaco von Dormaels »Mr. Nobody« nicht, es ist einer der wenigen Filme, bei denen du sichelst Zuschauer fragst, wie der Regisseur diesen Wust an Konzepten gleichzeitig so elegant chaotisch undifferenziert und doch so präzise fokussiert halten konnte. Eine sehr ähnliche Bewunderung stellt sich bei Setz ein, dem man als Autor eine Bewunderung für Mathematik und (das Versagen von) Ordnung anspürt, ebenso wie eine Faszination für klassische Nerdthemen, Gaming oder Science-Fiction etwa.

Es ist eine Mischung, die vor allem international zu Vergleichen einlädt, aber in dieser Form eben doch unvergleichlich ist, in Deutschland ohnehin mehr als bemerkenswert, da Setz diese deutschen Büchern oft anhaftende gewisse Unsicherheit mit der eigenen Sprache, die zu gestelzten oder pseudo-realistischen Ergebnissen führt, fast gänzlich abgeht. Lediglich seine Dialoge wirken zwischen den wuchtigen Prosasätzen oft etwas deplaciert, mal zu sehr, mal zu wenig aus dem Leben kommend (dieses Gefühl mag bei mit aber daher rühren, dass ich zu viel englische Literatur lese, deren Dialoge sich gegenüber deutscher Belletristik immer echter, mehr auf den Punkt anhört.)
»Die Liebe zur Zeit des Mahlstädter Kindes« ist ein Ausnahmebuch, jede der kurzen Geschichten ist ein Juwel und in dieser Schatzkammer flirrt das Versprechen eines ganz großen Talentes von fast im modernen Buch vergessenen Format, das mich mehr an Musil oder Mann erinnert und weniger an das, was heute in den Bestsellerlisten ist, dabei aber hochmodern und alles andere als oldschool wirkt. Gerade im Minaturformat entpuppt sich hier ein großer Autor, den es hoffentlich auch in Zukunft nicht nur zu dicken Buch-Brettern sondern häufiger auch zu solchen eher leichten und tänzerischen Textsammlungen treibt.

28. März 2012 17:33 Uhr. Kategorie Buch. Tag . Keine Antwort.

12-03-27

27. März 2012 21:00 Uhr. Kategorie Tweets. Tag . Keine Antwort.

The Descendants

hd schellnack

Im Gründe ist »The Descendants« zwei Filme. Der eine Film verfolgt, wie sein Vorgänger »Sideways« eine eher banale Midlife-Crisis-Geschichte. George Clooney gibt her knautschgesichtig den Erfolgsmenschen, dem das Leben entgleist und der erst in diesem Systemversagen seine wahren Werte (und die des Lebens) entdeckt. Das alles weitgehend berechenbar, diese Rückbesinnung auf Familie als uramerikanischen Wert per se. Umso schlimmer ist dabei, dass Clooney zwar als ewiger Sonnyboy zwar stets zwar zu überzeugen weiß, in stilleren, ernsthaften Rollen – ähnlich wie sein Kollege Brad Pitt – stets daran scheitert, dass er gegen sein eigenes Naturell anspielt, unglaubhaft wirkt und vor allem durch enorm typische Körpersprache, kleine Gesten und Ticks, Mimik und Haltung, einfach immer und vor allem Clooney ist, sich niemals wirklich in der zu spielenden Figur aufgibt. So erlebt man in »The Descendants« niemals wirklich einen Mann am Rande des Nervenzusammenbruchs, sondern immer einen im Kern gut gelaunten Clooney, der so tun muss, als sei er vage traurig. Ich halte Clooney für einen talentierten Darsteller, aber hier reißt er dich als Zuschauer aus der Pseudorealität des Films, weil da irgendwie spürbar immer George Clooney im Bild ist, ein Umstand, den die betont »authentische« Kamera eher verschlimmert. Der Hollywoodstar als Fremdkörper akzentuiert die in allzu klare Akte aufgeteilte, unnatürliche, jederzeit völlig antizipierbare Handlung. Das ist die Crux des Kinos – je näher es sich an das echte Leben zuschmiegen versucht, umso offensichtlicher wird die Künstlichkeit, mit der es eigentlich arbeitet. Denn die Wirklichkeit kennt keine abgeschlossene Geschichte, keine Wendungen, keine Denouments, keine »character arcs«.

Diese Dissonanz ist umso trauriger, als dass unter dem Oscar-Nominierungsspektakel ein zweiter Film verborgen liegt, der wahrscheinlich beim Großteil des Publikums, das um des Hauptdarstellers wegen ins Kino kommt, unverstanden bleiben oder für Irritationen sorgen dürfte. Denn unter dem »Sideways«-Derivat versteckt sich ein Hauch von Paynes früherem, sehr viel stoischerem Film, »About Schmidt«. Da gibt es zu verschleppte, träge Kameramomente, zu frühe und zu späte Schnitte, da gibt es Momente, in denen wenig Dialog nötig ist, um die Handlung zu tragen oder, besser, in denen die Drehbuch-Norm ihre Zwanghaftigkeit verliert und der Film einfach bei sich sein kann, einfach nur ist. Dieser unter dem Hollyvoodvehikel freizulegende zweite Film ist ein Juwel, ein wunderbarer Film über Sprachlosigkeit, Wut und Trauer, ein Film von Sterben und Abschied und natürlich über die Liebe – und in diesem Film spielt Clooney bestenfalls die Nebenrolle. Die Hauptrolle spielt die Kamera, die die Zeit einfrieren kann und wie ein gutes Photo das Ungesagte und Ungesehene hervorholt, und daneben dominiert Shailene Woodley, die die Teenager-Tochter Matt Kings mimt und dabei den Tonfall zwischen bratzigem Teenie, Ersatzmutter und junger Frau makellos trifft. Dieser Moment, in dem sie in das Krankenhauszimmer kommt, wo ihre komatöse Mutter liegt, die die Tochter erstmals in diesem Zustand sieht. Das kurze Entsetzen, kaum da, nur in den Augen, dann ein kurzer Beat, in dem sie sich sammelt, und dann sitzt die adoleszente Maske aus Coolness und Generation-Gap-Wut wieder, glitzern die Augen fies und ist jedes Mitleid erfolgreich subsumiert unter egozentrisches Beleidigtsein. In jeder Szene – nur stark getrübt durch die viel zu quietschige Synchronstimme – ist Woodley keine Mimin, sondern immer ganz und gar Alexandra King, eine Figur, die zu mögen schwer fällt. Überhaupt bestechen die Nebenrollen in diesem Film, bis hinab zu Altstar Beau Bridges, der, als Darsteller schon fast vergessen, hier phantastisch lässig-lebensfroh-gierig agiert und zeigt, dass auch namhafte Darsteller sich unsichtbar machen können, wenn sie es nur können.

Der Film-im-Film, die kleinen Brüche und Pausen, die atemberaubende Kameraarbeit und Montage, die Momente im Krankenzimmer, die Absurditäten in der Handlung und die herausragenden Nebendarsteller machen den Film trotz seines dumpfen Drehbuchs sehenswert. Irgendwo unter der Selbstfindungsschmonzette brodelt hier ein sehr wahrer Film über das Sterben, der nicht so quirlig und smart wie »Beginners« ist, aber dafür ehrlicher und stiller. Es sind leider nur Momente, vielleicht 20% des Streifens, aber dieser kleine Anteil hat die Kraft, den Film zu tragen und die bleierne Beliebigkeit der anderen 80% vergessen zu machen. Nicht auszudenken, wie gut »The Descendants« sein könnte, wenn er mehr Mut zu diesen Momenten gehabt hätte, weniger erklärt, weniger verklärt hätte und stattdessen die bittere kollektive Hilf- und Sprachlosigkeit im Angesicht des Todes konzentrierter grau-in-grau eingefangen hätte, die bittere Farblosigkeit des Sterbens im Paradies Hawaii. In seinen besten Momenten ist »Descendants« ein rührender, ganz und gar nicht rührseliger Film, dessen Kraft aus dem kommt, was nicht gezeigt, nicht gesagt, nicht getan wird, der aus Pausen und Schnitten, Verzicht und Verlangsamung ein Mosaik von Versagen und Verlust zusammensteckt, wie man es sich kaum besser wünschen kann. Leider überwiegen die allzu gewollten Szenen, in denen George Clooney auf den Oscar schielt, in denen Trauer verbalisiert werden muss, in denen die eher anämische Handlung um jeden Preis vorangetrieben werden muss, deren Ende so derart vorhersehbar ist, dass sie den ganzen Film-unter-dem-Film korrumpiert und sich auf Heimatfilm- und Schlager-Niveau verzettelt. Am Ende des Tunnels … Hauptsache die Familie … Ende gut alles … und so weiter. Wenn ein Film sich derart in typischen Drehbuch-Klischees verfängt, untergräbt das die Glaubwürdigkeit, die Alexander Payne mit der exzellent beiläufigen Kameraarbeit eigentlich heraufbeschwören möchte und die ihm mit weniger egozentrischem Hauptdarsteller und weniger Groschenroman-Psychologie sicher auch gelungen wäre, wenn auch sicher um einen vielleicht zu hohen Preis an der Kinokasse. Wie bei »Sideways« die Wein-Metaphorik widerlich aufgeplustert war, so stößt hier die Wandlung vom Businesstypen zum Familienvater, auch größeren Kontext die Verantwortung gegenüber Ahnen und Heimat lernt, so ab, dass man als Zuschauer fast konzentriert arbeiten muss, um die versteckteren exzellenten Momente und Ironien des Films genießen zu können, die unter dem Panzer des Blockbuster-Zuckerguss versteckt sind. Aber – keine Frage, die Arbeit lohnt sich. Es wäre nur schöner, wenn Payne sie uns erspart hätte.

24. März 2012 19:23 Uhr. Kategorie Film. Tag . Keine Antwort.

Pink Floyd: The Wall Experience Edition

hd schellnack

»The Wall« ist eines dieser biographisch wichtigen Alben, wie wahrscheinlich jeder zwei oder drei hat. Gibt es so etwas heute noch? Werden die Teenager von heute in 20 Jahren an Katy Perrys «Teenager Dream» zurückdenken und der Musik einen einschneidenden, charakterformenden Aspekt abgewinnen können? Man darf das wahrscheinlich bezweifeln – nicht nur ist Musik an sich in den letzten Dekaden beliebiger geworden, sie ist auch unambitionierter. Es gibt deutlich mehr Bands und Soloacts als in den Siebzigern, aber keine wichtigen Giganten mehr, Musik insgesamt ist (noch) kommerzieller und austauschbarer geworden, weil sie in großer Menge verfügbar ist, am Fließband industriell produziert entsteht, wegkonsumierbar ist und gezielt für diesen schnellen Konsum produziert wird. Es gibt nur noch wenige Bands, die eine musikalische Evolution wie die Beatles oder Pink Floyd vorweisen können, in namhafter Größe fiele mir bestenfalls Radiohead ein, deren Erfolge und Ambitionen aber nicht vergleichbar sind, die die Brücke zwischen Welterfolg und musikalischem Größenwahn nicht ähnlich souverän beschreiten. Es wäre heute unwahrscheinlich, dass eine Band, die zu ihren Anfangseiten bestenfalls von einem Indie-Radio-DJ wie John Peel gespielt wurde, später mit »Dark Side of the Moon« eins der erfolgreichsten Alben aller Zeiten produzieren würde. Wie nahezu jede kulturelle Erscheinung, ist heute auch Musik fragmentierter, vielseitiger aber nicht mehr so verbindend, so einzigartig. Viele Hügel, kein Gebirge.

Anyway, Pink Floyd. Das Album habe ich förmlich kaputtgehört, Alan Parkers Film wahrscheinlich seinerzeit dreimal im Kino und seitdem sicher noch dreimal gesehen, so dass Bob Geldorf (der die Band seinerzeit übrigens absolut hasste) für mich eher mit Pink Floyd assoziiert ist und deutlich weniger mit den Boomtown Rats. Ich kann bis heute jeden Text des Albums auswendig. Und kann insofern nur zu der gerade bei iTunes erschienen Experience Edition raten, die neben dem wundervoll vom damaligen Co-Produzenten James Guthrie remasterten Originalen auch Studiodemos und Teile der «Is there anybody out there»-Liveeinspielung des Earl’s-Court-Konzertes der 80er-Tour zum Album enthält. Die Livetracks klingen überraschend frisch, mit wunderbar druckvollem Bass, und machen vor allen in den Passagen Spaß, in denen sich die Band vom Studiokonzept löst und etwas freiere Solos spielt, um auf Konzertlänge zu kommen. Es geht mir bis heute beim Hören der (zuvor ja bereits separat veröffentlichten) Liveaufnahmen dieses legendären Konzertes so, dass ich mich frage, wie das wohl als Publikum gewesen sein muss, wenn die berühmteste Band der Welt erst Doppelgänger-Musiker auf die Bühne schickt und dann nahezu die Hälfte eines Gigs hinter einer »Mauer« spielt. Diese Mischung aus Verweigerung (»Wall« ist ja eine direkte Folge von Waters Frustration über die geänderte Rolle von Künstler und Publikum auf der »In the Flesh«-Tour) und Genialität, die Projektionen, der makellose Sound, die für ein Livekonzert nach wie vor bemerkenswerte Komplexität, die sämtliche Grenzen zwischen Rock, Operette und Multimediainstallation wegfegt… Das ist bis heute unerreicht. Man kann sich gar nicht vorstellen, wie es gewesen sein muss, mehr oder minder unvorbereitet in Dortmund nach Willi Thomczyks Ansage diese Show gesehen zu haben, in deren Qualität die beigefügte BBC-Videodokumentation einen kleinen Einblick gibt.

»The Wall« selbst ist wunderbar remastert, Guthrie hat der Versuchung widerstanden, das Material allzu sehr aufzupumpen oder moderner klingen zu lassen, statt dessen ist es einfach eine klarere, selbst als mp3 deutlich kraftvollere Version des Origials, die die vielen Schichten der Produktion und auch die wunderbaren der Produktion geschuldeten Fehler des Originals bestens zur Geltung bringt. Michael Kamens epische Arrangements, Bob Ezrins Synthieatmosphären und Waters seltsame Audioschnipsel – alles wunderbar deutlich, so gut hat man die verwirrte Telefonistin wahrscheinlich nie zuvor verstanden. Nur rückwärts abspielen kann man das ganze nicht mehr so einfach wie früher auf Vinyl.

Aus heutiger Sicht, gemessen an den Neurosen, die aus einem durchschnittlichen Tricky-Album tropfen, ist die autobiographische Geschichte des Rockstars Pinks, der sich zunehmend isoliert und schließlich katatonisch wird, relativ einfach gestrickt. Dennoch beeindruckt bis heute die zyklische Natur des Albums, das am Ende zum Anfang zurückkehrt, die Zeitsprünge in der »Narration«, die doppelbödige Natur vieler Lyrics, die Motive und Variationen, die dem Album mehr als allen anderen PF-Platten eine phantastische Homogenität verleihen, nicht zuletzt die Tatsache, dass die Band hier einerseits eindeutig den Sprung zur straighteren Rockmusik schafft, sich vom Progressive-Sound abwendet, und zugleich doch viele Ideen aus vorhergehenden Alben (und auch späteren) so treffsicher auf den Punkt bringt wie nie zuvor und nie mehr wieder.

Denn so gut »Animals« auch sein mag und so gut manche Kritiker »Final Cut« finden mögen – »The Wall« überragt seine diskographischen Nachbarn haushoch, es ist neben »Dark Side« sicher das »Pet Sounds« oder das »White Album« der Floyds. Es ist ein Album, das aus jeder Pore Einsamkeit und Trauer, Wut und Verzweiflung schwitzt, das eben im Grunde nicht verkopft ist und nicht abstrakt, das an den Stangen des Käfigs der musikalischen Fähigkeiten von Waters rüttelt, weit über sich selbst hinausweist, nicht zuletzt eine der vielleicht depressivsten Platten schlechthin.

Und es ist natürlich die perfekte Ironie, dass dieses Album über einen Musiker, der sich von der Welt zurückzieht, zwischen Isolation und Wahnvorstellungen oszilliert, zu jeder normalen Kommunikation mit der Außenwelt unfähig wird, dass ausgerechnet dieses Album von einer Band kommt, die ihren ganz eigenen Communication Breakdown hatte, nur noch getrennt tagsüber oder nachts an den Audiospuren werkelte, über jedes Detail verstritten war, von Misstrauen und Größenwahn geprägt operierte… Wenn man drüber nachdenkt, ist es eines dieser Tipping-Point-Alben, die es in der Rock-und Popmusik immer wieder gibt. Platten, die im Streit entstehen, untereinander und mit dem Plattenlabel, die die Frustration mit der Maschinerie des Musikerlebens verarbeiten, die tiefer und ehrlicher sind als die anderen Platten der gleichen Band es vorher und nachher so sind. Eine Flaschenbotschaft aus der Hölle. Manche Bands lösen sich nach einem solchen Album konsequenterweise gleich ganz auf, andere machen weiter, werden aber Selbstkopien, die vom Geld zusammengehalten werden. Bei Pink Floyd ist weder Waters allein jemals wieder richtig hörenswert gewesen, trotz einiger guter Momente aus »Amuse« und »Hitchhiking«, kreativ hat er die Bodenhaftung bereits mit »Final Cut« weitgehend verloren und seine Soloalben sind noch eitler, pompöser, aber inhaltlich keinen Deut neuer oder stärker. Nicht ohne Grund tourt er heute wieder mit »Dark Side« und »Wall«, Museumswärter des eigenen Mythos… was Gilmore und Mason vom ersten Post-Waters-Album an schon waren, autistisch-akustische Hülle ohne jeden Funken Lebensenergie, die Selbstparodie von all dem Starkult und Bombastrock, gegen den sich »The Wall« so erfolgreich auflehnte. Seltsamerweise waren es Ende die entwurzelten, steuerflüchtigen, verstrittenen Incommunicado-Floyds, die ihren gewohnten Soundengineer verloren, weil er emotional ausgebrannt war, die in der Lage waren, ihren etablierten Sound neu zu erfinden, das »Dark Side«-Template zu zerschlagen und eine der größten Rockopern aller Zeiten zu schaffen. Vielleicht das erste Album, dass so übergangslos arbeitet, Hörspielcharakter hat, narrativ auf mehreren Ebenen schlafwandelt, zugleich persönlich und intim für Waters war und doch mit «Another Brick in the Wall part 2» eine Art Hymne für eine ganze Generation abgab, eine glaubhafte Reaktion auf die Punk-Bewegung und eine trotzige Antwort auf den paradoxerweise zugleich neoliberalen und autoritären Thatcherismus.

»The Wall« ist ein Monolith in der Musikgeschichte, wie es ihn vielleicht nur wenige Male gibt und die meist tatsächlich oft an kreativen Bruchstellen einer Band entstanden sind. Pink Floyd war genau an dieser Bruchstelle. Der Erfolg der vorangegangenen Alben und der kreative Druck, der auf jeder Konzeptband dieser Größe liegt, ganz zu schweigen von dem Management, das nach einer Veröffentlichung für Weihnachtsgeschäft und einer möglichst discotauglichen Single verlangte. Dazu die interpersonellen Spannungen, nicht nur zwischen Waters und Gilmore, sondern auch rund um Richard Wright, der mit diesem Album eigentlich zum bezahlten Tour-Musiker degradiert wurde. Die Drogen, die Geldprobleme, die Hassliebe zum Publikum, die Zentrifugalkräfte zwischen Freunden, die einander nicht zu brauchen glaubten. Immer die gleiche Geschichte, eigentlich – gute Kunst kommt aus schlechten Zeiten.

Insofern darf man sich freuen – auch für die Bandmitglieder, die sich durch den Re-Release sicher zumindest teilweise eines goldenen Lebensabends erfreuen dürfen -, dass es eine erneute Fassung des Albums gibt (wahrscheinlich auch nicht die letzte) die den Staub von diesem phantastischen Stück Musikgeschichte wischt und beweist, dass dieses Album frei von jeder Nostalgie auch heute noch überragend und modern ist.

9. März 2012 11:52 Uhr. Kategorie Musik. Tag . 2 Antworten.

12-01-29

29. Januar 2012 21:00 Uhr. Kategorie Tweets. Tag . Keine Antwort.

Interfaces

hd schellnack

Eine der größten Revolutionen in der Kommunikation mit Computern ist neben der Rolle, die Computer im Alltag zunehmend fast beiläufig und wie selbstverständlich spielen, dass wir nicht mehr mit den gewohnten Interface-Schnittstellen arbeiten, die dem Menschen die Logik einer von der Schreibmaschine abgeleiteten Interaktion aufzwingen, sondern die digitalen Schnittstellen so rapide und grundlegend den menschlichen Sinnen und Werkzeugen entgegen kommen, dass eine Unterscheidung zwischen »analog« und »digital« zunehmend obsolet wirkt. Berührung, Stimme, handschriftliche Zeichen oder sogar Blicke – obwohl die meisten Technologien oft noch rudimentär wirken, hat sich bereits durch diese Ansätze der Umgang mit, vor allem aber das Denken über Software-Interaktionen grundlegend geändert.

Hand
Vor nicht einer Dekade noch komplett in den Kinderschuhen, ist die Steuerung von Software durch Berührung(en) heute längst zu einem Quasi-Standard geworden. Musste man bis vor einigen Jahren noch mit einem Stift auf einer Art Plastikbildschirm herumtippen, Soseins moderne kapazitative Glasdisplays in der Lage, Bewegungen und multiple Berührungspunkte zu deuten, durch Gyroskop und Accelorometer sogar eine Art Anschlagstärke zu ermitteln (etwa bei Garageband). Samsung hat diese Technolgie gerade erst auf der CES 2012 auf Fenstergröße übertragen. Obwohl erst wenige Jahre verfügbar, hat dieser Ansatz zusammen mit fast rahmenlosen, leichten, tragbaren Devices zu einem kompletten Umdenken über Interfaces geführt. Ein Programm ist nicht mehr ein über die Maus-Tastatur-Metapher gesteuerte abstrakte Lösung in einem Monitor, ein Programm simuliert heute das, was es als Lösung anbietet und wird so als Programm unsichtbar. Ein Taschenrechner sieht aus und bedient sich wie ein Taschenrechner, ein Notizbuch sieht aus wie ein echtes Büchlein, beim virtuellen eBook lassen sich die Seiten umblättern als wären sie fast echt, ein DJ-Mischpulte bietet Plattenteller und Mischpultregler und so weiter. Es gibt zwar noch Menüs, aber auch diese wirken eher wie eine Übergangslösung, ansonsten: keine Tastaturkürzel, keine rechten oder doppelten Mausklicks – sondern eine möglichst approximative Simulation, die optisch aber auch von der Bedienung her daran gemessen werden kann, wie »echt« sich die Bedienung anfühlt.

Apple wurde – auch von mir – für die etwas kitschigen Nutzer-Interfaces von iCal und Co. gescholten, aber tatsächlich ist diese Annäherung an das Echte nur konsequent bzw. der sinnvolle erste Schritt zu »Simulacra-Softwares«. Das iPad kann bereits jedes Kleinkind bedienen, weil das unmittelbare Bedienen durch Drücken, Ziehen und andere Gesten mit den dazugehörigen Effekten der Lernfähigkeit der menschlichen Natur entspricht, Cause-and-Effect kennen wir ja auch aus der realen Welt. Angeblich fangen ja die ersten an Tabletts gewöhnten Kleinkinder bereits an, enttäuscht zu reagieren, wen sich echte Bücher eben nicht auf einen Tap hin öffnen oder reale Gegenstände nicht wie virtuelle auf Berührung reagieren und eine Animation starten. Dabei ist das Herumtasten auf einer kalten Glasscheibe sicher nur ein erster Schritt zu berührungssensitiver Kontrolle von Software-Interfaces. So wie es über kurz oder lang unweigerlich 3D-Displays geben wird (und ansatzweise ja bereits gibt), werden wir auch Bildschirme haben, die auf Berührung mit einer Art von Widerstand Feedback geben können und die unterscheiden können zwischen verschiedenen Abständen zum Display (Hover) bzw. auch direkt auf die Stärke des Anschlags. Die jetzt sehr eindimensionale Touch-Fähigkeit wird sich also nach und nach erweitern, bis die Displays nicht nur visuell einen realen Gegenstand simulieren können (und dies mit hochauflösenden Displays zunehmend an der Grenze, an der das menschliche Auge zwischen »echt« und »unecht« nicht mehr unterscheiden kann, d.h. keine Pixelbausteine mehr sichtbar sind), sondern auch haptisch. Nutzen wir einen virtuellen Taschenrechner, wird er nicht nur aussehen und klingen wie »real«, sondern auch die dimensionale Tiefe (3D) haben und sich anfühlen als würden wir auf einem echten Gegenstand Zahlen eingeben, nicht auf der bloßen planen Display-Simulation des Gegenstandes. Die Tasten werden spürbar nachgeben und einen Druckpunkt haben, sie können eventuell durch virtuellen Schweiss und Dreck »rubbelig« werden, sie können sich nach Gummi oder Hartplastik anfühlen. Es wird ein längerer Weg über zahlreiche Zwischenstufen sein, bis man wirklich sensorisch überzeugende Simulationen erzeugen kann, aber es wird sehr wahrscheinlich kommen – wodurch automatisch Abnutzung zu einer Frage der Programmierung wird.

Schon jetzt ist es so, dass ein iPad, iPhone oder Android als »opportunistische« Devices an sich nahezu unsichtbar werden und in einer Art Camouflage alles tut, um sich selbst unsichtbar zu machen und uns zu überzeugen, dass wir einen Photoapparat, ein Buch, eine Klaviatur usw. vor uns haben. Es ist evolutionär nur logisch, dass die Geräte diese Camouflage perfektionieren werden, denn am Markt werden die Anbieter erfolgreich sein, die mit immer neuen Features noch »realistischer« werden. Sowohl Apple als auch Microsoft (mit Windows 8) bauen bereits jetzt auch bei klassischen Desktop-Geräten die Touch-Metapher aus, was bei diesen zunächst hölzern und befremdlich wirkt. Was auf dem Pad sinnfällig ist, wirkt über ein Touchpad nach wie vor zu umständlich – dieser Umstand ist ein Symptom für den Übergang vom »klassischen« Computerparadigma, an dessen spezifische Interface-Metahern wir uns gewöhnt haben, hin zu einem neuen Paradigma, dass die Vorstellung dessen, wie wir mit Computern interagieren, neu definieren wird.


Stimme
Apples »Siri«-Stimmerkennung und -kontrolle ist von Google nicht ohne Grund als revolutionäre Veränderung im Umgang mit Computern (und eben Suchmaschinen) beworben worden. Wo Kommunikation mit dem Computern in den Grenzen der Software (und abgesehen von Abstürzen) bisher weitestgehend sicher und eindeutig war – zieht mit Siri die Fallibilität, das Missverständnis, die Doppeldeutigkeit, eben eine Art »Fuzzyness« ein, die erstmals zu einer Art von Dialog führt, bei der der Computer sogar via verbaler Feedbackschleifen rückfragen kann (und muss!), was der Nutzer denn da eigentlich gemeint haben könnte. Siri ist deshalb natürlich noch – obwohl bereits verblüffend leistungsstark, vor allem in der englischsprachigen Version – eine Art Spielerei, die mehr zu Fehlschlägen und Umwegen als zu einer echten Effizienzsteigerung führt. Es ist nach wie vor ärgerlich, wenn beim Diktat Siri nicht reagiert und man ganze Sätze verliert oder wenn eine einfache SMS vier verschiedene Befehle und Anläufe braucht, bis sie stimmt.

Aber bereits heute gibt es Situationen und Kontexte, in denen Spracheingabe natürlicher und schneller wirkt als der Touchscreen, zumal Siri ohne den Start dezidierter Programme läuft, sondern sich an den User-Bedürfnissen orientiert und die Programme dann selbst auswählt und startet – im Vordergrund steht also was der User will, nicht welches Werkzeug dazu verwendet werden muss. Ich starte also nicht den Browser, um etwas zu suchen, sondern die Software »entscheidet« dies selbst. Diese Art von AI, konsequent zu Ende gedacht, dürfte die Art, wie wir mit Maschinen interagieren, umwälzen und sozusagen renaturalisieren. Nicht nur in dem Sinne, dass wir ganz im Stile von SF-Filmen demnächst Maschinen per Zuruf steuern, sondern weil diese Steuerung wieder analoger (oder zumindest doch simuliert-analoger) wird. Während in den letzten drei bis vier Dekaden wie nie zuvor die visuellen Sinne in den Vordergrund gestellt wurden und wir uns sozusagen evolutionär an diese Verknappung angepasst haben, also Seh-Wesen geworden sind, darf nun der auditive Kanal wieder zum Zuge kommen. Noch ist Siri in der Benutzung dabei eindimensional. Nutze ich die Sprach-Software, wird der visuelle Kanal förmlich abgeschaltet, ich kann nicht auf der visuellen Eingabeebene simultan andere Dinge tun, also etwa einen Text diktieren und gleichzeitig im Web surfen per Touch oder Software per Touch und Stimme kontrollieren, also etwa in Photoshop mit einem Pen oder auf dem Display direkt arbeiten und dabei per Stimmbefehl Werkzeuge auswählen oder Bildeffekte anwenden (»20% mehr Kontrast«). Es ist immer entweder Stummfilm oder Hörspiel. Aber schon jetzt zeichnet sich ab, dass ein stimmbasiertes und dialogorientiertes Interface einen Paradigmenwechsel darstellt, den die Kids, die Siri mit dummen Fragen auszutricksen versuchen (und dabei der Anthropomorphisierung ihrer Hardware auf den Leim gehen, also bereits Interaktionen starten, die sie per Maus/Tastatur niemals so in Betracht ziehen würden), gar nicht verstehen bzw. hinterfragen und der genau deshalb so grandios unsichtbar und sanft stattfindet – ähnlich wie es ja klug war, uns das Cloning als Technologie in Form eines harmlosen Schafes zu präsentieren.

Wir werden erst in einigen Jahren wahrnehmen, wie zentral dieser Shift war. Mit der Stimmkontrolle fällt prinzipiell die Hardware als Interface-Element weg. Es muss nichts mehr »bedient« werden, es gibt keine Tasten zu drücken, keine Zeiger zu bewegen – die Interaktion mit Maschinen wird bei ausgereifter Spracherkennung möglich, ohne ein Werkzeug dafür bedienen und erlernen zu müssen. Der Mensch nähert sich nicht mehr dem Rechner an, sondern umgekehrt.


Schrift
Auf der gleichen Ebene liegt die Entwicklung der Schrifterkennung, die sogar technisch ähnlich gelagert ist, weil hier schnelle Webanbindung und OCR auf leistungsfähigen Servern die ehedem hohen Hardware-Anforderungen für lokale Rechner deutlich gesenkt haben. Ein mobiler Prozessor könnte keine vernünftige Stimm- oder Schriftdechiffrierung leisten, ein kraftvoller Server und ein schnelles Internet aber sehr wohl – die Rechenpower wird einfach ausgelagert. Seit Dekaden ist die eigentlich ja als technische Notlösung zu denkenden QWERTZ-Tastatur der Standard bei der Texteingabe. Ursprünglich entwickelt, um durch eine eben möglichst ungewohnte nicht-alphabetische Tastaturanordung das Schreiben so zu verlangsamen, dass die anfälligen frühen Mechaniken nicht blockieren konnten, haben wir uns so sehr an dieses Layout gewöhnt, dass wir damit aufgrund der Übung oft spürbar schneller und anstrengungsloser schreiben als mit der Hand, so sehr, dass die Handschrift langsam auszusterben droht.

Dennoch kommt die manuelle Eingabe von Schrift und Zeichnungen in den letzten Jahren in eine Art Renaissance – Techniken wie der Livescribe Echo Smartpen oder der Wacom Inkling machen es möglich, unterwegs zu schreiben oder skizzieren, ganz altmodisch auf Papier, und später mit digitalen Daten weiterzuarbeiten. Ob die audiovisuelle «Pencast»-Verknüpfung des Livescribe, der mit einer Kamera auf speziellem Papier die Handschrift aufnimmt und zugleich Ton aufnehmen kann und insofern z.B. für Notizen bei Meetings nahezu ideal ist oder die sich eher an Künstler wendende (und noch nicht ganz ausgereifte) Inkling-Idee eines «Funk»-Stiftes… beide Ansätze können noch nicht hundertprozentig überzeugen. Der Echo-Pen ist klobig und das Schreiben mit der Kugelschreibermine relativ unergonomisch anstrengend, der Inkling zwar kleiner, aber weniger leistungsstark und zudem (noch) relativ unzuverlässig. Dennoch ist es natürlich phantastisch, handschriftliche Notizen, plus einer Aufzeichnung des tatsächlich zeitgleich Gesagten einfach digitalisieren zu können und dabei die Handschrift noch mit einer soliden Trefferquote in MyScript in «getippte» Schrift umwandeln zu können.

Auch hier noch befindet sich die Technik in einer Art Gestationsphase, der man aber bereits anmerkt, welches Potential freigelegt werden kann, wenn ein normaler Schreibakt auf Papier (bzw. auf einem Display, das Papier emuliert) die Tastatur verdrängt. Ein Beispiel für dieses Potential ist die OCR-Engine des Online-Archivs Evernote, das nicht nur die verschiedensten Eingabemedien «schluckt», sondern vor allem auch in jeder Art von Bild, egal ob Photo oder PDF mit handschriftlichen Notizen, nach lesbarem Text sucht und diesen für die Volltextsuche bereitsstellt, also die Welt in Photos «ausliest». Diese serverseitige state-of-the-art-OCR erkennt in Sekunden selbst Worte zuverlässig, die ich selbst kaum noch entziffern kann. Zwar gibt Evernote (unverständlicherweise) bei Handschrift die Ergebnisse nicht als Text aus, sondern nutzt sie wirklich nur für eine Suchfunktion… aber wie gut auch die unlesbarste Schrift hier verlässlich gedeutet wird, zeigt, wie weit die Technik hier ist und wie sehr die Grenzen zwischen Spracheingabe, Tastatur und Stifteingabe hinfällig werden. Wie auch immer wir Informationen eingeben werden – die Devices werden lernen, uns zu verstehen.


Bio-Interfaces
Haptik, Stimme und Schrift sollten bereits genügen, um in den kommenden Jahren die Morphologie der Mensch-Maschine-Kommunikation völlig umzuwälzen. Die Möglichkeiten der kommenden Dekade dürften bereits halten, was SF-Filme noch vor 20 Jahren versprachen, von der Realität des Spielberg-Thrillers «Minority Report» sind wir nicht mehr weit entfernt, zumindest nicht in Sachen Interface-Technologie (Fliegende Autos und Jetpacks lassen nach wie vor auf sich warten.) Bereits jetzt deutet sich aber auch ein weiterer, tiefschürfender Umbruch an, der den gesamten menschlichen Körper zum Interface deklariert. Sanfte Vorläufer sind Waagen und Blutdruck- oder Glucosemessgeräte, die Biodaten an Software übermitteln, Kameras, die mit einem Lächeln ausgelöst werden oder die Gesichter von Freunden automatisch erkennen und für den Autofocus nutzen oder auch Gadgets wie das Jawbone Up, das (wenn auch noch unfassbar primitiv) Bewegungssignale ermitteln und an das iPhone übertragen kann. Auch DSLR-Kameras können ja heute bereits analysieren, wohin wir durch den Sucher blicken und auf das, was unser Auge ansieht, automatisch scharfstellen.

Unsere Vitalzeichen, wie lange wir schlafen, unsere Stimmungen und Ernährung werden über kurz oder lang zunächst nur im Sinne reiner Datensammlung, mittelfristig aber auch als Steuerparameter direkt von Softwares genutzt werden. Dies wahrscheinlich zunächst im spezialisierten Bereich – etwa von Pflegerobotik oder Überwachungssystemen in Krankenhäusern -, sehr bald aber auch im privaten Segment… schon jetzt verkaufen sich Apps und Gagdgets für das Self-Monitoring ausgezeichnet. Was man sich zunächst so einfach denken kann wie Kochbuch-Applikationen, die auf anderenorts gesetzte Diätwerte und -ziele reagieren oder ein iTunes, das auf Stimmungen oder beim Jogging auf das Pulstempo reagiert, öffnet zwei neue Perspektiven… die Nutzung des gesamten Körpers als Interface und die Nutzung des Gehirns im Speziellen. Das Body-Interface kann natürlich bedeuten, dass Software aktiv auf größere Bewegungen, Gesten, Vitalwerte, aber auch auf Geo-Daten und Zeitdaten reagiert (so wie jetzt ja schon Reminder-Softwares aktiv auf GPS-Daten anspringen und uns im Supermarkt die Einkaufsliste zeigen). Der physische Körper und sein Umfeld werden so zu Eingabe-Matritzen der Software. Was der Mensch wo und wann macht, wird zum kybernetischen Steuerimpuls.

Der andere Aspekt, die direkte Schnittstelle ins Gehirn, klingt aus heutiger Sicht nach SF, selbst wenn in der neuronalen Steuerung von Implantaten und Prothesen in den letzten Jahren ebenso sprunghafte Fortschritte gemacht werden wie in der «Geodäsie» der Gehirnfunktionen. Die Idee, direkt aus neuronalen Strömen heraus Software zu steuern bzw. von dieser auch unmittelbar, unter Umgehung anderer Sinnesorgane, Eindrücke vermittelt zu kriegen, mag heute noch abenteuerlich klingen. Aber das, was wir heute Smartphone nennen, war bis vor 50 Jahren auch noch auf Serien wie StarTrek begrenzt (»Navigator«) und dabei deutlich kruder und begrenzter als die heutige Realität, die jedermann frei zugänglich ist. Umgekehrt waren in den 60er Jahren Körpermoddings, die heute für jeden Teenager zum Alltag gehören, undenkbar. Wer hätte zu Zeiten von Truman oder selbst Kennedy geglaubt, in welchem Maße Piercings, Tattoos und anderen Selbstverstümmelungsstrategien reguläre, ja fast langweilige Modephänmene werden würden – wer hätte zu Zeiten von »Mad Men« voraussehen wollen, dass es heute einen Boom zur elektrische Zigarette geben würde? Will man da heute wirklich noch ernsthaft bezweifeln, dass Google Translation irgendwann so effektiv sein wird, dass wir uns in Echtzeit grob in fremden Sprachen werden unterhalten können – per Spracherkennung, serverbasierter Übersetzung und Sprachausgabe? Marshall McLuhans 1969er Vision einer telepathischen Welt, in der – über das hochraffinierte Werkzeug Computer, das alle anderen kruderen Werkzeuge überschreibt – ein «universales Verständnis» möglich wird, ist zum Greifen nahe.


Der siebte Sinn
Das Interessante an all diesen Entwicklungen ist, dass sie sich dem Menschen zuneigen. Anstatt uns seltsame krude Werkzeuge aufzuzwingen, nähert sich Maschine und Software immer mehr unseren ureigentlichen Kommunikationswerkzeugen an. Tastatur und Maus weichen Gestik, Handschrift, Stimme und Auge, die Lernkurve für die »Steuerung« von Software wird immer flacher, ähnelt immer mehr biologischen Prozessen. Die Maschinen werden biomorph. Man darf diese Entwicklung durchaus kritisch sehen, vor allem wenn sie primär gewinnorientiert und ohne ethische Kontrolle abläuft, wird sie aber kaum mehr zurückdrehen können. Der Computer – und noch viel mehr der Äther des Web – sind Büchsen der Pandora, die nur vielleicht ein verheerender Krieg oder eine andere Katastrophe kurzfristig wieder verschließen würde. Positiv gesehen aber fallen hierdurch technologische Krücken weg, die wir seit Gutenberg benutzen, um umständlich eine Brücke zwischen Massenkommunikation und individuellen Ausdruckspotentialen zu schlagen.

Phoneme, Alphabet, Druck, selbst Schallplatte und Video sind nur Faustkeile… und je fortschrittlicher die biomorphen Interfaces werden, um so einfacher und unkomplizierter wird unsere Kommunikation untereinander und mit Maschinen werden. Der Clou dabei ist, dass das Medium sich dabei auflöst. Der Rechner als große Konvergenzmaschine, der sämtliche medialen Ausdrucksformen binär zerhäckselt und völlig neu zusammenstückeln kann, dem es denkbar egal ist, ob er nun Musik oder Bilder, Schrift oder Töne in 0 und 1 auflöst, wird in den kommenden Jahren selbst unsichtbar werden. Bereits das iPad bricht mit der Metapher des »Computers«, ja des technischen Gerätes schlechthin. Abgesehen von einem in Zukunft wahrscheinlich zusätzlich verschwindenden Minimum an Knöpfen ist es als technisches Utensil nicht zu erkennen – die Eigenbedienung ist ein Minimum, das gerät verwandelt sich durch die Software in was immer auf dem Bildschirm an sich gezeigt wird… wobei das Wort «Bildschirm» schon fast in die Irre führt, wenn das ganze Gerät nur noch ein Screen ist.

Die Frage, inwieweit Computer und Web noch als solche wahrnehmbar sind, wenn es nicht einmal mehr den Bildschirm gibt, sondern osmotische oder sogar direkte neuronale Verbindungen für selbsttätige Steuerungsmechanismen sorgen, die intuitiv, instinktiv genutzt werden können, stellt sich kaum: Was heute noch «externe» Medien sind, würde tatsächlich zur symbiotischen Sinneserweiterung, zu einem siebten, achten, neunten Sinn. Wohin sich das entwickelt sieht man schon heute, wenn Leute bei Gesprächen Fakten kurz googlen, mitten in einem Film mit IMDB nach Trivia suchen oder oft zwar durchaus in der echten Welt anwesend, aber simultan auch in Facebook oder Twitter oder Instagram aktiv sind. Diese Form von Multitasking wird ein Standard werden, eine Art Layer, das sich über die normale Kommunikation legt und durch den Wegfall klassischer Interface-Hardware quasi unsichtbar wird, die Form eines internen Monologs annehmen kann.

Wir sind bereits heute permanent online – in Zukunft kann das aber ein Teil der tatsächlichen Wahrnehmung von Welt sein, was heute grobmotorisch als Augmented Reality vermarktet wird. Konsequent zu Ende gedacht, wäre ein derartige nahtlose Verbindung mit Hard- und Software eine Erweiterung unserer mentalen Möglichkeiten, für die wir Menschen sozusagen Anlauf und Training brauchen, weil unser Gehirn sich den Möglichkeiten wird anpassen müssen (so wie es ja bereits jetzt langsam notgedrungen neue Selegierungsstrategien gegen den Zerstreuungsmechanismus einer vernetzten Welt entwickelt, wobei uns wieder Software gegen die Gefahren anderer Software zur Seite springt…). Diese Sinneserweiterung wird auf eine Art begrenzte elektronische Telepathie hinauslaufen – du wirst ohne Bildschirm, ohne Tastatur, ohne »Gerät« in irgendeinem Sinne wissen, ob es Freunden eine halbe Welt entfernt gerade gut oder schlecht geht. Und es läuft auf eine sanfte Allwissenheit hinaus – weil der Wissensschatz des Webs nicht mehr per Suchmaschine erarbeitet werden muss, sondern ebenso neural einfach »da« ist wie andere Informationen und Erinnerungen ja auch. (Spannend und erschreckend wird die Frage, wie Werbung dann wohl funktioniert…)

Obwohl ich nicht sicher bin, inwieweit unsere Generation solche biotechnologischen Verschmelzungen noch miterleben wird, zeichnen sich solche Lösungen logisch ab. Zum einen werden Prozessoren, wenn sie weiter hohe Leistungssprünge bringen wollen, irgendwann biologisch funktionieren müssen, zum anderen stellen Interfaces wie Displays und Tastaturen die größte Hürde für den Verkleinerungstrend von Elektronik dar. Die Prozessoren und Speicher selbst sind längst winzig – nur der Mensch braucht eine gewissen Bildschirmgröße und seinem Körper entsprechend große Eingabewerkzeuge, um mit dem Rechner in Dialog treten zu können. Die Vorstellung, dass Hersteller früher oder später den gordischen Knoten durchschlagen und weitestgehend auf Hardware verzichten werden, ist also naheliegend. Die Vorstellung davon, wie diese Art von direkter Wahrnehmung von softwarebasierten Angeboten als «Sinn» sich anfühlen mag, wie es sein könnte, wenn Informationen, aber auch Spiele, Musik, Filme usw. direkt als «Schicht» über unserer normalen Wahrnehmung liegen oder mit dieser unzertrennbar verwoben sind, kann man sich bestenfalls als psychedelischen Trip vorstellen. Ich habe kaum Zweifel daran, dass wir uns als Menschen an diese induzierten zusätzlichen Sinne gewöhnen werden – wie wir uns an andere mediale Dinge auch gewöhnt haben, die zwei drei Generationen vorher die Menschen in den Wahnsinn getrieben hätte. Die physische Härte moderner Metal- oder Drum’n’Bass-Musik, die extrem schnellen Schnitte in Musikvideos, die surreale Unwirklichkeit von 3D-Filmen, die Absurdität der meisten Werbefilme, die generelle Schnelligkeit der Zivilisation heute – all das dürfte einen Besucher aus den 1920er Jahren zur Verzweiflung bringen, ist für uns aber Alltag. Wer weiß also, woran sich unsere Nachfahren anpassen werden können?

Unsere Generation wird den langen – und sicher spannenden – Weg machen weg von Computern als «externe» Arbeitsgeräte hin zu alltäglichen Begleitern. Aus schrankwandgroßen besseren Taschenrechnern sind in nicht einmal 50 Jahren taschenrechnergroße exzellente Multifunktionsgeräte geworden, die die meisten bisherigen Medienangebote nahtlos in sich vereinen. Geräte, deren Evolution und (Markt-)Überleben davon abhängt, sich für ihre Nutzer unersetzbar zu machen. Unsere Generation wird entscheidend miterleben, wie dieses Eindringen von Web und Software in den Alltag unser Verhalten und unseren Umgang miteinander entscheidend verändern muss. Unser Denken über Copyright, Verhaltenskodexe, wirtschaftliche Modelle, Beziehungsideale, Berufswege, Mode, Kunst, Freundschaft, Kommunikation, Wahrheit – nichts wird dieser so unscheinbar anfangenden Revolution gewachsen sein. Wir stecken mittendrin und haben die Möglichkeit (und wahrscheinlich die Pflicht), in irgendeiner Form diese Entwicklung mit zu formen… zwischen Hypermarken, die den Markt dominieren und einer Politik, die reflexartig solchen Großunternehmen zuzuarbeiten gewohnt ist, ohne die man allerdings auch die Annehmlichkeiten moderner Technik nicht hätte, so dass nie ganz klar ist, ob man Google, Apple und Co nun lieben oder verfluchen sollte. Der Weg zu den neuen Interfaces wird voller wunderbarer Paradoxien und Irrläufer sein.
Freuen wir uns drauf.

19. Januar 2012 17:46 Uhr. Kategorie Technik. Tag , , , , , , , . Eine Antwort.

Chuck Klosterman: The Visible Man

hd schellnack

Chuck Klosterman ist ein Ausnahmeautor und gehört als Kolumnist mit zum scharfsinnigsten, was die US-Presse in Sachen moderne Medien- und Kulturbetrachtung zu bieten hat. In seinem neuen Buch «The Visible Man» versucht er sich erneut als Novellist, mit einem schmalen Bändchen, das aus der Sicht der Psychologin Victoria Vick geschrieben ist, aus deren eMail-Notizen und Gesprachsmitschnitten sich nach und das Protokoll eines seltsamen Patienten mit dem Pseudonym Y_____ hervorschält. Stilistisch greift Klosterman den Sound eines Briefromans aus, nur dass die Briefe eMails sind, die Victoria sich selbst schickt, als kurze Memos, ebenso wie die Einleitung des Buches aus einem Brief an den Verleger besteht, der ein bisschen Foreshadowing betreibt und die grundsätzliche Exposition der Buchstruktur leistet. Schon nach nur 10% des Buches wird der Charme dieser Konstruktion klar, wenn Klosterman Y_____ einen phantastisch Clownwitz erzählen lässt, der in den Notizen der Psychologin völlig auf Grund läuft, weil Victoria den Gag absolut nicht versteht. Spätestens hier wird klar, dass die Dynamik zwischen den beiden Protagonisten doppelbödig und spannend werden dürfte, die zwischen den eMails, Anmerkungen und Einträgen der fiktiven Autorin nur indirekt hervorblitzen kann. Klosterman vergeudet wenig Zeit und bringt effizient die technische und psychologische Basis für den Plot auf den Tisch: Y____ ist ein hochbegabter Wissenschaftler, der anfangs für das Militär und dann im Alleingang einen Tarnanzug entwickelt hat (inspiriert von Dicks «A Scanner Darkly»), den er nutzt, um ungestört das Leben anderer Menschen zu beobachten. Während wir als Leser dieser «Fermate»-artigen Konstruktion sofort folgen können, glaubt Victoria etwas beschränkt an Wahnvorstellungen, und das obwohl selbst in ihrer fiktiven Realität die Möglichkeit eines solchen «Stealth Suit» nicht zu absurd sei sollte. Victoria aber glaubt, ihr Patient habe sich in eine Comic-Phantasiewelt geflüchtet, in der er ein wissenschaftliches Genie und Superspanner ist. Aus der Meta-Perspektive des Lesers ist aber ad hoc sicher, das Y____ wahrscheinlich nicht lügt, sonst gäbe es das Buch ja gar nicht – weder das fiktive von Vick noch das reale von Klosterman… Mit dem Potential, genau mit dieser Gewissheit des Lesers spielen zu können. Dazu kommt, dass Y____ trotz aller Attitude, Wut und Arroganz sofort sympathisch ist. Er ist ein Nerd, vielleicht sogar der ultimative Nerd und seine smarten Beobachtungen, schärfer Humor, nicht zuletzt auch das Musik-Know-how bringen ihn sehr nahe an Klostermans eigenen «Sound». Er ist ein unsicherer, über-selbstreflektierter Stubenhocker, der zu viel über George Harrison nachgedacht hat und vor allem mindestens zehnmal smarter ist als seine Psychologin. Nachdem Vicky eindeutigen Beweis für die Wahrheit der Behauptungen von Y____ hat, stürzt sie entsprechend in eine Sinnkrise – ihr Weltbild als Psychologin lässt nicht zu, dass die Psychosen und Phantasmagorien ihrer Patienten wahr sind. Keine Traumwelten, keine Metaphern für tieferlegende Neurosen, kein Wahn – nur real. Schnell wird deutlich, das Y____ nicht zuletzt ein Vehikel für den Autor ist, um wunderbare Vignetten über die Einsamkeit zu präsentieren, denn der Nicht-unsichtbare-aber-auch-nicht-sichtbare-Mann schleicht sich mit Vorliebe in die Wohnung von Singles und spioniert deren Gewohnheiten wenn sie sich unbeobachtet fühlen aus. Y____ ganzes Dasein scheint in den Dienst dieses High-End-Voyeurismus gestellt, aus dem wir ab dem ersten Drittel Auszüge präsentiert bekommen, phantastische Vignetten, die Klostermans Short-Fiction-Qualitäten unterstreichen und die scheinbar mühelos zugleich berührend und hochkomisch sein können. Ebenso scheinbar beiläufig schmuggelt Klosterman nicht nur Geek-Nuggets ein (die letzte Lost-Staffel, Dick Grayson als Batman), sondern auch smarte kleine und größere Einsichten über die Art und Weise wie unsere Gesellschaft funktioniert, wie Durchschnittlichkeit und Langeweile unser Leben dominieren, wie wir uns öffentlich mit Lügen maskieren, und über allem die Frage, was eigentlich «normal» ist.

Was alles nicht bedeutet, dass es keine Handlung gibt – im Gegenteil. Nach dem mutigen eMail-Briefroman-Anfang wechselt Klosterman zunehmend in eine herkömmliche Erzählform und entwickelt vorsichtig so etwas wie einen Plot zwischen der Psychologin und ihrem Patienten (und ihrem Ehemann John)l komplett mit dem wahrscheinlich seltsamsten Date, das ich seit längerem in einem Buch gelesen habe. Und mit einer unterschwelligen, zunehmenden Bedrohlichkeit, die man vielleicht erwarten darf, wenn ein Mann, der sich unbemerkt in jedes nur beliebige Leben hineinschleichen kann, sich langsam in seine Psychologin verliebt und ihren Mann bedroht. Etwas abrupt wandelt sich das letzte Viertel des Buches in eine Art staubige Twilight-Zone-Episode, die in ihrer Herkömmlichkeit nicht wirklich um brillanten Anfang des Buches passt. Das zu klassische Dénouement unterstreicht ein wenig, wie sehr sich das Buch von dem sehr «anderem» Anfang der eMail-Erzählform nach und nach normalisiert und am Ende ziemlich erwartbar endet. Es wirkt, als habe Klosterman ab der Mitte des Buches Ansgar den Faden oder die Lust oder beides verloren und es einfach nach Strickmuster abgewickelt, was enorm schade ist. Denn der Anfang des Buches und vor allem der Mittelteil mit seinen Vignetten der von Y____ beobachteten Personen ist großartig.

So gut, dass man die ersten 100+ Seiten des Buches binnen kürzester Zeit wegliest, weil man wie Vicky von der Persönlichkeit, den Widersprüchen, den Anti-Charme und der Smartness von Y____ gebannt ist und mehr wissen will, bis Klosterman die Story vor die Mauer fährt und man eine 08/15-Horrorgeschichte geliefert bekommt, die abstruserweise gar nicht so weit weg ist von der Kevin-Bacon-Version von «Invisible Man», also die mit dem Cover versprochene Andersartigkeit zur Vorlage nicht einlöst. Das Ende liefe eben doch nur die Geschichte vom verrückten Wissenschaftler, der einer Frau nachstellt. Ähnlich wie auch Nicholson Bakers «Fermate», nur spürbarer, scheint es auch bei «Visible Man» schwierig. Sich am Ende den Schwung des Anfangs zu bewahren, wenn alles gesagt und getan ist, wenn das Mysterium um den Kern der Geschichte gelüftet ist. Auch die Doppelbödigkeit um die Tatsache, das Vick eine unzuverlässige, weil ihrem Patienten geistig unterlegene Berichterstatterin ist, schwindet spurlos und die Psychaterin wird eine glaubhafte Quelle, über die wir nicht mehr mit Y____ den Kopf schütteln wollen, sondern mit der wir plötzlich mitfühlen sollen. Erst ganz am Ende löst Klosterman das wieder auf, wenn er beschreibt das Vick ihre Beziehung mit ihrem älteren und Intellektuellen Mann viel besser findet, seitdem er im Rollstuhl sitzt, weil er sie jetzt braucht und sie gleichwertiger ist. Da blitzt ganz am Schluss noch eine Prise Boshaftigkeit auf, die das «Happy End» der Victoria Vick bei genauerem Lesen wunderbar vergiftet und die Figur wieder ambivalent für den Leser macht.

Insgesamt ist «The Visible Man» ein hochlesenswertes Buch mit einem furiosen Anfang, einem berauschenden Mittelteil, einem sehr schwachen Ende und einer Coda, die dem Leser noch breit grinsend den Mittelfinger entgegen reckt. Klosterman ist immer dann am besten, wenn er in der Camouflage des Romanciers trotzdem seine normalen Kolumneninhalte über Popkultur und Gesellschaft einflechtet und schwächelt, wenn er versucht, seinen inneren Stephen King von der Leine zu lassen. Hätte das Buch so mutig und anders geendet, wie es beginnt, wäre es herausragend… so ist es «lediglich» hoch lesenswert.

8. Januar 2012 15:51 Uhr. Kategorie Buch. Tag . Keine Antwort.

Wolfgang Büscher: Hartland

hd schellnack

Der Trip des Zeit- und Spiegel-ournalisten Wolfgang Büscher durch die Vereinigten Staaten von Amerika beginnt mit einer fast surrealen krypto-faschistischen Begegnung mit der amerkanischen Homeland-Security-Paranoia an einem kanadischen Grenzübergang, die aus einem Tarantino-Film stammen könnte in der Mischung aus absurder Komik und unterschwelliger Gefahr – und das Flair dieser Art stacheliger Feindseligkeit gegen alles Unbekannte, aber auch untereinander scheint zum übergreifenden Thema von Wolfgang Büschers Fußwanderung durch die USA zu werden. Der xenophobe Kampf gegen der europäischen Einwanderer die Indianer, die stets wiederholten Warnungen an Büscher, dieses oder jenes Bundesland oder eine bestimmte Stadt zu meiden, die religiöse Militia von Waco, die grundlegende Stimmung von Misstrauen gegen alles und jeden – all das zieht sich immer wieder durch «Hartland».

«Hartland» ist nach einer Stadt benannt, in der Büscher zu Beginn seiner Reise übernachtet, eine alte verlassene Goldgräberstadt, aber vom Anklang des Heartland bis zum Unterton von Schmerz und Härte, umfasst dieser Titel die amerikanische Entwicklung – «Die beiden Enden der amerikanischen Parabel», wie Bücher selbst schreibt. Und es ist ein hartes Land, durch das er reist. Melancholisch, oft fast poetisch begegnet der Reisende dem Niedergang der amerikanischen Eingeborenen, reist an Toten Vögeln an Reservatsstraßenrändern vorbei, besucht die «Fortunabunker», in denen Indianer eine hundertfache Schar alter weißer Glücksspieler beaufsichtigen, während rundherum das Land wie ausgestorben, leer, leergesaugt, wirkt.

Die grenzenlose Subjektivität
Büscher ist ein Glücksfall als Dokumentator seiner eigenen Reise, der mal emotional überwältigt und fast lyrisch wird, mal sparsam und nüchtern wirkt – ein schriftstellerisches Mixtape, das (auch wenn das Buch möglicherweise gar nicht live on the Road geschrieben sein mag) sehr glaubhaft die Lichtwechsel der Reise widerspiegelt, die Stimmungen des Autors, aber auch die Wechsel in Land und Leuten, denen er begegnet. Dabei bleibt Büscher oft abstrakt, fast skizzenhaft, lässt sich nie auf ein «nur» beschreibendes Niveau herab, ist immer weit von einem National-Geographic-Stil entfernt, betont unjournalistisch für einen Journalisten. Denn dieser touristische Sound wäre auch falsch – es geht ja vielmehr darum, nicht das Unbekannte neutral zu dokumentieren, sondern ganz im Gegenteil, das Bekannte (oder vermeintlich Bekannte) durch ein subjektives Eintauchen zu dekonstruieren und neu zu sehen. Immer wieder konfrontiert Büscher sich selbst und uns Leser mit medialen Vorbildern – die ja unverhinderbaren Eindrücke aus Filmen, Musikfetzen im Radio, aber auch den Schriften Maximilian Prinz zu Wieds aus dem 19. Jahrhundert über dessen Besuche im Indianergebiet oder aus historischen Fragmenten der Lebensgeschichte des Indianers Black Elk und anderen Büchern. Dieser Fremd- und Selbstbespiegelung des amerikanischen Mythos setzt Büscher eine oft fast naive, bewusste Neugier entgegen, gefasst in einer Sprache, die bildhaft, oft fast halluzinogen wirkt, die (ob man das nun mag oder nicht) einen Dreck auf Neutralität und Realität gibt und auf grenzenlose Subjektivität setzt.

Die Reise ins Ich
«Hartland» ist ein Reiseroman der nicht aus Goethes etwas pietistischer Schule des reisenden Wohlstandes entspringt, sondern in Buchform geronnener Geist einer neu-europäischen Backpacker-Kultur, die es mit aller Gewalt hinaus aus der Sicherheitszone des Kristallpalastes drängt, hin nach Asien und Russland, in das Direkte, gerade so, dass man sicher ist, aber eben auch einen Hauch Abenteuer haben kann, den es daheim im Land der Vollkaskoversicherungen so nicht mehr geben kann. Es ist ein bewundernswerter, aber eben doch dekadenter Mix aus Moderne-Ennui und globaler Neugier, der sich eben auch in diesem Trip niederschlägt, der die USA erfolgreich als ebenso unbekannt und wild wie Kambodscha oder Afrika erkennt, das Vorbild unserer westlichen Zivilisation im Prozess des zeitlupenartigen Zerbröselns, der Fragmentierung zeigt, die so langsam stattfindet, dass nur jemand, der aus dem europäischen Nachbau amerikanischer Kulturangebote bemerkt, wie weit sich das virtuelle Vorbild (seit hier ja immer noch nachempfunden leben) und die Realität in situ auseinandergelebt haben.

Büscher liefert so einen interessanten Bruch zu der eigenen Narration, die Amerika über den eigenen Mythos liefert, aber keinen wirklichen Gegenentwurf, bewundernswert unneutral hängt er eingefroren zwischen der mythischen Anziehungskraft der Legende und Historie des Landes, und der Wirklichkeit eines entsiegelten und überfüllten, zu armen und zu reichen Landes, das in der eigenen Zentrifugalkraft auseinander zu sprengen scheint, das trotz so vieler freundlicher Individuen kollektiv und anonym so seltsam bedrohlich wirkt.

Etwa in der Mitte des Buches überkommt mich eine Neugier, die ich beim Lesen sonst so gut wie nicht kenne – wer ist eigentlich dieser Autor? Was treibt einen Mann, der alles andere als ein junger Weltenbummler ist, Jahrgang 1951, der einen soliden Job hat, Kinder, was treibt den in Niemandsland in Russland oder Amerika? Welches spezielle Reporter-Gen muss es geben, welche Mischng aus Neuier, Thrillseeking, blindem Vertrauen, Mut und Selbstsuche, die dich in dem Alter dazu bringt, nicht einen netten Tag mit deiner Familie zu verbringen, sondern auf irgendeinem Highway in wildfremde Autos zu steigen, in leeren Häusern zu schlafen, diese seltsame Konfrontation zu suchen? Für einen Moment springt mich an, wie genial es wäre, wenn Büschers Buch ein kompletter Fake sei, eine Helge-Schneider-Farce, schliesslich weht ja ohnehin kurz der Geist von Karl May durch den Text… aber wahrscheinlich macht ein preisgekrönter Zeit-Reporter so etwas nicht. Auch nicht, weil das Buch immer wieder einen autobiographischen Touch bekommt, wenn sich Büscher etwa auf seine arme, aber eben nicht armselige Kindheit zurückbesinnt und Parallelen zwischen dem fast staatsfeindlichen Individualismus in den USA und jener Prä-Wohlfahrtsstaat-BRD zieht. Oder wenn er seine Kindheit herauf beschwört, wie er vom Attentat auf Kennedy hört und später Moon River im Radio läuft.

Der Flickenteppich
«Hartland» durchweht, je weiter das Buch voran schreitet, eine Melancholie und eine Art sanfter Trauer, die vielleicht aus der Konfrontation dieser Jugendträume der Sechziger mit der Realität von heute resultieren, vielleicht auch nur die einzig sinnvolle Reaktion auf ein müde den Niedergang erwartendes, wütendes und resigniertes Empire von Gestern, die Trauer, die du fühlst wenn du nach Jahren ein Photo eines früheren Hollywood-Stars siehst, an dem die Dekaden spurenreich vorbeizogen. Es ist ein Niedergang, den Büscher in fiebernden metaphorischen Szenen photographiert – eine Cowboyhochzeit im Orkan, der ungebrochene Verfolgungswahn von Waco, immer wieder kleine Begegnungen in Cafés und Autos, Streiflichter von Leben, die Stoff für Romane hergäben. Unterstrichen wird dies von dem Eindruck, dass «Hartland» keinerlei herkömmliche Handlung anbietet, die Reise Büschers kein Ziel hat, sogar mit ihrem Fortschritt immer zielloser wirkt, immer mehr von Pausen und Zögern durchrissen ist, erzählerisch stockt und mehr die Unsicherheit des Schreibenden/Reisenden aufzeigt als eine Entwicklung hin zu einem bündigen Eindruck der USA. Das macht die Lektüre gegen Ende des Buches mitunter etwas schwer, weil du dich als Leser in dem Pittoresken der Einzelszenen auch verlieren kannst und die Orientierungslosigkeit Büschers in der Linearform des Buches irritierend wirkt, aber es zeichnet die Narration auch aus, macht das Buch frei von der sonst so naheliegenden eurozentrischen Arroganz vieler Journalisten gegenüber den USA. Büscher ist nicht selbstsicher, nicht mit einem vorgefassten Ergebnis unterwegs – und diese Ambivalenz durchzieht auch den Text, sorgt in dem Rückblick des gealterten Cowboys Beto sogar für so etwas wie Wehmut, Sehnsucht nach der Zeit in der der Western-Mythos noch lebendig war, der selbst in Texas nur noch in der Erinnerung lebt.

Und so driftet Büscher von der kanadischen Grenze bis Down South zur mexikanischen Grenze und scheint am Ende selbst überrascht, wie wenig ihm zugestoßen ist, wie wenig sich die permanenten Warnungen unterwegs sich nicht bewahrheitet haben und wieviel Hilfsbereitschaft ihm in den verschiedensten Formen begegnet ist, dass unter der Schale des «harten Landes» also vielleicht doch ein weicher Kern steckt. In den Seiten von Hartland jedenfalls steckt eine große Erzählung in kleinen Episoden, eine bescheidene und ehrliche Auseinandersetzung mit einem Land, zu dem wir Deutschen kaum eine neutrale, offene Haltung entwickeln können, und zugleich ein Roman, der die gewitzte Naivität wie man sie etwa auch aus Texten von Klaus Fiehe kennt, zu einer makellosen Waffe geschliffen hat, der Wissen im Nichtwissen, Tiefe im Ungesagten, in den Pausen bietet. Am Ende ist es ein Reiseroman, der zunehmend wortkarg wird, immer weniger zu sagen versucht, immer mehr die vielleicht ursprünglichen Ziele aus den Augen verliert und gerade dadurch, im Treibenlassen, hoch lesenswert wird.

11. Dezember 2011 13:57 Uhr. Kategorie Buch. Tag , . Keine Antwort.

How News are made…

hd schellnack

In den stets lesenswerten Blog von Newspaper-Designpapst Mario Garcia (den man hierzulande u.a. für seine seinerzeit umstrittenes Zeit-Redesign kennt) findet sich ein Link zu einem Text der (Online-) Journalistin und Designerin Lauren Rabaino von der Seattle Times. Der Text befasst sich mit Twitter als News-Quelle, der enormen Redundanz von timeline-artigen Berichten und versucht einige Antworten auf die Probleme zu geben, die diese Art von Nachrichtenerzeugung mit sich bringt, die am Ende in der Idee einer Art News-Wiki mündet und einem Crossover aus verschiedenen Formen von Online- und Offline-Berichterstattung.

Garcia bring es auf den Punkt: «We have said repeatedly that the printed newspaper has lost the time advantage to the digital media.» Wann immer ich in letzter Zeit lokale Tageszeitungen gesehen habe, war ich überrascht, wie «alt» mir die meisten überregionalen und globalen Nachrichten erschienen. Ich kannte sie meist schon aus Tweeds, RSS und Online-Nachrichtenportalen. Gegen diese Medien ist selbst das Fernsehen, der alte Gegner der Printmedien, träge. Die Stärke von Print liegt aber, wenig überraschend, nach wie vor in den regionalen Nachrichten, die online nicht richtig stattfinden und in der Reflektion – dem Essay, dem Interview, der Langzeitberichterstattung und so weiter. Also in Dingen, die die Wochenzeitungen vorleben und die der Echtzeitigkeit enthoben sind, eher allgemein bekanntes noch einmal aufarbeiten, einordnen, differenzieren. Was mir die Hoffnung gibt, dass mehr Zeitungen aus reinem Überlebenswillen wieder zu essayistischen, feuilletonistischen Formen zurückfinden und die Grenzen zwischen «Literatur» und «Journalismus» wieder aufweichen und sich dadurch tatsächlich entschleunigen als Reaktion auf die High-Speed-Online-Medien.

28. November 2011 03:44 Uhr. Kategorie Design, Online. Tag , . 6 Antworten.

Kate Bush: 50 Words for Snow

hd schellnack

Prägnanter könnte der Gegensatz zu Stings Selbstinszenierung zum 25. Solo-Jahrestag kaum sein: Kate Bush, die auf immerhin rund 33 Jahre seit der Veröffentlichung von «The Kick Inside» zurückblickt, bringt nach rund sechs Jahren ein neues Studioalbum heraus – dicht nach dem «Director’s Cut» alter Tracks von «Red Shoes» und «Sensual World». Nicht ganz so alt wie ihr britischer Kollege, aber immerhin auch über 50, ist Bush eine Figur, ohne die heutige Singer/Songwriterinnen nicht denkbar scheinen. Ob die offensichtliche Epigonin Tori Amos oder auch Zola Jesus oder Florence Welch… die von Bush vorgelebte Fusion von künstlerischer Freiheit und kommerziellen Erfolg war (und ist) wegweisend für Art-Pop oder Pop-Art oder wasauchimmer. «50 Words for Snow» ist vor diesem Hintergrund ein bemerkenswert bescheidenes zehntes Album in einer langen und langsamen Karriere. Während Catherine Bush auf dem phantastischen Doppelalbum «Aerial» mitunter noch die Freuden des Hausfrauenalltags zu besingen schien, hat sie sich auf «Snow» offenbar der Stille und Introspektion verschrieben. Das Album wirkt kammermusikalisch, still. Phantastisches Piano, die unkaputtbare Stimme von Bush, ein Minimum an Percussion, Sounds, Electronic, Backgrounds – mehr braucht es nicht für ein Album, für das eben Tori Amos wahrscheinlich töten würde. Dem Thema angemessen, ist es ein kühles, distanziertes Album, das man sich erobern muss, so weit abseits von Pop, wie Bush vielleicht niemals zuvor war, so nah am Konzeptalbum wie selbst mit «Aerialist» nicht. Denn tatsächlich dreht sich nahezu jeder Song um Schnee und Kälte, um Yetis und verschneite Seen. Es ist das Album zur Jahreszeit und die vielleicht beste Weihnachtsplatte, die man sich wünschen kann. Wunderbar authentisch und makellos aufgenommen, weht ein seltsamer Wind von Brian Eno-artiger Reduktion durch das Album, eine kühle Traurigkeit, perfekte Kopfhörermusik. Mitunter kann das Schneethema auch etwas anstrengen, etwa wenn Elton John (ausgerechnet) als Gast-Vokalist auftritt oder der grandiose Stephen Fry tatsächlich durch 50 fiktive Worte, die Bush sich für Schnee ausgedacht hat, gezwungen wird, wofür die grandiose Instrumentierung aber mehr als entschädigt bei diesem einzigen etwas kräftigeren Titel des Albums, der ein klein wenig an die früheren Parallelen zwischen Peter Gabriel und Bush erinnert. «Snow» ist ein delikates, und mit Sicherheit hochexzentrisches Album, das du entweder haßt oder liebst. Ich liebe es – es ist ein mutiges, konzentriertes, seltsames, schillerndes kleines Meisterwerk völlig außerhalb des Mainstreams, eine Platte die atmet und pulsiert und die zu keinem Moment wirkt als hätte Bush noch Touren oder Charts nötig oder würde einen Dreck um Plattenlabel oder Erfolg geben – mit anderen Worten, es ist reinste, purste Musik ohne doppelten Boden. Was will man mehr?

24. November 2011 20:22 Uhr. Kategorie Musik. Tag , . Keine Antwort.

Slanted # 16 Bold-Light

hd schellnack

Mit diesem Heft hat die Slanted-Redaktion bei mir leicht gewonnen. Zum einen liebe ich helle und dunkle Schriften im Kontrast, das taucht immer und immer wieder bei mir auf, zum anderen ist Muhammad Ali via Bildern aus dem Corbis-Archiv photographisch heftigste in dem Heft präsentiert, der als Kindheitsidol durchgeht und bis heute vieles was an den 60ern gut und vieles, was verdammt schlecht war verkörpert und der zwar wie ein Schmetterling zu schweben verstand, aber stets eher schwer als «light» war und das in jeder Hinsicht. Davon abgesehen ist das Heft wieder Spielwiese für die Magma-Designer, die hier natürlich experimenteller abgehen können als im Alltagsgeschäft… auch wenn ich zugeben muss, dass ich genau diesen Look, so sehr ich den an sich mag, langsam aber sicher nicht mehr sehen kann, weil es zu viele Magazine und Bücher, zu viele Büros in einer bestimmten Sparte von Design und viel zu viele Studenten gibt, die mal besser mal schlechter diesen etwas hingenöhlten Design-Look fahren, so wie vor 15 Jahren alles nach Carson aussah. Wenn dieser Look aber langsam in den Theater-Spielzeitheften und Massenpublikationen ankommt (wo man sich fragen muss, ob er da überhaupt hingehört) kann und darf die Slanted eigentlich eine andere Richtung einschlagen, wie immer die auch aussehen mag. Den aktuellen Trend zu in-allen-vier-ecken-soll-typo-stecken… hey, vielleicht mag ich den einfach persönlich nicht, weil ich die 80er selbst live erlebt habe :-D.

hd schellnack

Dennoch ist dieses Heft bereits anders als die drei Vorgänger, wieder einen Hauch cleaner bei aller Liebe zum Chaos – und es steht so einem Heft, das keinen tighten roten Faden verfolgt, vielleicht ja auch ganz gut, wenn es etwas Notizblock-haftes hat, zusammengerockt wirkt, den Geruch von Überstunden, Koffein und Abreagieren hat, man den Seiten den Spaß und die therapeutische Wirkung briefingfreien Arbeitens ansehen kann. Schwerer zu lesen ist die Slanted dieses Mal, weil fast durchsichtig dünne Schriftschnitte oder sehr kompresse und fette Sachen wie die Ambrosia Françoise Bold schon auch auf die Augen gehen – andererseits, wer vor 15 Jahren durch dekonstruktiven Kram kam, überlebt das auch und ein bisschen soll es ja eben auch Abenteuerspielplatz für den Leser sein, denke ich. Wie auch die Produktion mit Papierwechseln, Verdelungen, Sonderfarben zeigt, wie weit das Magazin von seinen Kopierwerk-Anfängen gekommen ist. Bei all dem dürfen die Texte nicht zu kurz kommen – obwohl sie das in dem stream of conciousness der Slanted mitunter durchaus tun -, die Interviews (u.a. mit Jost Huchuli) oder die Essays (u.a. von Yves Porchez) – die die Slanted immer wieder zu einem wunderbar nerdigen Faszien für Schriftfreaks machen und ihr einen festen Platz sicher nicht nur in meinem Herzen sichern, weil kein anderes Magazin so unilateral auf Schrift als Medium festgenagelt ist in Deutschland und zugleich so grandios irrlichtern kann und das Thema so unlangweilig präsentiert – obwohl es ja durchaus langweilig sein könnte. Also, wenn ihr noch kein Weihnachtsgeschenk für den freundlichen Type-Geek in eurer Agentur oder in der Wohnung nebenan habt, wist ihr ja jetzt, wie man ihm oder ihr eine Freude machen kann: Mit einem Abo für die Slanted – für 40 € doch perfekt für den Weihnachtsbaum.

hd schellnack (weiterlesen …)

19:24 Uhr. Kategorie Design. Tag , . Keine Antwort.

Sting 25

hd schellnack

CD, aufwendiges Boxset und kostenlose App, die sich Sting zum 25 Geburtstag seiner Solo-Karrire selbst oder seinem Publikum schenkt ist ein seltsamer Trip in die Vergangenheit. Sting ist seit mindestens einer Dekade ein Künstler geworden, dessen aktuelle Platten man sich kaum noch wirklich anhören kann, zu irrlichternd und oft zu aufgesetzt wirkt die Musik, abgesehen von wenigen Highlights, und es ist zumindest für mich immer schwer vereinbar mit der Energie und Subversion, die ich mit The Police in der ursprünglichen Version verbinde, als die Band New Wave, Punk, Jazz und Dub nahtlos zusammenbrachte und über alle Genres hinweg einen ganz eigenen, bis heute unkopierbaren Sound etablierte.

Gordon Sumner – inzwischen runde 60 Jahre alt – feiert sich natürlich auch selbst hier, das ist der Anlass, mit Boxset-Veröffentlichung, App und anderem gewinnversprechenden Gedöns, sicher gefolgt von einem neuen Album und einer neuen Tour, und das ist auch absolut okay. Und ich muss zugeben, ein wenig zeigt gerade die iPad-App auch kondensiert den musikalischen Weg des Briten, der sich vor allen in den letzten Jahren zunehmend aus dem Pop-Schlamassel und dem Niedergang der Musikbranche geflüchtet hat und mit Klassik-Projekten auftrat, oder mit Autobiographie und einem Lyrics-Band am eigenen Vermächtnis zimmerte, was in dem Alter und nach der Karriere wahrscheinlich verständlich ist, dieses Bauen am eigenen Monument. In den Interviews der App tritt der «Jetzt»-Sting ruhig und gereift auf, selbstironisch und humorvoll, immer noch gutaussehend, aber nicht mehr dieser stets einen hauch zu glatte Mix aus Straßenjunge und Aristokrat, der einem im «Damals»-Sting entgegenkommt, etwa bei den Interviews zu Beginn der Solokarriere.

Und es wird klar, wie bedeutsam «The Dream of the Blue Turtles» musikalisch und biographisch war, ein smartes, selbst für einen Riesenstar wie Sting es damals noch war mutiges Album, das aus heutiger Sicht zwar kaum noch wirklich endlos starke Songs hat (absurderweise primär das Selbst-Cover «Shadows in the Rain», das am wenigsten totproduziert wirkt) und mit «Russians» bereits einen Vorgeschmack gab auf das leicht süßliche Zeug, das Sumner später produzierte («Fields of Gold», «Shape of your heart», usw). Dennoch ist in der Retrospektive die Energie und die Freude, die die Befreiung aus der Triostruktur bedeutet, absolut greifbar und macht dieses Album absurderweise ungeachtet der wirklichen kompositorischen Arbeit zu dem vielleicht spannendsten Sting-Album und «Bring on the Night» zu dem besten Live-Album, einfach, weil die Qualität der Musiker so unfassbar ist und sie nicht nur Miet-Mucker für den großen weißen Helden sind, sondern sich entfalten können. Ich habe Sting auf der letzten Police-Tour und auf der Dream-Tour gesehen und es war live greifbar, wieviel intensiver die erste Solo-Tour für Sting war, selbst wenn er als Vollprofi natürlich in Dortmund die gleichen Publikums-Gags macht wie in Milan oder in London oder sonstwo. Die Spontaneität kam nicht von dem Frontmann, sondern aus den Musikern um ihn herum, Kenny Kirkland, Omar Hakim, die den schwächelnden Balladen Herz und Energie einhauchten.

Es gibt nur noch ein Album, dass diese Energie erreicht, aber introspektiver, leiser ist und das die vielleicht besten Kompositionen von Sumner leistet – »Soul Cages», für Stings Verhältnisse vielleicht am ehesten so etwas wie ein Konzeptalbum, nicht nur eine Ansammlung verschiedener Songs. Die Zusammenarbeit mit Miller und Katché und das vielleicht beste Songwriting seiner Karriere setzen sich selbst gegen die etwas zu glatte Produktion des Albums durch und beweisen, das Sting auch «ruhig» sein kann, ohne zu glatt und kalkuliert zu wirken. Folgealben wie «Twelve Summoners Tales» oder «Mercury Falling» wirken dagegen unfokussiert, und obwohl gerade «Summoners» teilweise wunderbare Rhythmusarbeit und Genrefusionen bietet und unter den kommerzielleren Alben das souveränste ist, hat Sting nie wieder die Authentizität als Songwriter erreicht, die «Soul Cages» verspricht, ist zurückgefallen auf die formellen Spielereien, die schon õthing like the sun» so auszeichneten. Er ist, unterm Strich – obwohl handwerklich sicher ein Könner -, einfach nicht sonderlich ehrlich oder glaubhaft. Es ist fast seltsam, dass ein Sänger mit dieser Stimme nicht mehr Seele in seine Produktionen zu legen vermag, nackter, ehrlicher sein kann. Da wirken neue Experimente wie «Symphonicities», «Winter Tales» und «Songs from the Labyrinth» fast wie der Versuch, durch Genreflucht oder den Bombast eines großen Orchesters von dieser Vakanz in der tatsächlichen Musik abzulenken. Was schade ist, denn die Suche nach Inhalt wie auch die schiere handwerkliche Freude am Komponieren und Singen, an der Live-Performance und der Zusammenarbeit mit anderen Musikern, ist Sting in der Rückschau anzumerken. Vor allen in den vielen dokumentarischen Videos, die deutlich mehr Spaß machen als die Promo-Photos. Weil sie etwa körpersprachlich offenlegen, wie unwohl Sting sich mit den Black Eyed Peas fühlt und wie wenig er – seinen Worten zum Trotz – den jungen Rappern abgewinnen kann. Oder wie wenig die umgekehrt mit seiner britischen Arroganz anfangen können. Und weil die Clips aber auch sichtbar machen, wie sehr Sting im gemeinsamen Spiel mit seiner eigenen musikalischen «Familie» verloren gehen kann, so dass ihn nicht einmal ein umfallender Kontrabass oder eine durch das Schloss, in dem die Proben zu Blue Turtles liefen, schlurfende Rentnergang aus dem Konzept bringen können.

Und so wird diese multimediale Show – obwohl sie dies sicher nicht will – nicht so sehr zum Abbild einer erfolgreichen Musikerlaufbahn, sondern auch zur Kurvendiskussion eines Lebens als Profimusiker, der mit Police klein anfing, sich kühl kalkulierend auf dem Höhepunkt des globalen Ruhms zur eigenen Marke ausbaut und auf Solopfade begibt, eine Weltkarriere hinlegt und irgendwann den Punkt hat, wo es ihn spürbar langweilt, als Produkt in der Post-MTV-Welt zu funktionieren und alljährlich eine mehr oder minder ähnliche Jukebox-Platte zu produzieren, um sein mit ihm alterndes Publikum zu bespielen und noch eine Welttournee zu rechtfertigen… der aber eben auch lange genug im Geschäft ist um zu wissen, dass die Branche brutal ist und es am Ende auch um Geld, Charts, volle oder eben leere Säle geht. Sting braucht sich nur zu Andy Summers und Steward Copeland umzusehen, um zu wissen, wie flüchtig Ruhm sein kann.

Letzten Endes darf man eben nie vergessen, das es bei Musikern nie allein um «heute» geht. Dass die Simple Minds heute nahezu unerträglich sind, macht «Cacophony», «Empires» und «Sons» nicht minder zu exzellenten Alben, dass Cure eine Art Selbstparodie geworden sind mit den Jahren, macht das Duo «Faith/Pornography» nicht weniger phantastisch und Robert Smith nicht minder zu einem wichtigen Musiker. Und erst vor kurzen habe ich angesichts der frisch veröffentlichten U2-Deluxe-Alben entdeckt, wie gut sich gerade die unfassbaren naiven, unfertigen Steve-Lillywhite-Stücke anhören, obwohl oder gerade weil sie so unfassbar mies produziert sind, wie phantastisch dieses Unfertige, Rohe bei Edges Gitarrenspiel ist. Bei Sting ist es ähnlich: Man möchte bei jedem neuen Album ein wenig fremdschämen (ist aber dennoch neugierig genug, um es sich zumindest anzuhören, guilty pleasure halt), aber man darf nicht vergessen – und diese Quarter-of-a-Century-Rückschau ruft das ins Gedächtnis -, dass der Mann hier und da und vor allem nun mal leider früher stellare, wichtige Songs geschrieben hat. Lieder, die große Klasse und große Klassiker sind, und wie schwer muss es sein, damit zu leben, dass man vor vielleicht 30 oder 20 Jahren den kreativen Apex hatte und seitdem öffentlich aber eben auch in den stillen Stunden damit leben muss, nurmehr das eigene Erbe zu verwalten. Dieses Spiel mitzuspielen, sich dabei nicht völlig zu verlieren, den Kopf über Wasser zu halten und vielleicht nicht mehr wirklich gut, aber eben auch nicht völlig mies zu werden oder ganz das Handtuch zu werfen, ist vielleicht allein schon eine bemerkenswerte Leistung angesichts der Haifisch-Branche, in der Sting arbeitet. Insofern Glückwunsch zum Geburtstag zum Jubiläum … und ich warte weiter auf ein großes Alterswerk, das nicht mehr in stilistische Spielereien und Grenemasups flieht, sondern tief und ehrlich ist und mich aufrichtig zum Weinen bringt. Auf die nächsten 25 Jahre, Mr. Sumner. Und darauf, dass die Queen endlich den «Sir»-Title rausrückt, verdammt.

22. November 2011 19:40 Uhr. Kategorie Musik. Tag . Keine Antwort.

Alex Leu fragt 27: Letzte Worte

hd schellnack

Welchen abschliessenden Rat würden Sie unseren Nachwuchs auf dem Weg geben?
Wie kann man seine Stärken kommunizieren? Damit andere wissen, wer du bist, was du kannst. Um eben auch mit den entsprechenden Aufgaben betraut zu werden?

Der erste Rat ist sicher, dass man schauen sollte, ob man das wirklich machen will, was man macht. Du verdienst als Designer nicht wirklich so atemberaubend und der Job ist anstrengend, weil man sozusagen lebenslang Prüfungen meistern muss, gewogen wird, bewertet wird, sich immer wieder beweisen und auch selbst hinterfragen muss bei zugleich verhältnismäßig geringer sozialer Anerkennung. Also erst einmal überlegen: Warum will ich Designer werden? Und sich dazu informieren, wie der Alltag aussieht, der sich ja deutlich von «Gute Zeiten Schlechte Zeiten» oder «Mad Men» unterscheidet (leider in letzterem Fall).

Und wenn man es dann studiert, sollte man es so brennend studieren, wie man kann, weil es eben nicht Sozialpädagogik oder Maschinenbau ist. Es kann nicht darum gehen, irgendwie durchs Studium und in den Beruf zu kommen, sondern das Studium ist nur eine Art Ausrede, sich zu entdecken und entfalten. Man sollte seine Dozenten völlig in Anspruch nehmen, neben der Uni arbeiten und vier fünf Jahre nur Design leben und atmen, möglichst viele Praktika machen, möglichst viel nebenbei tun, an jedem Projekt teilnehmen. Design ist nicht BWL, es ist kein Beruf, sondern eine Lebensart, eine sehr ganzheitliche und grundlegende Sicht auf Welt und vielleicht auch auf dein eigenes Leben, es ist ein Paradigma an sich – und es gilt, im Studium in diese Lebensart einzutauchen. Ich kriege zugegeben zuviel, wenn Studenten im Diplom stehen und Vignelli oder Gugelot nicht kennen. Gesine Grotrian-Steinweg hat bei einer Podiumsdiskussion einmal Studenten gefragt, ob sie KesselsKramer kennen, eins von den drei wirklich wichtigen niederländischen Büros, eine Legende. Und keiner im Publikum hat es gekannt.

Auf der anderen Seite kann ich jederzeit bei Thierry Blancpain anfragen, der in der Schweiz Design studiert, wenn ich zu einem bestimmten Thema etwas wissen will, und der donnert mir nicht nur fünf grandiose Vertreter einer bestimmten Richtung als Link um die Ohren, sondern hat auch gleich eine dezidierte Meinung zu dem Thema. Da brauchst du nicht zu überlegen, ob der Mann mal ein guter Designer sein wird, es ist einfach klar. Der brennt für seine Sache, kennt sich aus, macht wahnsinnig gute Arbeit. Solche Leute hast du übrigens an fast jeder FH, immer so 3% bis 10% der Studentenschaft. Die machen Projekte, organisieren Veranstaltungen, produzieren Bücher und Magazine, sind immer wieder atemberaubende und spannende Leute, deren Namen man dann nicht ohne Grund immer und immer wieder irgendwo liest und auch in den kommenden Jahren lesen wird, weil sie die nächste Generation guten Designs darstellen. Solche Leute sind ein Geschenk, kann man nicht anders sagen… und als Student sollte man eigentlich alles daran setzen, so zu sein, so zu werden.

Es gibt sicher Jobs in Agenturen, die man auch kriegt, wenn man sich nicht für Design und Typographie und Kultur interessiert und nur InDesign halbwegs solide bedienen kann und tut, was gesagt wird. Keine Frage. Die sind im Zweifelsfall sogar besser bezahlt, weil die Jobs, die solche Läden machen, mehr Geld einbringen. Mittelmaß setzt sich durch.

Aber wer mehr will, muss Design atmen. Und natürlich gerade im Studium – diesem großen Freiraum, dieser beneidenswerten Chance (die der Bachelor leider sehr kleinrationalisiert hat) Zeit und Ressourcen für freie Projekte zu haben – einfach mal einen Kongress starten, einen Bücherstand für die Frankfurter Buchmesse stemmen, ein Buch produzieren. Solche Sachen, die dann dein ganzes weiteres Leben formen können. Christian Hampe und Beate Blaschczok haben an der Ruhrakademie mit «Clownfisch» angefangen und das ist inzwischen eine recht große Nummer geworden, längst eine Art kultursoziales Experiment und viel mehr als «nur» ein Magazin. Mutabor ist einst als Studentenprojekt gestartet, die haben noch in der Studienzeit für BMW gearbeitet und die ersten TDC-Awards eingeheimst und herausragende Arbeit gemacht. Du kannst an der Uni – Bachelor hin oder her – angstfrei deine eigenen Stärken finden und musst diese Chance auch immer wieder einfordern, deine Dozenten um Freiheiten und konkrete Hilfestellung angehen, die ein guter Student auch immer kriegen wird. Machen, lernen, entdecken und dann als schon relativ guter Designer von der FH kommen – mit einem sauberen Portfolio und einer umwerfenden Diplomarbeit, mit den ersten guten Kontakten, weil du vielleicht mal bei der «Typo» aktiv gewesen bist oder auf der Buchmesse in Frankfurt oder bei Strichpunkt oder Magma oder KolleRebbe ein Praktikum hattest, ein Projekt von dir bei Slanted, fontblog, in der Form oder Novum präsent war. Der Tip wäre also wahrscheinlich: Mach es nicht oder mach es ganz.

Wie kann man seine Stärken kommunizieren? Damit andere wissen, wer du bist, was du kannst. Um eben auch mit den entsprechenden Aufgaben betraut zu werden?

Das kann ich einerseits kaum beantworten – ich nage selbst seit ewig an der Frage und bewundere die Art Selbstdarsteller, die das so scheinbar mit Leichtigkeit macht, sich immer in den Mittelpunkt stellt, völlig gnadenlos selbst verkauft und anscheinend frei von Zweifeln ist. Zugleich mag ich solche Leute oft nicht, ich habe um mich eben meist doch eher Leute mit Selbstzweifeln und Unsicherheiten, nicht diese Self-Hype-Leute. Ich bewundere diese Fähigkeit abstrakt, aber wenn ich damit konfrontiert bin, macht sie mir Angst oder die Leute sind unsympathisch oder so. Gibt einige Ausnahmen, die die Regel bestätigen, natürlich. Aber generell sind mir Leute sehr viel lieber, die an sich selbst zweifeln und gar nicht realisieren, wie toll sie eigentlich sind und die nicht so selbstzufrieden sind und weiter an sich arbeiten.
Ansonsten ist es so, dass bei uns beispielsweise Praktikanten immer wieder auch mal Aufgaben kriegen, die sie eigentlich überfordern. (Oder vielleicht nicht überfordern sollten nach einem Studium, es aber oft de facto tun). Und mit der Zeit kristallisiert sich dann deutlich heraus, wer etwas an den Tisch bringt und wer nicht. Wer Arbeitsethos hat, wer schöne Ideen und visuelles Denken hat, bei wem ich auch kein schlechtes Feeling habe, wenn es mal Routineaufgaben zu tun gibt bzw. wer auch diese erfüllt und über-erfüllt. Ich kann nur für uns selbst sprechen, aber ich glaube nicht, dass man sich bei nodesign nervös «verkaufen» muss, die Qualität zeigt sich von ganz allein im Tun.

Was ist die Voraussetzung um angstfrei zu sein? Zu wissen, was man will? Weil man sich mit seiner Arbeit identifizieren kann?

Völlig angstfrei zu sein, ehrlich gesagt, fände ich nicht gut. Angst ist ja auch ein herausragender Motivation und gesunder Teil unserer Gesamtpsyche. In gesunder Dosis ist Angst sinnvoll. Wobei ich nicht diese paralysierende und pathologische Angst meine, sondern in diesem Fall vielleicht eine grundsätzlichere Angst vor der Leere, dem Vakuum im Leben, der Sinnlosigkeit. Diese Art von Angst hat sicher schon manche Leute zu unfassbaren Leistungen bewegt. Zu wissen, was man will – aber dabei flexibel zu bleiben – hilft immer, auch wenn man das meist eher schubweise im Leben entdeckt und nicht mit 20 weiß. Die Identifikation mit der Arbeit… das ist so ein Ding. Wenn es nicht die Eitelkeit und sozusagen narzisstische Identifikation ist, sondern ein Eintauchen, eine Leidenschaft, dann unbedingt. Wichtig ist nur, es nicht zu ernst zu nehmen. Du bist nicht deine Arbeit, musst kritikfähig, flexibel, offen bleiben. Ich glaube fest, dass jeder seine ganz einzigartigen Fähigkeiten und Funktionen hat – und diese nur entdecken oder entfalten und trainieren muss, was aber meist nur mit einer Mischung aus Ehrlichkeit und Demut erreichbar ist. Und Humor – wenn du nicht mehr über dich selbst lachen kannst, hast du verloren.


26. September 2011 17:35 Uhr. Kategorie Arbeit, Design. Tag , , . Keine Antwort.

Elmore Leonard: Djibouti

hd schellnack

Es ist ein seltsamer Kunstgriff, zu dem Elmore Leonard in Djibouti greift – ein Buch als Konstruktion zu erzählen, als Werk in der Entstehung metatextuell greifbar zu machen, wenn auch in der Tarnung als «Film». Als Leser erleben wir mit, wie die an Kathryn Bigelow angelehnte Filmemacherin Dara Barr und ihr mit 72 Jahren nicht mehr junger, aber umso hochvitalerer Assistent Xavier LeBo mit ihrem Boot Buster in See stechen, und schon im nächsten Kapitel – tatsächlich drei Monate später – finden sich unsere Protagonisten im Hotelzimmer und diskutieren, wie man den Dokumentarfilm-Stoff, den sie in der Zwischenzeit gedreht haben, ideal zusammenschneiden und angehen kann. Es ist fast, als könne man dem Autor selbst dabei zuhören, wie er über die Struktur seines Buches nachdenkt. Ganze Handlungsstränge und Zusammenhänge werden so extrem zusammengerafft, im Dialog sozusagen nur noch nachverarbeitet und in dieser Präsentation bereits wieder kommentiert. Für einen normalerweise eher linearen Autoren wie Leonard fühlt sich dieser Ansatz fast so exotisch an die wie Setting des Romans per se, und es ist Zeichen seiner Meisterschaft als Autor, dass seine Figuren und ihre Dynamik, die Lässigkeit der Dialoge, die Klarheit der Sprache, dennoch so gelingen, dass man als Leser bei der Stange bleibt, selbst wenn zunächst nahezu keine Handlung in Sicht ist und wir quasi zwei fiktionalen Figuren dabei «zusehen», wie sie vor einem 17″-Laptop kauern, Videos sichten und über eine Handlung reflektieren, die wir nie miterlebt haben.

Auf Dauer ist der Wechsel zwischen der vor- und zurückgreifenden Erzählung von Dara und Xavier einerseits, die ihren Film schneiden und den andererseits zunächst recht eigenständigen Handlungen dazwischen eher schwierig, weil ein klassischer Spannungsbogen oft doch besser in linearer Handlung entsteht. Man wird beim Lesen immer wieder aus dem Strom der Ereignisse gerissen, zurück auf die Metaebene – selbst beim großen Finale kommentieren Dana und Xavier noch wie von der Galerie aus das Geschehen und fragen anstelle des Lesers, dessen berechtigte Zweifel vorwegnehmend, ob das alles nicht gerade ein wenig zuviel des Zufalls sei. Es ist, als würde man eine Filmhandlung nicht sehen sondern von zwei Zuschauern beschrieben bekommen, gleichzeitig die Kommentare von Regisseur und Drehbuchautor im Untertitel lesen und ab und zu einen Blick auf den tatsächlichen Film erhaschen dürfen. Einerseits ist diese Technik vor allem für einen so routinierten Autor wie Leonard absolut erfrischend und bereichernd, andererseits fühlt sich Djibouti dadurch immer wieder etwas sehr abstrakt an, zusammen mit Elmores ultra-komprimiertem Schreibstil und einem sehr freiflottierendem Plot tatsächlich auch einigermaßen verwirrend, weil sich aus den Fragmenten einfach keine klare Richtung zu ergeben scheint, der Autor von den Ereignissen und Figuren selbst überrascht zu sein scheint.

So kippt die bis dahin kaum erkennbare Handlung in der Buchmitte dann auch plötzlich, weg von der Thematik somalischer Piraten, hin zu den Al-Quaeda-Terroristen Quasim und Jama, einem zum Islam konvertierten Afroamerikaner, die von einem der Piratenanführer namens Idris und dem britischen Scheich Harry Baker als Geiseln genommen werden, weil letztere sich ein hohes FBI-Kopfgeld von den Terroristen versprechen. Positiv formuliert verhindern solche Handlungssprünge natürlich, dass Langeweile aufkommt – aber als Leser merkt man schon sehr deutlich, dass der Autor eigentlich die Geschichte erfindet, während er schreibt. Wie ein alter Jazz-Virtuose improvisiert Elmore seine vertrauten Motive, stets meta-kommentiert vom griechischen Chor des Buches, den Filmemachern Dara und Xavier, die schon die weibliche Hauptrolle der Verfilmung des Buches planen, welches wir gerade lesen und über Naomi Watts als Hauptrolle spekulieren oder überlegen, ob man fehlende Doku-Elemente nicht mit Schauspielern füllen könnte, als Mix aus Dokumentation und Hollywood.

Was anfangs eine sportive Herangehensweise an die Erzählung ist und den Mut eines Altmeisters zeigt, mit offenen Karten zu spielen, verwirrt spätestens, als der Plot beginnt, seltsame Haken zu schlagen und nicht mehr nur die Zeitebenen wirsch durcheinander wirbeln, sondern Leonard auch die Handlung im Handstreich ändert.

So dreht sich Djibouti zunehmend weniger um Dara, Xavier und ihren Film über die somalischen Piraten, sondern mutiert zu einem etwas schleppenden Thriller um den inzwischen geflohenen afro-amerikanischen Al-Quaeda-Terroristen Jama (alias James Russell), den Piraten Idris, den auf Crystal Meth durch die Gegend schießenden Harry Baker und dem Millionär Billy, der hinter den Kulissen noch James Russels mutmasslichen Terroranschlag auf den Gastanker Aphrodite auf eigene Faust zu verhindern versucht – indem er das Schiff kurzerhand selbst in die Luft jagen will. Nachdem der zunächst so frisch und anders wirkende frische Handlungsverlauf nach rund 200 Seiten dann eben doch zum für Leonard eher herkömmlichen und bewährten Muster zusammengeschnurrt hat – smarte Frauen, harte Männer, dumme aber brutale Kleingangster und ein finales Western-Duell, auf das alles mit traumhafter Unlogik hinausläuft – kommt die Geschichte auch etwas in Gang, ohne Rückblenden, narrative Mätzchen …aber natürlich immer mit genug Pause für doppelbödigen Small-Talk bei etwas Martini.

Wie jeder Elmore-Roman lebt auch dieser von den Figuren, die der Autor mit wenigen Strichen souverän zu Papier bringt, ihnen mit einem Minimum Text eine Ambivalenz, Motivation, Biographie verleihen kann, die andere auf hunderten von Seiten nicht herbei schreiben. Vielmehr spielt Leonard so glaubhaft den Anfang einer Melodie, dass der Leser bereit ist, nur zu gern selbst weiter zu pfeifen und die grobe Andeutung mit eigener Phantasie zu beleben. Nicht viele Autoren beherrschen diesen Trick so virtuos wie Elmore Leonard, in dessen Chiaroscuro-Licht die Charaktere schillern und glitzern wie seltene Tiefseefische, die man in dieser Form stets nur im Aquarium des Romans zu bestaunen kriegt. Wie gute Photographie uns den Luxus gibt, Zeit einzufrieren und ungeniert voyeuristisch das echte Leben in der künstlichen Form zu betrachten, so finden wir in Leonards stets leicht selbstähnlichem Figurenkabinett ebenfalls eine Chance, in den Details zu verweilen, Ideosynkrasien und Archetypen zu entdecken… Und je weniger der Autor sich selbst vom Fluss der Handlung mitreissen lässt, je fast gelangweilter seine Figuren auf den Showdown zu warten scheinen und sich dabei selbst kommentieren, umso besser. Das die Charaktere dabei meist halb betrunken oder auf Khat sind, verleiht dem Buch dabei eine traumwandlerische Freiheit von Logik, die mehr als einmal die Frage aufdrängt, ob der Autor vielleicht therapeutisches Cannabis konsumiert. Die haarsträubenden Wendungen, abrupten Wechsel, das überstürzte Finale und der seltsame Ortswechsel auf den letzten Metern – Djibouti wirkt freundlich gesagt weitgehend ungeplant. Free-Jazz eben.

Ideal wäre es nun, würde das Buch verfilmt werden – als Mix aus Dokumentarmaterial und Schauspiel-Elementen und natürlich mit Naomi Watts in der Hauptrolle, verfilmt von Kathryn Bigelow. Schöner könnte sich der Kreis kaum schließen.

16. September 2011 18:14 Uhr. Kategorie Buch. Tag . Keine Antwort.

Alex Leu fragt 24: Trendjäger

hd schellnack

Was sagen Sie dazu, wenn sich Studenten oder Berufsanfänger vor einer konzeptionellen oder gestalterischen Wiederholung in deren Arbeiten fürchten? Einem Trend hinterherzujagen (aktuell Lombardo, Meire, Borsche Style etc.)
Wie kann man seinen eigenen Stil entwickeln, ohne einem Trend hinterherzujagen?

David Carson hat mal gesagt, dass man als Designer ein Drittel seiner Karriere lang andere Stile kopiert. Ich selbst glaube, man tut es unbewusst vielleicht sehr viel länger, nur raffinierter, subkutaner. Es ist aber natürlich schon übel – so wie die Carson-Grunge-Nachbauten vor zehn Jahren unerträglich waren (und ich habe letztens sogar noch welche in einer Bewerbung gesehen) – wenn heute so viel Design so gleich aussieht.

Wenn ein Praktikant 60% der Zeit im Büro Design-Blogs durchsurft, darf man nicht überrascht sein, wenn seine Vorschläge für Projekte dann verdammt nach dem aussehen, was er sich da den ganzen Tag lang angesehen hat. Auf der anderen Seite wäre ich heuchlerisch, wenn ich nicht zugebe, selbst natürlich auch Einflüsse und Inspirationen zu haben, sogar sehr viele und mich bei denen auch gerne zu bedienen, wie ja vorhin schon besprochen.

Ich hoffe bei Designern immer auf das, was ich den Beatles- (zeitgemäßer vielleicht den Radiohead-) Effekt nenne. Beide Bands haben nicht sonderlich innovativ angefangen, sich dann aber im Laufe der Karriere aber massiv freigeschwommen. In der Regel werden viele Künstler, Autoren oder Musiker mit der Zeit kommerzieller, chartsorientierter – und vielen Design-Büros geht das auch so. Die Kunden werden größer, und große Kunden scheuen das Experiment… in der Wahl ihrer Partner, aber auch in der tatsächlichen Arbeit. Wenn ein Studio also 20 oder 40 Mitarbeiter hat, wird es im Schnitt durch den größeren Output durchaus auch wegweisende Projekte geben, aber eben auch sehr viel Mainstream. Radiohead, die Beatles und ein paar andere Bands zeigen, dass es aber auch anders geht, das langfristiger Erfolg auch dadurch erfolgreicher wird, immer kompromissloser seinen eigenen Weg zu gehen. Aber das schaffen eben auch nur sehr wenige.

Dennoch macht man sich als Designer natürlich mit der Zeit freier von erkennbaren Einflüssen, freier von Unsicherheiten. Ich denke, dieses Freischwimmen, das ein langsamer und tastender Prozess mit Fehlern und Irrwegen sein muss, ist die Methode, die dann – wahrscheinlich erkennt man das selbst aber nie, weil man ja nicht auf das eigene Werk zurückblickt – zu einer Eigenständigkeit führt. Der Mut zum Fehlschlag gehört dazu. Man probiert viele Anzüge an, sieht auch mal schlecht angezogen aus, findet aber nur so seinen eigenen Look. Und irgendwann ist man so oder so außerhalb von Trends, weil man sich nicht mehr so damit befasst, was gerade angesagt ist, sondern eigenen Antworten hinterherjagt.

2. September 2011 14:23 Uhr. Kategorie Arbeit, Design. Tag , , . Keine Antwort.

Alex Leu fragt 23: Oberflächendesign

hd schellnack

Ambitionierte Studenten befürchten in der Praxis die Beliebigkeit und „Oberflächendesign“. Was sagen Sie aus Ihrer eigenen Erfahrung dazu?
Beispiele: unrelevante Arbeit, für die Tonne zu arbeiten, zum Dekorateur zu verkommen, kommerziell pragmatische Projekte, geringe Wertschätzung: Gehört das in der Praxis auch einfach dazu?
Gibt es einen Weg wie man damit positiv umgeht?

Zunächst ist kommerziell und oberflächlich absolut gar nicht gleichzusetzen. Ganz im Gegenteil geben dir gut bezahlte Aufträge eher die Ressourcen, in die Tiefe einer Idee einzutauchen, weil du mehr Zeit investieren darfst oder Geld hast, um mit Partnern, die dich selbst interessieren, zu kooperieren. Und es gibt andererseits eben auch ganz entsetzliche pro-bono-Projekte bei denen dich der Auftraggeber (der irgendwie vergisst, dass er eigentlich in diesem Fall ja gar keiner ist) völlig beschneidet oder frustriert und am Ende hast du ein Ergebnis, das schlecht ist und schlecht bezahlt wurde, schlimmer geht es gar nicht. Been there, done that, it sucks. Kommerziell mit «brav» gleichzusetzen ist, sorry, einfach eine Ausrede für Faulheit. Wir haben beispielsweise bei einem kommerziellen Kunden aus der Bankenwelt deutlich bösartigere Konzepte realisiert bekommen als an einem Theater, viel konfrontativeres Material produziert. Nonkommerziell ist nicht immer «besser». Es gibt keine schlechten Briefings. Ich habe bei pro-bono-Aufträgen unfassbare Kompromisse machen müssen («Mein Mann hat sich da auch mal etwas ausgedacht…») und andererseits bei hochkommerziellen Aufträgen wunderbare Erlebnisse und Ergebnisse gehabt. Also bloß nicht auf diese Klischees reinfallen, sie stimmen nicht.

Insofern gibt es keinen Job, der per se «oberflächlich» ist oder von uns so angegangen wird. Natürlich hast du immer wieder Klienten, die am Ende die scheinbar sicheren Varianten bevorzugen, die du nicht oder eben nur langsam ermutigen kannst, sich zu Strecken, gegen den Strich ihrer Branche zu bürsten. Manchmal braucht es etwas Zeit und gewonnenes Vertrauen, bis du ans Eingemachte darfst – ich kann das auch gut verstehen. Auch wenn es immer wieder schwer ist, bei Null anzufangen, diese Geduld mitzubringen – weil man ja weiß, dass der Klient selbst wichtige Zeit verliert und weil es natürlich auch manchmal anstrengt, bei neuen Auftraggebern immer wieder durch diese Phase durchzumüssen, zu überreden, zu überzeugen, sich zurückzunehmen, Kompromisse auszuhandeln. Aber mit dieser Erfahrung sind wir ja nicht allein. Das geht auch einem Chip Kidd oder Sagmeister so, also warum nicht nodesign :-D?

Wir haben 2009 solche Prozesse gehabt, bei einem spezifischen Auftraggeber und uns teilweise für die Endergebnisse etwas geschämt. Aber dann siehst du mit etwas Abstand die sonstigen Materialien, die andere Büros für diesen Klienten umgesetzt haben… und realisierst, dass du ihn eigentlich schon ganz schön weit gedehnt hast und deine Verbündeten im Inneren der Maschine wahrscheinlich gar nicht mehr herauspokern konnten. Relativ zur Norm war das Ergebnis zwar nicht dass, was du vielleicht für den Auftraggeber wolltest, aber dennoch das noch deutlich vorzeigbarste Ergebnis in seinem Medienportfolio. Insofern haben sich die Kompromisse irgendwie eben doch gelohnt, und unsere Hartleibigkeit in der Arbeit.

Es ist wichtig sich das immer wieder vor Augen zu halten, Geduld zu haben. Zumal es ja spannender ist, nicht ad hoc für «coole» Klienten zu arbeiten, wo das gute Design fast vorprogrammiert ist, sondern für Auftraggeber, die schwieriger sind und vor allem deutlich mehr Hilfe brauchen. Da habe ich einen Missionarsansatz, ich drehe lieber eine Betonfirma komplett um als bei einem Lifestyleanbieter die dann ja wieder übliche androgyn-glatte oder pseudo-provokante Optik zu fahren. Letzteren würden wir wahrscheinlich eher dann eben in eine für ihn auch wieder ungewohnte Richtung schieben wollen.

Oberflächlich sind für mich vor allem Ergebnisse, die einfach nur «gut» aussehen, aber sonst aber nichts wollen, denen du keinen Hintergrund anmerkst. Um Peter Hein zu zitieren: «Es mag sich zwar reimen, aber warum?» Stuff, der sehr zeitgeistig daherkommt, aber der mit den Inhalten wenig zu tun hat, der keinen Subtext hat, den du nicht deuten kannst, der nur kosmetisch ist. Das sind ja gerade oft die Arbeiten, die du als «wild» bezeichnest, die durch viel Styling von ihrem faktischen Mangel an Substanz ablenken, die nur formale Experimente sind, akut toll aussehen und dann langweilen. Das sind die Dekorationsarbeiten, das ist das visuelle Feigenblatt des horror vacui. Und was die Geringschätzung angeht – man sollte sich selbst nicht zu wichtig nehmen, wir sind keine Unfallchirurgen, sondern Gestalter. Dennoch machen wir wichtige Arbeit – und wer die gut und souverän macht, wird auch nicht gering geschätzt werden, weil er einen sehr greifbaren Beitrag zum Erfolg einer Sache leistet, einen Mehrwert schafft.

Man muss da vorsichtig sein – manche der so aussehenden Arbeiten haben ein phantastisches Fundament, sind Styling und Substanz, haben eine Aussage und sind absolut umwerfend. Andere eben nicht. Spannend am Design finde ich selbst nicht die Gestaltung. Die ist und bleibt Mittel zum Zweck und ist, ehrlich gesagt, mitunter etwas langweilig. Man darf Design an sich nicht zu ernst nehmen. Das Spannende ist der Zweck. Mich reizt an Design nach wie vor die Wirkung, also die Vorstellung, damit eine Reaktion kurz- oder langfristig hervorzurufen, als «Agent of Change» sehr direkt aktiv sein zu können. Wandel (mit) zu gestalten, so platt das klingen mag. Als Designer bist du oft sehr pragmatisch an Umbruchprozessen, Relaunches oder an Neugründungen beteiligt und damit, wenn der Klient dies zulässt, ganz aktiv an Change-Management-Prozessen. Wie Mitarbeiter und Kunden ein Unternehmen sehen, wie eine Einrichtung sich sozial definiert, liegt dann zumindest teilweise mit in deiner Hand. Nicht oberflächlich ist insofern für mich ein journalistisches, neugieriges, lernendes Design, das versucht, den Auftraggeber und sein Umfeld zu erkunden, wie ein Helikopter zu umkreisen, unter die Lupe zu nehmen, das in die Tiefe geht, sozusagen auf leichte Art organisationspsychologisch ist. Und mittelfristig versucht, den Status Quo zu verändern, zu optimieren, indem es positive Impulse und Vorbilder schafft.

Das positive Umgehen ist insofern, sich den Beruf zu eigen zu machen. Es gibt viele Nischen im Design, vom flashigen Trendzeug bis ursolider Werbung und dazwischen auch Raum für Büros wie unseres, das irgendwie weder noch ist. Design ist wie Musik – es gibt zig Stile und Nuancen, du kannst eher der Jazzer oder eher der Raggamuffin sein… wichtig ist vor allem, dass du dein Ding möglichst ehrlich und gut machst.

1. September 2011 15:24 Uhr. Kategorie Arbeit, Design. Tag , , . Keine Antwort.

Alex Leu fragt 22: Avantgarde und Innovation

hd schellnack

Im Design herrscht dieser avantgardistische Gedanke. Drang nach Innovation. Muss man denn immer innovativ sein?
Warum wollen wir Designer alle etwas besonderes sein oder leisten?

Ha, das habe ich ja fast schon vorweg beantwortet. Nein, man muss nicht immer innovativ sein – und ich glaube auch nicht, dass im Design ein «avantgardistischer Gedanke» herrscht, der wäre auch nicht herbei leitbar, den hat die Kunst wenn überhaupt für sich gepachtet, Avantgarde wäre ehrlich gesagt aus meiner Sicht das pure Gegenteil von dem was Design sein sollte – nämlich anwenderorientiert. Wo kommt diese Behauptung her – ich kenne ehrlich gesagt nicht einen Designer, der sich selbst als «Avantgarde» bezeichnet hätte. Dafür sind die meisten auch zu bescheiden – oder zu sehr von der Realität gebeutelt. Design ist eigentlich kein Beruf, der allzu große Starallüren hergibt.

Innovation ist so ein seltsam technologisches Paradigma – ich glaube nicht, das Geisteswissenschaften wirklich um «Innovationen» kreisen, sondern um Theorien, Entwicklungen, Thesen und Antithesen. Ich glaube, dass Design sich auch eher so dialektisch entwickelt und nicht in Innovationssprüngen. Bei uns kommt nichts aus dem «Nichts», das kreative Genie ist ein reiner Mythos.

Und auch bei den Ingenieuren sind Neuerungen ja keineswegs sprunghaft, sondern ein stetiges, evolutionäres Forschen und Weiterentwickeln, gegenseitiger Austausch. Der Begriff des Reverse Engineering kommt ja aus dieser Ecke – etwas bestehendes auseinandernehmen, sehen, wie das gemacht wurde, neu und anders zusammensetzen, verbessern. Fortschritt ist Optimierung, immer und immer wieder die gleiche Sache in die Hand nehmen und schleifen, bis es perfekt ist. Insofern ist auch Design ein Kaizen-Prozess. Natürlich sieht es manchmal so aus, als sei dann sprunghaft etwas nach vorn gegangen, aber in Wirklichkeit, wenn man genau hinsieht, war alles im Ansatz auch schon vorher da, es ist nur eine Art Markierungspunkt in einer ansonsten sehr stetigen Kurve. Das gleiche lässt sich übrigens auch in der Kunst festmachen, wo eigentlich auch nahezu nichts aus der leeren Luft kommt, sondern Autoren, Komponisten, Maler und und und sich gegenseitig über die Generationen inspirieren und man etwa in der Klassik fast so etwas wie Gespräche über Jahrhunderte hinweg nachverfolgen kann.

Innovation ist ein Wandlungs-Prozess, schon vom Wortstamm her, kein plötzlicher Deux Ex Machina. Innovation ist übrigens im Design schon gar nicht wildes Anti-Design, ebenso wenig wie die Dekonstruktion in der Architektur der neunziger wirklich «innovativ» war. Wichtig, spannend, fesselnd? Sure. Aber hat es wirklich etwas Neues gebracht? Nein, du kannst ganz ähnliche Entwürfe wie die von Morphosis schon in den zwanziger und sechziger Jahren finden, Thom Mayne kam insofern nicht aus dem Nichts, ebensowenig wie David Carson. Innovativ sind eher neue Technologien und fast unscheinbar wirkende Dinge, die irgendwann geballt einen Tipping Point erreichen und dann geballt zu einem überraschenden Gesamteffekt werden. In der Architektur also Dinge wie Klimatisierung, Lebensräume, Infrastrukturen, Gebäude, die hinterfragen, wofür sie eigentlich gedacht sind und sozusagen mit der Tabula Rasa anfangen und deshalb vielleicht zu am Ende sogar bescheideneren, aber besseren Ergebnissen kommen – Architektur also, die von der Lösung, nicht vom Look her gedacht ist. Im Alltag Elektrogeräte oder Softwares, die auf Feature-Bloat verzichten und genau deshalb umso besser funktioneren. Ganz nach Dieter Rams: Weniger, aber besser. Das ist Innovation – ganz im engsten Definitionssinne eine Entwicklung, die umfassend das Wohlbefinden und die Effizienz der Gesellschaft verbessert. Der Airbag ist – obwohl unsichtbar – in diesem Sinne mehr Design-Innovation als eine schicke Karosserie. Innovation ist nicht der (schon gar nicht der schrille) Look, sondern die bessere Nutzung,die ideale Passform, die bessere Lösung, die nachhaltigere, ökonomischere Systematik. Nicht laut – sondern unsichtbar. Gutes Design siehst du gar nicht, gute Systeme sind unsichtbar bis sie eventuell fehlschlagen und in diesem Prozess ihre Struktur erkennbar wird, weil sie nicht mehr reibungslos funktioniert, der Fehlschlag zu einer neuen Design/Innovations/Optimierungs-Runde führen muss, um das System wieder subkutan zu machen.

In diesem Sinne sollte Design sicher immer innovativ sein wollen, nicht aber im Sinne einer aufgeregten Jagd nach dem oberflächlich vermeintlich Neuem, sondern im Sinne einer evolutionären, generationenübergreifenden, bewussten dialogischen Verbessung des Bestehenden. Innovation ist also nicht das kurzatmig-neue, sondern ganz im Gegenteil eine liebevolle, behutsame und stetige Überarbeitung, ein sozusagen skulpturaler Prozess, der auch nie abgeschlossen ist.

17. August 2011 17:27 Uhr. Kategorie Arbeit, Design. Tag , , . 2 Antworten.

Alex Leu fragt 21: Ideen und Kopien

hd schellnack

Wie stehen Sie dazu, wenn ein anderer die gleiche Idee hatte, wie Sie?
Beeinflusst Sie der Eigentumskonflikt von Ideen in Ihrem Gestaltungsprozess? (zb. durch visuellen Input etwas zu machen, was andere bereits taten)
Wie gehen Sie mit diesen Konflikten um?
Was bedeutet für Sie „Idee“?

Das passiert. Selbst wenn ich denke, ich hätte eine eigene Idee gehabt, entdecke ich Jahre später, dass irgendein Photograph in den USA die gleiche Sache schon vor zehn Jahren gemacht hat. Als ich jünger war, hing ich noch unheimlich an der «Originalität» von Ideen… bis ich verstanden habe, dass in der Musik alles von 12 Noten abhängt, in der Literatur viellicht sieben grundsätzliche Plots möglich sind, beim Kochen unendliche Vielfalt aus der gleichen Handvoll Zutaten erwachsen kann. Es geht in der Musik also nicht darum, mit einem Song das Rad des Jazz oder Blues oder Pop komplett neu zu erfinden, sondern zu unterhalten oder etwas zum Ausdruck zu bringen. Es geht um die Frage, «wie gut», nicht um «wie neu».

Auch hier ist Menge wieder ein Stichwort – es gibt inzwischen so viel Designer, das unique längst zu ubiquitous geworden ist. Wo in den sechziger Jahren vielleicht 500 Firmen ein Branding hatten, hat heute jedes Kleinstunternehmen eine Art Erscheinungsbild. Wenn jeder Bäcker und Florist aber ein «Corporate Design» will, gibt es irgendwann einfach keine wirklich «eigenen» Ideen mehr für Logos, nur noch Remix. Ich meine, wie viele Zahnärzte haben einen Zahn als Logo? Und ebenso: wieviel Trend-Magazine arbeiten mit fast gleichen Schriften oder Bildern, sehen nahezu austauschbar aus? Es ist wie im Supermarkt: Es gibt zu viel und zu viel gleiches. Design wird langsam aber sicher ein Substitutionsgut – was ja auch den Preiskampf in der Branche erklärt.

Diese Tatsache ist durchaus nicht nur bad news, sondern auch inspirierend, weil man zum einen versuchen kann, dennoch etwas anders zu machen, zum anderen immer klarer wird, wie wichtig in dieser Flut der Verzicht im Design wird, wie essentiell auch die kleinen Details sind. Es geht nicht nur um die Idee an sich, sondern um die darumliegenden Schichten von Handwerk, Medien, Semantik, Story, dann irgendwann an der Oberfläche sicher auch, aber eben final, versiegelnd sozusagen, Styling. Das ist schwer zu erklären, aber im Büro lehne ich oft Entwürfe von Mitarbeitern mit den Worten ab, es sehe zu sehr nach «Design» aus. Weißt du, dieses mittelständische Design, das zu viel will, so gewollt wirkt, nicht selbstverständlich sitzt. Es ist viel schwieriger etwas zu finden, was unaufdringlich passt – und eben nicht die eigene «Idee» in den Vordergrund spielt, sondern einfach da ist, funktioniert und sich richtig anfühlt. Ich will ja auch keine Möbel oder Anzüge, die sich in den Vordergrund spielen.

Heißt: Muss man als Schneider wirklich immer den NEUEN – sprich den komplett anderen, völlig unredundanten – Anzug machen, als Möbeldesigner Stühle, die nie da gewesen sind? Doch eher nicht, es geht nur darum, gute Anzüge und gute Stühle zu machen, die dem Nutzer angemessen sind («gut sitzen» im doppelten Sinne) und die zu machen dir selbst als Schneider oder Entwickler Freude machen, weil sie gute Arbeit sind (und weil die Details schön sind).

Ideen sind so ein Ding – natürlich gehört zu Design eine Idee, ein Gedankenansatz, ein Konzept, eine mentale Landkarte… und ich habe Tage, da beneide ich Bäcker, die jeden Tag das gleiche Produkt machen können und trotzdem meckert keiner. Wie Künstler ja mitunter auch, die unter dem Deckmantel von «Phasen» hundertfach die gleiche Idee variieren dürfen. Mach das mal als Designer, das gibt sofort Ärger, wenn Website B aussieht wie A, nur mit leicht anderen Farben. Es gibt diese Erwartung, Designer müssten immer das «Neue» entwickeln – und das kann auch gefährlich sein, denn «Neu» ist nicht immer besser. Manchmal gibt es Standards und erarbeitete Strukturen, die man auch wiederholen kann und sollte. Innovation ist kein Selbstzweck, sondern ergibt sich aus dem, was konkret zu lösen ist. Die Innovation folgt der Notwendigkeit, dem Auftrag. Es geht also nicht darum, «neu» zu ein, oder «pfiffig», sondern darum, die im Rahmen der eigenen Möglichkeiten (und des Briefings) beste Lösung zu finden. Die beste Lösung ist dann manchmal eben auch etwas, was noch niemand vorher gemacht hat – aber es kann nicht von Anfang an darum gehen, für sich selbst etwas Neues zu machen, die Innovation folgt einfach aus dem Projekt und seinen Bedürfnissen.

Insofern sind mit Ideenkonflikte denkbar egal. Von uns ist schon so unfassbar dreist gestohlen worden – da regt man sich schon manchmal etwas auf, aber vielleicht ist es auch Zufall «thinking along the same lines», wer weiß. Und zugleich kann ich mich doch auch nicht freisprechen, von Trends und visuellen Einflüssen angeregt zu sein und mitunter entwickele ich etwas und stelle fest, unbewusst ein Design, das ich vor Jahren gesehen und anscheinend mental abgelegt habe, zitiert habe. Passiert und oft genug kann man es noch auffangen, manchmal passiert dir aber eine Arbeit, die verdammt nach jemand anderem aussieht.

Ideen entstehen im Design also nicht im Vakuum – sie ergeben sich aus einem Mix aus dem, was dich selbst gerade umtreibt (also eben auch externen Inspirationen) und dem, was konkret zu tun ist, was strukturell die richtige Lösung ist. Am Ende entstehen dann wie bei Lego aus gleichen Elementen extrem unterschiedliche Lösungen, weil du unendlich kombinieren kannst, im Design gibt es sicherlich tausende von Faktoren, die ein Gesamtbild ergeben und wenn du virtuos an allen Reglern drehst, ist am Ende etwas eigenes da. Ich finde es längst gut, synästhetisch zu arbeiten – also etwa die Inspiration für ein Logo aus der Musik herzuleiten oder ein Editorial Design mit Rauschenberg zu begründen oder von einem bestimmten Schreibstil eines Buches zu einer Designlösung zu kommen – wie etwa der grandiose Stil bei Miranda Julys wunderbaren No One Belongs Here More Than You oder die unfassbare Verkürzung und Knappheit der Kurzgeschichten von Amy Hempel. Das ist völlig okayer kreativer Diebstahl, finde ich. Wenn man etwas visuelles direkt zitiert oder remontiert oder weiterentwickelt, dann nenne ich gerne auch die Quelle, wie einen Sample oder wie ein Remake. Auch das finde ich total okay. Wenn ich morgen auf die Idee komme, einen bestimmten Photographen in meinen Photos zu zitieren, ist das okay, wenn die Verbeugung erkennbar ist und wenn man vielleicht noch einen Dank an… in den Credits unterbringt. Insgesamt kommst du um den Ideenklau ja gar nicht herum, du stehst in einem Museum, siehst da einen Feuerlöscher an der riesigen weißen Wand und hast eine Idee für eine typographische Lösung, du siehst ein Kinderbuch aus den Fünfzigern und hast eine Lösung für eine Broschüre im Kopf. Beim Schauspielhaus Bochum hat mir Matthias Hartman mal erklärt, wie er sich sein Saisonheft vorstellt – anhand der Art und Weise, wie auf dem Homogenic-Album von Björk Elektronik und Klassik nahtlos verschmelzen und eben doch nie wirklich zusammenkommen – diese Nicht-Symbiose, nur eben mit Theater und Realität, wäre sein Ding. Über solche «synästhetischen» (nicht wirklich, ich nenne es nur so) Abspreizungen kommst du zu einer Form Kulturcrossover, die ich mehr als okay finde.

15. August 2011 16:17 Uhr. Kategorie Arbeit, Design. Tag , , . Keine Antwort.

Super 8

hd schellnack

Nerd-o-calypse Now
Keine Frage, wir leben in Zeiten, in denen die Geeks und Nerds längst das kulturelle Steuer übernommen haben. J.J. Abrams hat nie ein Problem damit gehabt, ob in Vorträgen oder als Wired-Ersatzchefredakteur, Ideen aus seinen Kindheitsvorlieben zu schöpfen, und tatsächlich stecken fast alle Produktionen, an denen er als Autor, Regisseur oder auch nur Produzent beteiligt war, stets voller liebevoller Anspielungen für die Fanboys – wie etwa den «falschen» DC Comics in Fringe. Bei Super 8 belässt Abrams es nicht bei Anspielungen oder Entlehnungen, der ganze Film ist eine Zeitreise in die Kindheit des 1966 geborenen Regisseurs und nicht ganz ohne Grund von Steven Spielberg co-produziert. Filme wie Goonies, Close Encounters oder E.T. sind hier überdeutlich referenziert, aber auch Poltergeist, Gremlins, Stand by Me und viele andere Filme und Medien der späten Siebziger werden deutlich angeführt. Dazu – vielleicht unweigerlich, wenn man den frühen Spielberg zitiert – kommt ein starkes Feeling älterer Stephen-King-Bücher auf, in denen der Autor noch primär Kinder als Unschuldssymbole in die Arena seiner zunehmend mythischen Kampfes zwischen Gut und Böse schickt, wie etwa in It oder The Shining. Dazu kommen ungezählte 70s/80s-Andeutungen, oft etwas anachronistisch gemischt und nicht ganz in der Timeline des Filmes, die man als Echos aus Abrams subjektiver Kindheit deuten darf – Modellfiguren, Big Jim, Space Shuttle, Zombiefilme… Super 8 ist das wehmütige Wiederaufleben einer untergegangenen amerikanischen Jugend. In Zeiten von iMovie darf man sicher die Super-8-Kamera, die Kodakfilme, das dreitägige Warten auf die Entwicklung als Zeitreise in eine Welt ohne Google und Twitter, Mobiltelefone und GPS deuten. Ein Amerika ohne Tea Party und Haushaltsdefizite, das noch an Weltraumbahnhöfe und endloses Wachstum glauben durfte, das von China oder Afghanistan nur wenig kannte geschweige sich bedroht davon fühlen mochte. Es ist das seltsam zu bunte, zu sorgenfreie Amerika, mit dem die TV-Serie Mad Men kokettiert, das uns aber in Filmen aus den 70er-90er Jahren ungebrochen und völlig ironiefrei entgegenkommt. Selbst vor der Folie eines doppelten Generationenkonfliktes und mit einem berechenbar generisch-intrigantem Militärapparat wirkt Super 8 gegenüber der heutigen Zeit ungemein unschuldig und wide-eyed, und vielleicht ist es kein Zufall, dass uns Abrams immer wieder die staunenden Augen seiner jungen Darsteller zeigt, vielleicht sehnt sich der Nerd Mitte 40 zurück in die entschleunigte Kleinstadt, die er ja nicht ohne Grund nach seiner Großmutter benannt hat.

Licht Kamera Action
Es ist etwas erschreckend, wenn der Film-im-Film bei Super 8 deutlich besser gelungen ist als der eigentlich Kinofilm drumherum. Charles, Joe, Alice und die anderen Kids zaubern einen (im Abspann komplett gezeigten) unfassbar schlechten, aber herzensguten Film zusammen, der ähnlich wie Abrams Metafilm drumherum voller Anspielungen steckt (Romero Chemicals), ebenfalls ein im Wortsinne angeklebtes Happy End aufweist, aber insgesamt mehr Spaß macht, weil er weniger will. So wie die Kids Romeros Vorbild nacheifern, kopiert auch Abrams bei Spielberg, Columbus, Hooper und Konsortien, nur kann man das Kindern vielleicht eher nachsehen. Und anstelle von billigen Modellzügen werden bei Abrams für Millionenbudgets CGI-Züge in die Luft gesprengt. Die Idee, dem Film-Machen als Eskapismus aus Kleinstadtmuff und Elternvorschriften ein Denkmal zu setzen, wirkt fast autobiographisch, selbst wenn Abrams nicht in der typischen Kleinstadt aufgewachsen ist, sondern in LA. Der magische Moment von Super 8 ist insofern nicht das Erscheinen des Monsters, sondern Ellen Fannings erster echter Auftritt vor der Kamera. Ihre Figur Alice wirkt zunächst unnahbar und zickig, aber da ist dieser magische Moment – der erste Probedreh – wo sie nicht nur ihren Text perfekt beherrscht, sondern sich vor der (nicht laufenden) Kamera hundertprozentig in ihre Rolle verwandelt und sich in dieser Verwandlung selbst offenbart, der Moment (spätestens), in dem sich Charles und Joe in Alice verlieben und wir Zuschauer auch… und natürlich ein Moment, der im späteren Take vor laufender Kamera nicht wieder rekonstruierbar ist, wie immer ist die Probe besser als das finale Ergebnis. Die Transfiguration der pubertierenden Teenie-Göre durch die Bühne zu einem Lustobjekt, die heimliche Liebe des unförmigen Hauptdarstellers zu seinem Star, all das klingt ungemein echt und glaubhaft und zart und macht den Beginn des Films so wertvoll.

Ende schlecht, alles schlecht
Sieht man Abrams Film als Neubesuch der 70/80er-Jahre-Jugendfilme mit der Sensibilität von heute, so ist die erste Hälfte des Films ein großer Erfolg. Abrams vermag auf ein smartes Publikum zu setzen, das die Semantik von Kino versteht und nicht geführt werden muss. So sind die ersten Minuten des Films so stark, weil sie ein visuelles Klischee nutzen und dieses dann gegen den Zuschauer wenden. Von der Fabrik, die ihre im Werk ausgehängte Tage-ohne-Unfall-Statistik auf 1 zurücksetzen muss schneidet der Film auf den einsamen schwarz gekleideten Jungen auf der Schaukel mit einem Pendant in der Hand – und als Zuschauer glaubst du, alles verstanden zu haben, bis Abrams enthüllt, dass die Mutter, nicht der Vater gestorben ist in der Fabrik. Ein netter kleiner Twist, der zeigt, wie souverän Abrams mit der Semantik von Kino und den Erwartungen seiner Zuschauer spielen kann, wenn er will – und wie glaubhaft er auch im Genrekino menschliche Momente schaffen kann. Entsprechend ist der erste Akt des Films – bis etwa zum Zugunglück – wunderbar gemacht, mit etwas altklugen, aber durchaus glaubhaften Kindern, solide gezeichneten Konflikten, liebevollen Details und großartigen Kinderdarstellern. Der fulminant pyromanisch inszenierte Zugcrash leitet Akt II ein, in dem – ganz in Stephen Kings Manier – das Grauen in die Alltagswelt eindringt, Hunde verschwinden, Motoren aus Autos gerissen und Tankstellen verwüstet werden. Dieses Segment fühlt sich – insbesondere die arg schwachen Militär-Szenen mit einem fast einer schlechten TV-Serie entsprungen wirkenden Noah Emmerich – sehr generisch an, als habe Abrams versucht, den frühen Tobe Hooper mit der ersten Hälfte von Cloverfield zu versöhnen. Das Ergebnis ist ein bisschen Been-there-Done-that, aber trotzdem spannend genug. Akt III zeigt uns das Space-Monster, das anders als ET und die Gremlins alles andere als niedlich ist, lehrt und das Erwachsene gefressen werden, mutige kleine Jungen aber nicht und gleitet mirnixdirnix in eines der schlechtesten Filmenden seit langem ab. Nicht nur verwandelt sich Joes bisher eher etwas überforderter Vater im Handumdrehen in Chuck Norris und schießt sich seinen Weg aus der Militäranlage heraus, nicht nur kann Joe anscheinend mit dem Monster kommunizieren und ihm erklären dass das Leben halt manchmal böse ist (Alien gefangen, Joes Mutter tot…), aber alles wieder besser wird. Nein, als wäre die Botschaft vielleicht wider Erwarten doch noch nicht klar geworden, muss es noch eine Szene geben, in der das Monster mit Magnetismus sämtliche Autos, Gewehre und sonstige Metallteile an den Wasserturm der Stadt zieht, um – anscheinend – das Metall als Startenergie für die Flucht von der Erde zu nutzen. Erst Minuten nachdem wir eine X-Men-vertraute Szene von fliegenden Autos und Soldaten, die von der Magnetkraft meterhoch in die Luft gezerrt werden sehen, fällt Joes Anhänger mit dem Photo seiner Mum ein, dass er ja auch aus Metall ist. Während sonst anscheinend nichts mehr angezogen wird, hält Joe das Pendant fest, während symbolisch sein Vater ihm die Hand auf die Schulter legt und Alice seine Hand hält und versteht – Holzhammersymbolik aktiviert – dass auch er loslassen muss, um weiterkommen zu können. Die Kette fliegt als letztes Puzzleteil zum Wasserturm und Boom startet das Alien ab nach Hause, wir sehen nur noch den Abrams-üblichen Lensflare-Effekt. Ich habe wirklich nichts gegen kitschige Enden, wenn sie passen und ich habe auch nichts gegen Filme, die Handlung und eine «Message» verbinden oder ähnliche narrative Strukturen auf verschiedenen Ebenen aufweisen. Aber so Holzhammer, so platt und so käsig darf es heute nicht mal mehr sein, wenn man sich auf die 80s zurückbezieht. Das in Sülze eingelegte Ende vergiftet den Film, der so subtil und nostalgisch anfing, mit seinem angepappt wirkenden Hollywood-Mainstream-Kitsch. Ich habe selten einen Film gesehen, der so vielversprechend begann und so abgrundtief enttäuschend endet wie diesen. Die meisten Filme sind von vorn bis hinten mies oder steigern sich sogar zum Guten – aber Super 8 wirkt, als habe in den letzten 15 Minuten jemand anderes im Regiestuhl Platz genommen. In einem Film, der ohnehin gefährlich zwischen Hommage und Plagiat lustwandelt, ist ein solches Ende vielleicht die ultimative Verbeugung vor Spielberg (der ja seinerseits Kubricks grandioses A.I.-Konzept zu einem ausgesprochen idiotischen Ende verwurstet hat) und dessen Hang zum larger-than-life-Filmende. Aber Abrams bricht dieses Ende durch keine Ironie, durch kein Augenzwinkern… nichts lässt uns als Zuschauer eine Hoffnung, dass wir inzwischen einfach auf einer wirschen Meta-Ebene angekommen sind und eben in Hollywood-Klischees bewegen, was ja völlig okay sein kann, wenn man es richtig anpackt. Aber richtig anpacken bedeutet eben nicht, dass die Filmemacherei der Kids am Ende keinerlei sinnvolle Rolle mehr spielt, der Konflikt zwischen Joe und Charles vergessen wird und die Eltern wie durch Magie auf einmal zuckrig-lieb zu ihren Kindern sind, denn in US-Filmen muss immer klar sein, dass am Ende die Familie wichtig ist und «was uns nicht umbringt, macht uns stärker…» immer Trumpf ist. Abrams hätte einen sehr starken Genre-sprengenden Film machen können, der Teendrama, Horror und SF auf innovative und kluge Weise vermengt und einen persönlichen Bogen von Felicity zu Cloverfield schlägt. Seine Darsteller – eher die Kinder als die Erwachsenen – sind an einem richtigen Entwicklungspunkt und meist glaubhaft, der Humor funktioniert, die Konflikte mit Eltern und untereinander wirken nachvollziehbar – und in all das knallt ein Alien mit seinen ganz eigenen Problemen. Super 8 hätte ein Film sein können, der uns daran erinnert, warum die alten Spielberg-Filme kraftvoller, phantasievoller und ikonischer waren als die CGI-Blockbuster von heute. Statt dessen ist es ein pathetischer Film über einen kleinen Jungen, der rund 130 Minuten braucht, um eine Kette loszulassen.

4. August 2011 16:34 Uhr. Kategorie Film. Tag . Keine Antwort.

Alex Leu fragt 16: Mappen und Studium

hd schellnack

Was für Projekte in der Mappe, erwarten Sie von einem frisch gebackenem Absolventen, der sich bei Ihnen bewirbt?

Wie gesagt, ich erwarte erst einmal gar nichts, sondern schaue und lasse mich überraschen. Manche Mappen sind sehr schlecht, andere so gut, dass man sich fragt, wieso er oder sie überhaupt noch einen Job suchen muss und sich ärgert, nicht 10 oder 20 solch exzellenter Leute hier beschäftigen zu können. Es gibt so unfassbar viel Talent da draußen. Toll ist natürlich in einer Mappe, wenn sie an sich schön gemacht ist, inzwischen also ja eigentlich die PDF gut aussieht, die Arbeiten erklärt sind, nicht nur gezeigt, wenn es also auch mal etwas Texte gibt – so schwer es fällt über die eigenen Sachen zu schreiben. Aber über die Texte kannst du sehen, ob er oder sie zu eitel und zu selbstgewiss ist, oder souverän und sicher die eigenen Arbeiten herleiten und begründen kann, selbstkritisch ist.

Ich freue mich über eine Vielfalt an Arbeiten, vor allem, wenn sie dann alle gut sind ;-). Wenn jemand Plakate, Editorial, Corporate und vielleicht sogar noch andere Sachen zeigt und die sind auch noch toll – wow. Ich freue mich, wenn er oder sie ein Faible für Typographie hat, gute Schriftauswahl, ein Händchen für Satz, vielleicht liebevolle Detailtypographie. Ich freue mich über ein Auge für den Umgang mit Bildern, über Arbeiten, die eine Art «Handschrift» haben, die aber nicht dogmatisch sind, sondern offen und neugierig. Ich freue mich über Arbeiten, die nicht verkopft sind, sondern ein bisschen realistisch bleiben, weil wir halt angewandtes Design machen und kein «Design for Designers». Ich freue mich also über die gleichen Sachen, die mich auch in Designbüchern und in Portfolios von Kollegen oder Künstlern freuen. Handwerk, Ideen, Virtuosität, Demut vor der Thematik, Selbstvertrauen in der Umsetzung, eine Prise Rock’n'Roll. Blood Sweat and Tears.

Die Eigenheit eines Studiums sollte doch sein, die Freiheit zu nehmen auch mal zu scheitern. Wie sollte man damit umgehen wenn ständig der Gedanke dahintersteht, dass die Arbeit auch bei Agenturen ankommt, die sich eher für erfolgreiche und praxisorientiere Projekte interessieren.

Nicht nur des Studiums – auch des Berufsalltags. Fallibilität ist das A und O guten Designs – Erfolg geht nur durch wiederholtes Scheitern.

Das Studium steckt ja in einer komischen Zwittersituation zwischen Selbstfindung und Berufsvorbereitung, wobei der Bachelor – siehe oben – das leider sehr in Richtung einer glorifizierten Mediengestalterausbildung verschiebt. Das kann man sicher nicht verallgemeinern – ein guter Designer wird auch seinen Bachelor so biegen, dass er seinen Freiraum für gute Arbeiten kriegt. Jeder Student muss dadurch heute sehr früh – am besten schon mit der Wahl der Hochschule, also vielleicht auch zu früh für den Einzelnen – entscheiden, ob er einen Job will oder Künstler werden will, bzw. wozu er tendiert. Ich glaube, es gibt im Design Bereiche, wo du mit einer quasi-künstlerischen Handschrift sehr gut durchkommen kannst, andere, wo es mehr um Handwerk und Ideen usw. geht. Jeder kann sich in diese Berufsfeld also quasi eine Art persönlicher Matrix der Lebenswünsche skizzieren, und in der Bandbreite der möglichen Ausformungen dieses Jobs seinen persönlichen Weg finden.

Und die FHs sollten – durch Spezialisierung, durch Dozenten, durch die Fächerangebote – diese Bandbreite dann auch insgesamt abbilden. Am Ende, ganz banal, brauchen wir Leute, die tolle Ideen haben und die diese auch phantastisch umsetzen können. Aber ob das nun für das CD eines Museums oder für Zahnpasta-Werbung ist, bleibt eine andere Frage. Ob Werber oder Künstler, du musst du einen guten Kopf haben und die passenden guten Hände dazu. Beides kann man im Studium lernen – und mal ehrlich, gemessen an anderen Fächern ist Design doch traumhaft einfach. Ich finde, man könnte in Sachen kultureller Bandbreite aber auch handwerklichem Können ruhig die Schrauben anziehen und weniger «lieb» sein. Ich habe BWL studiert und da ging es so rasiermesserscharf bösartig zur Sache, Durchfallquoten bei 90%, ein Bekannter hat Bauingenieur studiert, da sind im Hauptstudium auch nur noch verdammt wenige übrig – aber eben hoffentlich gute Leute – und die kriegen dann auch einen Job. Studium ist in diesen klassischen Berufen immer auch eine Art Selektionsprozess und schafft zugleich einen zum Berufsbild gehörenden Habitus.

Im Design wie in vielen anderen kreativen und sozialen Studiengängen ist das oft etwas sanfter. Ich habe als Dozent Kollegen gehabt, bei denen eine 3- wirklich die härteste aller Noten war, Studenten konnten Abschlussarbeiten zigmal nachreichen, bis es halt zum Bestehen reichte, an einer Schule ist in meiner ganzen Zeit dort nicht ein einziges Diplom durchgefallen, egal wie schlecht es war. Das gibt es nicht einmal in der Fahrschule. Übertrage diese nicht stattfindende Selektion einmal fiktional auf das Medizinstudium – wo würdest du dich wohler fühlen, bei einem Arzt, der sein Diplom fast geschenkt bekommt, oder bei einem, der durch einen rigorosen Auswahlprozess musste? Die Schulen dürften also ruhig auch mal ehrlich sagen: Du kannst das nicht, sorry, schau dich nach etwas anderem um, das hier ist einfach nicht dein Ding. Denn so viel Geld verdient man als Designer ja nun nicht, dass man es unbedingt machen muss, man kann auch in anderen Berufen glücklich werden. Ich glaube, es ist eine Funkion von Bildungseinrichtungen, den Menschen dabei zu helfen, herauszufinden, was sie wirklich gut können, wass ein Leben lang ein erfüllender Beruf sein kann. Es hilft ja niemandem, wenn die Studenten erst nach dem Studium selbst herausfinden, ob sie schwimmen können oder untergehen. Die Schulen schieben hier eine Verantwortung zum Markt, der dann den Schwarzen Peter kriegt – aber wie in anderen Bereichen ist es etwas unsinnig, Leute auszubilden in Bereichen, die die Masse an Bewerbern kaum unterbringen. Die Herausforderung eines guten Studiums ist also einerseits die Freiheit zu bieten, sich kreativ zu entwickeln und zu finden, andererseits auch so real die Wirklichkeit des Berufs abzubilden, dass jeder für sich selbst früh genug kann, ob er hier glücklich wird oder vielleicht doch noch rechtzeitig wechselt. Denn nach dem Studium zu entdecken, dass man vielleicht doch etwas ganz anderes hätte studieren sollen, ist einfach sehr spät – je eher man eventuell wechseln kann, umso besser. Ich denke, wenn man mit Herzblut Designer werden will, wird man immer einen Job kriegen – und kann dann auch rechtzeitig entscheiden, ob man eher in die künstlerische oder die angewandte Ecke tendiert.

2. August 2011 17:33 Uhr. Kategorie Arbeit, Design. Tag , , . Keine Antwort.

Alex Leu fragt 09: Angst und Mut

hd schellnack

Wann empfinden Sie etwas als Angst und wann als Herausforderung?
Wann und wo stellt sich für Sie der Punkt ein, an dem der Mut überwiegt?
Wie verhält es sich, wenn Ihnen ein Projekt besonders wichtig ist?
Angst vorm scheitern: Wie gehen Sie damit um?
Wie sollte man mit hohen Ansprüchen positiv umgehen?

Das ist immer beides gleichzeitig da, Angst und Mut gehören zusammen. Da wir immer wieder gerne Sachen machen, die wir vorher nicht gemacht haben, oder Dinge produzieren, die etwas experimentell sein, hat man natürlich immer wieder die Sorge, ob es auch gut geht. Wenn der Drucker Angstschweiß hat, wird man irgendwann auch selbst natürlich etwas nervös. Diese Angst würde man sicher los, wenn man nur noch die gleichen Dinge tut, insofern ist diese Angst eben auch eine gute Sache. Manchmal werden Projekte eben erst gut, wenn die Gefahr besteht, dass man auch daran scheitern könnte. Wobei ich finde, dass im Design diese Gefahr recht gering ist – ein misslungenes Experiment bedeutet ja keine einstürzenden Neubauten mit einigen Toten, sondern nur eine schlappe Broschüre oder ein verdrucktes Plakat. Davon geht die Welt nicht unter, weswegen man gerade in der etwas schnelllebigeren Designwelt auch den Mut zum Fehlschlag ruhig haben kann.

Geschäftlich hat man, befürchte ich, immer Angst. Ich denke immer, die ist nur da akut, wo ich jeweils gerade bin, aber das ist natürlich Quatsch. Derzeit sind wir zu groß, um studentische Preisstrukturen zu haben, die Kosten sind höher als bei Kollegen, die allein im Homeoffice arbeiten – auf der anderen Seite schätzen uns kapitalstarke Klienten immer noch als zu «klein» ein und gehen lieber zu Großagenturen, selbst wenn diese offensichtlich zu groß und teuer für diese Auftraggeber sind. Und dieser Spagat macht einem natürlich schon mal Sorgen. Man glaubt dann, wenn man erst einmal 8 oder 10 Leute im Team hat und mehrere sechsstellige oder sogar siebenstellige Etats fährt, verschwindet die Angst vielleicht. Aber das ist natürlich nicht wahr – das Rad wird nur größer, der Druck nimmt zu, mit den Möglichkeiten wächst auch die Fallhöhe. Wenn du 100 Mitarbeiter hast, kämpfst du genauso um Etats und hast genauso die Sorge, Mitarbeiter gehen lassen zu müssen, wenn Aufträge ausbleiben. Same same, aber auf einem anderem Niveau. Tatsache ist, dass sich an dieser Art von existentiellem Stress seit den Anfangstagen nichts geändert hat, ausser in der Höhe der Beträge, um die es geht. Wenn man nicht angestellt ist, gehört das irgendwie wohl dazu – und als Angestellter hat man ja im Grunde die gleiche Sorge, im Gewand der Angst vor der Arbeitslosigkeit. Ruhig schlafen können in dieser Hinsicht nur noch Beamte.

Als Designer hat man – je nachdem wie man tickt – neben dieser existenziellen Angst sicher noch die Ebene einer Scheiternsangst im gestalterischen Sinne. Wie jeder Kreative fragt man sich, wie relevant das eigene Tun ist. Ich bin da mit den Jahren entspannter geworden. Wir produzieren keine Kunst, sondern bedrucktes Papier, da sollte man bescheiden sein. Die Relevanz liegt in der eigenen Zufriedenheit und im Erfolg für den Kunden, in dem Gefühl, mit guten Leuten an guten Dingen zu arbeiten und im Kleinen ein paar Parameter in die richtige Richtung zu schieben, ohne gleich die Welt dabei retten zu wollen oder das Design des 21. Jahrhunderts zu revolutionieren. Wer das von sich selbst erwartet, hat ohnehin ganz andere Probleme :-).

Kann man mit hohen Ansprüchen auch negativ umgehen? Ich habe kein Problem mit meinen Ansprüchen. Ich habe mit den Jahren gelernt, mich nicht völlig zu zerfressen, man kann nicht alles kontrollieren, muss auch mal loslassen können – zumal bei den meisten Projekten immer viele Menschen mitentscheiden und man deren Meinung auch respektieren sollte. 100% Perfektion geht nicht in Kollaborationen. Ich merke immer noch, wenn sehr viel von mir persönlich in einem Projekt steckt, dass ich dann ganz schön gereizt reagieren kann, wenn man mir am Ende des Wegs die letzten 10% oder 20% versalzt und ich meinen «Willen» nicht durchsetzen kann. Das Ding ist nur, dass das gar nicht gesund und gut ist – richtig ist, sich einzubringen und zu engagieren, aber auch loslassen zu können und die Meinung anderer zu respektieren. Ich glaube inzwischen an eine Politik des doppelten Vetos – eine Arbeitsbeziehung ist dann gut, wenn wir dem Klienten nichts aufzwingen und er jederzeit «Nein» sagen und steuern kann, und wenn wir aber bitte eben auch jederzeit «Nein» sagen dürfen und man uns nichts aufprügelt. Aus dieser Kombination entsteht zwar mehr Arbeit, bis man eine für beide Partner sinnvolle Lösung gefunden hat – aber wenn beide Seiten sich die Mühe machen, sind am Ende auch wirklich alle meist zufrieden und es ist eben dennoch kein Kompromiss-Design, sondern eins, das man gemeinsam im Dialog entwickelt hat. Leider gibt es immer noch Auftraggeber, die es fast als Sport sehen, den Designer etwas vorschreiben zu müssen, ihn «brechen» zu können. Ich finde das immer schade, wenn wir unser Veto-Recht nicht wirklich kriegen, da es ja sozusagen per Definition nicht um unser subjektives ästhetisches Empfinden geht, sondern um saubere, erfolgreiche Arbeit im Sinne des Auftraggebers… und um die Tatsache, dass wir ja dafür bezahlt werden, uns intensiver mit visuellen Auftritten und Details zu beschäftigen und mehr Know-How zu haben. Wer da Beratung ablehnt, aus welchen guten Gründen auch immer, tut sich eigentlich selbst keinen Gefallen, ebenso wie wir immer gut damit fahren, auf die Experten, mit denen wir zusammenarbeiten, zu hören.

5. Juli 2011 11:19 Uhr. Kategorie Arbeit, Design. Tag , , . Keine Antwort.

Alex Leu fragt 07: Autorenschaft

hd schellnack

Inwiefern ist Autorenschaft im Design relevant?
Welche Rolle nimmt die Kommunikation, „eigener“ Arbeiten (Autorenschaft im Design), in der Schaffung eines bevorzugten Kundenprofils ein?
Für wie wichtig halten Sie, dass Designer, eigene Botschaften und Inhalte kommunizieren und neben der Arbeit für Kunden, als Designautor in Erscheinung treten?

Das muss wirklich jeder für sich entscheiden. Die Branche hat genug Spielraum vom dumpfsten Dienstleisterdenken bis hin zur Selbstwahrnehmung als unantastbarer Künstler, dem keiner reinzureden hat.

Lustigerweise unterstellen mir manche Auftraggeber gern diesen Künstlerhabitus, wenn ich bei Änderungswünschen mal etwas bockig reagiere. Nichts könnte weiter weg von der Wahrheit sein. Ich habe mich nie als Künstler verstanden und der Kick als Designer ist für mich nicht, mich «selbst zu verwirklichen», sondern ganz konkrete Probleme zu lösen – und das heißt manchmal auch, dem Partner gegenüber in seinem eigenen Interesse eine Meinung zu vertreten.

Ich denke eher wie ein Ingenieur oder Architekt oder Wissenschaftler. Ich komme von der Studienzeit her aus der Kommunikationswissenschaft, der BWL und der Unternehmensberatung und sehe Design insofern nicht als graphische Spielerei, sondern als soziales, psychologisches und wirtschaftliches Kommunikationswerkzeug. Innerhalb dieses Rahmens lege ich aber durchaus viel Wert auf eine Art Co-Autorenschaft, auf eine Zusammenarbeit auf Augenhöhe, auf Argumente und Austausch. Wir finden schon sehr wichtig, beraten zu können und zu dürfen und das bedingt eine Co-Autoren-artige Zusammenarbeit. Hat man nicht immer, aber es bringt ohne Zweifel die besten Ergebnisse.

Ich bin immer getroffen, wenn Klienten uns als reine Grafik-Hansel betrachten, denen man Inhalte und sogar gestalterische Details vorgeben kann, vor allem, wenn dies ohne strategisches Nachdenken geschieht, also ohne Herleitung in Abstimmung mit den Zielen. Insofern suchen wir immer den Dialog und kümmern und intensiv um an sich grafik-ferne Themen… andere Marketingbereiche, Produktqualität, Service, Innenarchitektur, Corporate Language, Struktur, Inhalte und Tonalität von Texten. Da kann es passieren, dass ich einem Vorstandsvorsitzenden sagen muss, dass es eigentlich egal ist, wie liebevoll wir die Verkaufsmedien gestalten, solange der Innendienst sich unfreundlich am Telefon meldet oder selbst bei großen Anfragen nicht serviceorientiert reagiert. Das Ergebnis ist dann vielleicht eine Schulung – und das Geld ist besser investiert als eine Printmaßnahme, die nur dazu führt, dass mehr Leute unwirsch am Telefon begrüßt werden :-D. Und es ist natürlich für uns immer wieder eine schöne Erfahrung, wenn solche Ratschläge wirklich angenommen werden – und dann auch oft greifen und ein besseres Ergebnis bringen. Design ist für uns eben nicht nur «Grafik», sondern Optimierung von Prozessen zu einem gewollten Erfolg hin.

Es ist ein Ansatz von Design als Organisationspsychologie an der Schnittstelle zwischen unserem Auftraggeber und seinen Kunden, also wirklich keine Kunst. Es geht für uns immer sehr intensiv um die Sache an sich, um eine gewisse Ehrlichkeit im Auftritt einer Marke, und damit um Erfolg für unsere Klienten… nicht so sehr um die visuelle Selbstbefriedigung, auch wenn natürlich bei manchen Projekten ein grandioser Look ein wichtiger Erfolgsfaktor ist, weil es Aufmerksamkeit bringt und damit die Response-Chancen.erhöht. Klar soll es also am Ende gut aussehen, aber das ist dann ein Ergebnis von richtigen Entscheidungen und guten Prozessen, das Optische ist sozusagen für uns der Ankunfts- nicht der Ausgangspunkt der Reise.

«Autorenschaft» sehe ich also nicht als das rein visuelle. Kunstbücher sehen automatisch besser aus als Flyer für eine Partei – aber was ist wirklich wichtiger? Sollte man nur Plattencover machen und hippe Magazine, weil es dann automatisch sexy-modern wird… oder ist es nicht doch eben spannender, da zu arbeiten, wo gutes Design viel schwieriger und weniger selbstverständlich zu erreichen ist?

Es gibt viele Kollegen, die neben den Auftragsarbeiten auch «eigene» Arbeiten machen – Magazine, Bücher, Plakate – und ich finde das großartig und die Ergebnisse sind toll, aber mit ganz wenigen Ausnahmen kommen wir nicht dazu. Ich würde dann auch eher schreiben als «Layouten». Ich muss auch zugeben, ich finde das ein wenig wie die Sache mit «Arbeit» und «Urlaub». Ich mache wenig Urlaub, weil ich meine Arbeit nicht wirklich als belastende «Arbeit» empfinde. Was ich mache, macht mir Spaß und meist sind selbst Urlaube ein Anlass, sich Inspirationen zu holen. Ich brauche keine «Flucht» vom Beruf. Insofern brauche ich auch eigentlich kein Projekt, um mich selbst zu verwirklichen, weil ich das in meiner Arbeit tue und eigentlich auch immer im ausreichenden Maße darf und kann oder sogar soll. Ich bin nicht einmal sicher, ob ich gut wäre in einer Arbeit, in der mich kein Spielpartner zu Kompromissen oder Umdenken oder Problemlösungen anregt, sondern wo ich nur mit selbst gerecht werden müsste, ich fände das vielleicht sogar langweilig. Das, was mir persönlich an der Arbeit Spaß macht, kann ich eben am besten im Dialog mit einem Auftraggeber machen, wo auch ein Ziel des Spiels in Sicht ist. Kompromisse und «botched jobs» tun dann natürlich weh, aber den «Urlaub» von der Realität im Design brauche ich eigentlich nicht, ich mag die realen Jobs so wie sie sind und habe kein Zwei-Klassen-Denken. Denn dazu führt das doch vielleicht irgendwann, oder? Zweitklassig gemachte Auftragsarbeit for the money und dann volle Energie für erstklassige «Eigen»-Aufträge – keine Ahnung, wie man das kommunizieren will, auch im Team intern. Mein Ansatz ist eher: Jeder Auftrag eines Kunden IST ein eigener Auftrag und ist A-Liga, egal wie groß oder klein. Ich habe da diese Karate-Kid-Mentalität: Es gibt keine sinnlosen Tätigkeiten, man kann selbst Aufträge, die sich auf den ersten Blick unspannend anhören, spannend machen. Und genau das ist doch die Definition von Design – Dinge besser machen als sie akut sind.

Es braucht auch diese Spannung, finde ich. Ich fand David Carson absolut großartig, als er «Ray Gun» gemacht hat. Da gab es Inhalte, eine Redaktion (wenn auch keine sehr mächtige), da gab es spürbar eine Reibung und eine Aggressivität, man hatte das Gefühl, der Mann testet die Grenzen dessen aus, was er machen darf, wie weit er gehen kann, der spielt mit den Möglichkeiten des «Briefings». Ohne diese Grenzen, in totaler Freiheit, wirkt Carson auf mich heute vergleichsweise weniger spannend – als würde ihm etwas fehlen, woran er sich abarbeiten kann – die Oberfläche ist gleich geblieben, aber es fehlt eben etwas, wogegen er rebellieren kann – die Normen eines «normalen» Musikmagazins. Du solltest als Designer also nie denken, dass Grenzen dich einengen – sie zünden die Kreativität, weil sie sich zwingen, um diese Grenzen herumzudenken. Das mag paradox klingen – aber ich glaube, dass die Auftraggeber von diesem Ansatz, sich auch mal gegen das Briefing zu stellen und darüber hinaus gehen zu wollen, enorm profitieren. Ich mag das bei Ingenhoven immer sehr: Der kriegt in einem Wettbewerb ein sehr konkretes Briefing für ein Bauwerk, recherchiert und entdeckt vielleicht eine bessere Lösung – und geht dann damit in den Wettbewerb. Da werden aus einem Hochhaus zwei … oder aus vier Blockgebäuden eine lebendige Gesamtstruktur, oder sie finden eine bessere städtebauliche Lösung als ursprünglich vorgesehen. Das deckt sich enorm mit meinem Denken, im Sinne des Auftraggebers anders zu denken und andere Lösungen anzubieten, auch auf die Gefahr hin, dass man diese etwas mehr erklären muss und es ein komplexerer «Pitch» wird als wenn man nur brav die Vorgaben abarbeitet.

Anders gesagt – ich habe in den letzten Jahren viele Theatersaisonhefte gesehen, die exakt gleich aufgebaut sind und sich nur oberflächlich-ästhetisch unterscheiden. Photos der Darsteller, Stücktexte, Serviceinfos und drumrum halt etwas Grafik Design. Wenig eigene Botschaft und das Design etwa so wie man es auch bei einer normalen Broschüre in der Industrie hätte. Das ist der Standard und das ist eine einfache Sache. Ich mag das aber nicht. Ich finde zum einen Theater ist ein Ort von und für kreative Haltungen und Botschaften, die darf und soll ein Jahresheft zeigen, und zum anderen sehe ich die Rolle eines Designers am Theater nicht passiv, sondern aktiver, mutiger – da hat mich das Schauspielhaus Bochum ziemlich verzogen, zugegeben. Insofern mag ich beispielsweise enorm, was Anselm Weber in Essen gemacht hat, von A bis Z, da hat alles gestimmt, Ansatz, Design, Denken, Projekte, einfach großartig. Ob in Bochum oder jetzt in Bielefeld – wir genießen da ein wenig Vertrauen und können deshalb in den Medien eigene Ideen, Ansätze, Themen, sogar Texte einbauen. Man «shanghait» sozusagen die Medien und macht sie sich – völlig im Interesse des Auftraggebers – zu eigen. Da muss ich dann natürlich immer damit leben, dass das Marketing, die Dramaturgie oder Intendanz als Redaktion und Absender auch mal «Nein» sagen oder andere Richtungen gehen wollen, aber das ist doch auch sehr okay dafür, an dieser Stelle als Mit-Autor tätig werden zu dürfen, in dem Kontext und ein ansonsten etwas blutarmes Medium spannender zu machen. Das ist ein spannender gemeinsamer Prozess, ein Herantasten, und natürlich gibt es auch in Bielefeld noch Darstellerbilder und Stückinfos, aber etwa im letzten Saisonheft eben auch deutlich mehr. Und dieser Prozess macht mir mehr Spaß als zwanzig eigene Magazine zu machen – ich finde es spannender, Wandel zu gestalten, Partner zu überzeugen, Fort- und Rückschritte zu erleben als die totale Freiheit zu haben… ganz ehrlich, ich befürchte, die würde mich etwas langweilen.

2. Juli 2011 17:13 Uhr. Kategorie Arbeit, Design. Tag , , . Keine Antwort.

Alex Leu fragt 06: Haltung & Struktur

hd schellnack

Wie kann ein Designer innerhalb einer Agenturstruktur seine eigene Haltung folgen?
In dem er sich die Agentur aussucht, mit dem er sich am ehesten identifizieren kann?

Wie gesagt, ich glaube, dass man als Designer keine Haltung vorweg haben, sondern in der Arbeit entwickeln sollte. Am besten sogar gemeinsam. Und entwickeln kann man eine Haltung nur durch Fehler, durch Widerspruch, durch Erfolge und durch Feedback.

Es gibt bei uns für einen Designer insofern grundsätzlich zwei «Hürden». Die eine bin ich – beziehungsweise ist das gesamte Team, weil wir in der Entwurfsphase nur Sachen herausgeben möchten, an die wir auch selbst glauben. Die andere Hürde ist in der Zusammenarbeit der Auftraggeber mit seinen ganz eigenen berechtigten und auch mal vielleicht schwierigen Wünschen. Beides ist für Studenten, die an der FH oft vielleicht eher milde Kritik und viel Freiraum für ihre eigene Kreativität bekommen haben, sehr ungewohnt. Für mich ist es das eigentliche Salz der Arbeit, ich bin, auch wenn es mal punktuell schwierig wird, sehr «client-centric» orientiert und kein Künstlertyp. Aber wenn man es anders gelernt hat, bekommen viele Designer bei uns eine Art kognitive Dissonanz. Auf einmal müssen sie ihr Talent funktional einsetzen, gezielt, strategisch und nicht egozentrisch für eigene Interessen und Ansätze, aus dem Spiel ist Ernst geworden. Sie wählen nicht mehr selbst die Ziele und Mittel, sondern kriegen diese per Briefing oder neutralem Sachzwang einer Design-Mission vorgegeben. Sie setzen nicht selbst individuell Parameter, sondern müssen diese durch Forschung und Analyse ermitteln und dabei möglichst neutral, ehrlich, evaluierbar bleiben, sie müssen schon intern alles und jedes immer wieder begründen und nach Schwachstellen durchleuchten lassen. Ich weiß selbst nur zu gut, wie schwierig dieser Gangwechsel sein kann und ich weiß auch, dass manche Studenten das gar nicht packen und deshalb einen eigenen Weg finden müssen, der sie vielleicht eher in Richtung Kunst und Selbstverwirklichung führt. Ich finde es super, dass es inzwischen Künstler/Designer gibt, einige davon sind gute Freunde und ich finde diese Grenzgänger unfassbar wichtig – aber mir geht es nicht um Design für uns oder für mich, sondern um soziales Design mit einer Wirkung. Wir haben sicher eine Haltung und wir wollen sicher auch gute Gestaltung – aber die Haltung ist die, dass es nicht selbstverliebt sein darf, sondern dem Auftraggeber helfen muss und die gute Gestaltung ist dabei einfach nur das beste Mittel zu diesem Zweck. Ich bin beileibe kein Jasager, der alles macht, was der Geldgeber fordert – fast eher im Gegenteil, viele Kunden empfinden uns vielleicht sogar eher als kritischen Partner -, aber wir sind nicht kritisch, weil wir für uns was «Schönes» wollen, sondern wir sind kritisch – auch uns selbst gegenüber -, weil nur dadurch ein am Ende hoffentlich gutes Ergebnis entsteht.

Intern gilt, dass ich mehr als offen für Ansätze und Haltungen, Inputs und Konzepte bin, ich will einfach nur, dass es gut ist und auch gut gemacht. Da ich selbst relativ wenig auf einen bestimmten Stil festgelegt bin, kriegt man mich auch begeistert, wenn man gut argumentiert, fundiert begründet und gute Arbeit gemacht hat, ich bin immer mehr als froh, wenn Mitarbeiter ihr eigenes Ding machen, nicht Dienst nach Vorschrift, nicht versuchen, es «mir» recht zu machen, es geht nicht um mich. Die meisten Ergebnisse bei uns sind inzwischen hochgradig gemeinsam erarbeitet, jeder schaut auf alles drauf, jeder gibt Input, jede Meinung wird ernst genommen, egal ob Praktikant oder Inhaber, wir sind weitestgehend hierarchiefrei in dieser Hinsicht. Am runden Tisch muss sich halt das beste Argument, der beste Entwurf durchsetzen – nicht als «Wettbewerb» gedacht, sondern als Diskussion, als gemeinschaftliches Arbeiten. Am Ende ist es dann nie hundertprozentig «dein» Produkt, sondern eine in der Peer-Kritik gereifte und geänderte, hoffentlich dabei besser gewordene Fassung. Es ist wie bei einer Band, im Idealfall wie bei einer guten Band, in der die Summe mehr ist als die Teile. Das betrifft auch meine Entwürfe, ich habe schon Logos oder Editorial-Sachen, an die ich sehr glaubte, weggeworfen, weil die anderen sie mies fanden und die besseren Argumente hatten. Das gewährleistet, das «But I like it…!» nie wirklich ein Argument sein kann, es geht nie um persönliche Eitelkeiten.

Ich glaube, durch diese Art Innenrevision kannst du mit der Zeit als Mitarbeiter sehr sehr gut auf Augenhöhe mit den Klienten diskutieren, weil du ja die Arbeiten mit geschaffen hast, aber auch, weil du intern immer wieder üben musst, deine eigenen Ideen argumentativ zu untermauern. Du kriegst nach und nach diese Idee in den Kopf, dass du eben kein «Autor» bist, der von bösen Kunden an der freien Entfaltung gehindert wird, aber eben auch kein reiner «Dienstleister», der immer ja sagen muss. Alles ist Prozess, alles ist nach Möglichkeit Diskurs – das ist mitunter anstrengender als Dienstleistung total oder 100% Künstler-Attitude, aber wenn es funktioniert, ist es grandios, und es funktioniert sehr oft. Gibt immer auch mal einen Punkt, wo man sich mit Kunden dann auch stark reibt, aber wie Karin Schmidt-Friderichs mal sagte: Wo Reibung ist entsteht Glanz. Und nahezu ausnahmslos ist nach einem Konflikt-Punkt auch wieder Harmonie da.

Das unseren Designern natürlich alles nichts, wenn der Klient wirklich völlig beratungsresistent ist und schlechte Ergebnisse unilateral erzwingt, aber es macht dich als Designer realitätsbewusster und weniger eitel, sicherer und selbstbewusster. Die Haltung des Büros (die eben auch ganz anders sein kann als meine ganz individuelle) entspringt insofern auch immer wieder aus diesen Gesprächen, und wird zu einer Art «ausgehandelter» Gruppenhaltung. Wir sind klein genug, um solche Prozesse erfolgreich leisten zu können. Ab zehn Leuten ist das organisatorisch schwierig und selbst in Sub-Units orientierte größere Designbüros sind schon zu bürokratisch aufgestellt, haben echte «Angestellte», keine Familie mehr, weil dort der einzelne immer ersetzbar sein muss, das ist Teil des Systems, people come&go. Bei uns nicht. Bei mir ist keiner ersetzbar, wenn jemand geht, klafft eine Lücke, aber andererseits weiß hier hoffentlich eben umgekehrt auch jeder, dass er Teil des Ganzen ist, wichtig ist. Und seine Haltung, wie immer die auch sein mag, eben einbringen und entwickeln kann (und soll).

1. Juli 2011 20:24 Uhr. Kategorie Arbeit, Design. Tag , , . Eine Antwort.

Haste Töne Finale im Konzerthaus Dortmund

hd schellnack

Vielleicht ist der Titel irreführend – zumindest für mich. «Haste Töne – So klingt Schule» klingt zunächst etwas nach der gutmeinenden Art von Projekt, mit denen Schüler an die Kultur herangeführt werden sollen. Solche gibt es ja viele und viele kranken an der negativen Grundeinstellung der Veranstalter zu den Jugendlichen, die ja in real viel reicher und bereichernder sind als die Vorstellungen, die man sich von «Kids» macht. Da ich für die Rütgers Stiftung vor einigen Jahren viel gute Erfahrungen mit Kreativ-Projekten für Jugendliche gesammelt habe und dabei phantastische junge Tüftler kennengelernt habe, die interessiert und neugierig, erfinderisch und engagiert sind, hat es mich eigentlich kaum überrascht, dass das Haste-Töne-Projekt, das in der gleichen Altersklasse und wahrscheinlich auch einer ähnlichen Zielgruppe funktioniert, ähnlich großartige Ergebnisse hervorbringt.

hd schellnack

«Haste Töne», vereinfacht gesagt, füllt eine Lücke in der Musikpädagogik. Während viele Orchester gerade Kinder an die Musik heranführen und an der Erleben von Klassik, schien mir immer ein Gap bei den schwerer zu erreichenden 15-18jährigen zu sein, die Pop und Rock für sich entdeckt haben, nicht mehr mit den Eltern ins Konzert gehen und in vieler Hinsicht schwerer zu erreichen sind. «Haste Töne» wendet sich ganz gezielt an diese Generation und das mit einem Konzept, das gleich zwei weitere Lücken füllt, nämlich mit der Komposition neuer E-Musik. Es geht also nicht um das «Lernen» von Klassik, um eine pädagogische Heranführung an eine Musikrichtung, sondern um das Selber-Machen, aber eben nicht im Sinne vom Erlernen eines Instrumentes, sondern von der ganz generell kreativen Seite her kommend, der Komposition. Allein dieser Ansatz macht schon Spaß, aber dazu noch die E-Musik in ihrer Offenheit und ihrer Neugierde als das perfekte Vehikel zu nutzen, Musik als Ort des kreativen, explorativen Arbeitens zu kommunzieren, ist natürlich goldrichtig.

Wie richtig, hat sich Freitag abend im großen Saal des Dortmunder Konzerthauses gezeigt. Niemand konnte bei diesem Projekt vorher wissen, wieviel Leute sich das Finale ansehen würden, aber Christian Esch vom NRW Kultursekretariat und Benedict Stampa vom Konzerthaus Dortmund schienen von den über 300 Leuten im Saal überrascht, begeistert und beeindruckt zu sein und revanchierten sich mit einer kurzen Ansprache, die ohne Mühe und Verbiegungen ehrlich auf dem Niveau der Besucher spielte und mehr von Herzen kam als vieles, was man sonst bei Kulturevents für Erwachsene als «Rede» hört. Nicht abgelesen, völlig locker und mit sichtbarem Spaß an der Sache erklärt Stampa seinen Gästen, warum er den großen Saal für diese Veranstaltung frei gemacht hat – damit sie ihre Kompositionen im «echten» Konzertrahmen erleben können, ohne Kompromisse. Keine schlechte Sache, wenn man bedenkt, dass der Saal am Freitagabend auch mit zahlenden Gästen gefüllt sein könnte – denn der Eintritt bei Haste Töne war frei. Dass Stampa, der als Intendant des Konzerthauses deutlich seine Zahlen auf dem Radar haben muss, sich so für die Sache ins Zeug legt, sagt viel über Mut, Experimentierfreude und Engagement des Intendanten und die Tatsache, dass er sich – und bei Entscheidern wie Stampa ist Zeit immer ein knappes Gut – das fast dreistündige Konzert von A bis Z anhört, viel über seine Neugier und natürlich auch viel über das Konzert an sich.

hd schellnack

Denn auch der Aufbau des Abends ist ungewöhnlich. Professionell und souverän führt die WDR-Autorin und Moderatiorin Claudia Belemann durch den Abend, der mit zahlreichen Interviews und Informationen das Projekt und den Ablauf, die Betreuung durch die prominenten Komponisten-Moderatoren beleuchtet und so nicht nur die Musik in den Mittelpunkt stellt, sondern auch deren Entstehung. Eine Form von Aufbau, die ich mir bei manch «echtem» Konzert eigentlich auch wünschen würde, weil es eine zusätzliche Ebene einführt, informiert und zudem die jungen Mitwirkenden auf der Bühne als fesselnde Persönlichkeiten präsentiert.

Das von Markus Stollenberg betreute Projekt vermischt Elektronisches und Live-Musik, zeigt eine verblüffende Bandbreite von Stilen und Formen. Vom überaus niedlichen Schulgong-Eingangskonzert eines Schülerorchesters, begleitet von Delayeffekten und eingespielten Sounds, über ein Vokalensemble, das aus Gelächter eine komplexe Beatbox-Komposition macht bis hin zum studio MusikFabrik – so vielseitig zeigt sich «Klassik» selten in zweieinhalb Stunden. Peter Veale leitet mit Elan die meisten Stücke des herausragenden Jugendensembles und erläutert mit der jungen Pianistin Kin Sun Joo gemeinsam im Interview die Interpretation der Stücke. Dabei wird klar, wie sehr Haste Töne auch tatsächlich als musikalisches Experiment besonders ist, weil es den Begriff der Autoren/Komponistenschaft anders fasst als gewohnt. Musik entsteht hier im Kollektiv, über verschiedene Realisierungsphasen hinweg. Die Schüler arbeiten mit Mentoren – Profi-Komponisten, die mit Rat und Tat zur Seite stehen – und ihren Lehrern im Team und versuchen, Ideen zu entwickeln und zu einer mehr oder minder konkreten Lösung zu kommen – und diese wird durch das studio MusikFabrik erneut gebrochen, interpretiert, angereichert, aufgeladen. So gleicht die Komposition weniger der herkömmlichen Vorstellung des einzelnen Komponisten-Genies, sondern nimmt einen neuen, gemeinschaftlichen Habitus an, der eher an Designteams oder Architekturbüros erinnert, an Dialog, Evolution und das multivektorale Spiel, aus dem dann die Ergebnisse entstehen.

hd schellnack

Und die Ergebnisse können sich sehen lassen, wahrscheinlich wäre es spannend zu hören, was Zuhörer sagen würden, die gar nicht wissen, wer die Komponisten der Stücke sind. Es gibt einen Hang zu schwebenden Dissonanzen à la Penderecki, zu scharfen Brüchen und zur Lautmalerei. Es ist eine oft seltsame 1:1-Umsetzung, wie man sie heute nur noch selten in der Klassik hört, man muss unweigerlich an «Sports et Divertissements» von Satie, an die «Alpensymphonie» oder an viele andere Versuche, mit Musik echte Umstände zu emulieren, denken. Aber es blitzen auch Pop- und Hiphop-Elemente auf, stets sauber gebrochen vom Ensemble, nie zu einfach oder anbiedernd gespielt, und einmal wird es sogar einen Satz lang ausgesprochen melodisch und tatsächlich ergreifend, ohne dabei süßlich zu werden. Das Experiment «Moderne Musik» hat eine musikalische und emotionale Bandbreite hervorgebracht, die wahrscheinlich sogar die Schüler selbst überrascht haben dürfte, die sich gegenseitig mit langem Applaus Respekt für Ihre Arbeiten zollten.

Die Lücke zwischen «Kinderkonzerten» und erwachsener ernsthafter Klassik, sie scheint hier wie weggewischt. Die Jugendlichen wirken nicht wie Fremdkörper im Konzerthaus, sondern hier am richtigen Ort, um frische Energie einzubringen und um selbst eine gute Zeit zu haben. Sie wirken oft entspannter, souveräner und reifer, als mancher ihnen vorweg zugetraut haben mag – und damit als Zielgruppe, die man nicht einfach an Dudelpop abschreiben darf, im Gegenteil. Es ist Benedict Stampa hoch anzurechnen, dass er hier sozusagen «niedrigschwellig» (wie unsere Kunden aus dem Suchthilfe-Bereich es gerne nennen), also ohne Vorgaben, Erwartungen und Hürden, frei von Eitelkeiten und Etepetete einen Zugang in sein Haus und damit in die tatsächlich mit allen Sinnen erlebbare Welt der Klassik schafft, einen Abend, der ja auch eine Verführung und Einladung ist, sich mehr mit Klassik auseinanderzusetzen, die eben mehr sein kann als Brahms und Bach.   

hd schellnack

Insofern ist es vielleicht passend, dass die jungen Talentmusiker auf der Bühne quasi als Abschluss und Zugabe von den selbstkomponierten Schülerstücken zu einer Legende der Pattern Music übergehen, zu Terry Riley «In C», einem Stück, an dessen Rigidität schon erfahrerene Musiker und geduldigere Zuhörer gescheitert sind und das ich als Fan von Reich und Glass sehr mag in seiner schimmernden, zuckenden, lebendigen Struktur eines endlos langen, gefrorenen Sonnenaufgangs, das aber in der Länge – obwohl in nur kurzen 20 Minuten durchgespielt – schon das Publikum offenbar herausfordert. Passend insofern, als das an diesem Meisterwerk gemessen die Musik der Schüler durchaus mithalten kann, sogar lebendiger und im besten Sinne unfertiger, neugieriger wirkt… Rileys Kult-Status beweist, dass es in der neuen E-Musik auf Emotion, Überraschung und Mathematik ankommt, auf Innovation und Frechheit… nicht so sehr auf klassische Kompositions-Fähigkeiten. Es gibt schlechtere Enden, als solche, die deutlich machen, dass die Legenden eines Faches auch nur mit Wasser kochen – so ein Vergleich kann ja anspornend wirken.

Unterm Strich darf man hoffen, dass «Haste Töne» in eine weitere Runde geht und als Idee auch von lokalen Orchestern und Einrichtungen adaptiert wird, um junge Erwachsene für (moderne) Klassik zu begeistern.

27. Juni 2011 14:54 Uhr. Kategorie Live, Musik. Tag , . Keine Antwort.

Alex Leu fragt 04: Awards

hd schellnack

Wie wichtig sind Awards?
Sind Wettbewerbe das Maß aller Dinge? Oder ist das auch mal zu hinterfragen?

Schwer zu sagen. Da ich Design nie studiert habe und insofern immer etwas mit meiner «Berufung» hadere, freue ich mich wahnsinnig, wenn eine kompetente Jury eine unserer Arbeiten lobt. Nicht aus persönlicher Eitelkeit, sondern weil man ja selbst stets etwas «schwimmt» mit den Ergebnissen (man kennt ja selbst immer die Alternativen und Kompromisse auf dem Weg sehr gut und kann Endergebnisse kaum noch neutral betrachten), so dass es schon gut tut, wenn es jemand anderes mag – ganz egal ob Jury oder jemand auf der Strasse, der dein letztes Saisonheft lobt.

Auf der anderen Seite sind die grossen Awards natürlich finanzielle Unternehmungen. Da fragst du dich automatisch, wenn du gewinnst, was das noch bedeutet – und wenn du nicht gewinnst fragst du dich das erst recht. Insofern hat Bruce Mau generell schon recht, dass Wettbewerbe ungesund sind. Da geht halt eine Jury durch einen Raum mit 1000 tollen Arbeiten, natürlich ist da nicht möglich, sich mit den Zielen und Methoden jeder Arbeit zu befassen, solche Preise sind also ganz unweigerlich etwas oberflächlich, ich war oft genug selbst in einer Jury, um das zu verstehen. Ich mag Awards also, aber ich nehme sie nicht zu ernst. Wir haben ein Jahresbudget für solche Sachen und damit hat es sich, wir nehmen da beileibe nicht alles mit und reichen nicht um jeden Preis alles ein. Zumal uns Awards keine Klienten bringen, bisher nicht einen einzigen. Ich hab keine Ahnung ob andere Büros über die Award-Quote Auftraggeber kriegen, bei uns ist das kein Faktor. Manchmal befürchte ich fast, es schreckt Leute ab, weil sie denken, wir wären teuer – dabei sind wir ja ein recht preiswertes Büro für den Umfang und unser Know-How.

Was uns sehr freut ist allerdings, wenn man den Klienten zu einer relativ mutigen Sache anstiftet und diese dann auch wirklich ausgezeichnet wird. Einfach, weil der Mut dann noch einmal von außen gelobt wird. Oft ist das nicht nötig, weil mutige Ansätze mittelfristig direkt ihre eigenen Erfolge bringen – gute Presse, Imageaufwertung, Besucherzahlen, Umsatz, was auch immer – , aber kurzfristig finde ich, hat der Klient diesen Schulterschlag einer Jury einfach verdient. Ich freue mich insofern meist mehr für den Auftraggeber als für uns selbst, denn ohne gute Klienten gäbe es keine Awards, insofern sind wir sehr dankbar dafür… jeder gewonnene Preis ist eine Arbeit, die unterm Strich ja nur aufgrund des Klienten gut werden konnte.

12:30 Uhr. Kategorie Arbeit, Design. Tag , , . Eine Antwort.

Alex Leu fragt 03: Selbstvermarktung

hd schellnack

Wie kann sich eine Agentur oder ein Designer vermarkten bzw. nach außen kommunizieren, um ein bevorzugtes Kundenprofil zu schaffen?
Hat die Kommunikation der eigenen Haltung in der Schaffung eines bevorzugten Kundenprofils, eine Rolle gespielt?

Keine Ahnung, ehrlich gesagt. Während es ein leichtes ist, Auftraggeber zu beraten, habe ich persönlich natürlich Probleme mit dem Selbst-Marketing und mit dem Erfolg von nodesign, dem Wachsen von der Ein-Mann-Show zum Büro, ist das ein wichtiges, immer wiederkehrendes Thema. Wie wächst man, wohin will man, wie kriegt man die passenden Klienten? Wir machen keinerlei Akquise-Marketing, haben über eine Dekade keine Form von Homepage gehabt (und die jetzige ist auch nicht besonders gut), wir machen keine Pressearbeit, versenden keinen Newsletter, machen kein eigenes Magazin oder profilieren uns über ein Buch bei einem namhaften Verlag. Selbst der Büroname ist irgendwie latent «anti». Und es läuft ja trotzdem gut, so dass man langsam aber solide wächst – so, dass man es selbst fast nicht merkt, bis man mal zurückdenkt, was in den letzten sechs Jahren eigentlich wirklich alles passiert ist. Und natürlich willst du immer auch «mehr». Ich fände ein größeres, noch kommunikativeres Team schön – wir sind jetzt bei fünf Leuten, ich fände acht optimal) und auch entsprechend neue Kunden, wir alle hätten Lust auf einen Verlag oder ein Museum, weil das in den letzten Jahren zu wenig bei uns war. Wir finden vor allem ja auch die ganz handfesten Unternehmen gut, Werkzeugmacher oder so etwas, bodenständiger Mittelstand, eine gute, ehrliche Firma, die ein positives Produkt, das man ehrlich und überzeugt bewerben kann. Während viele Büros ein Traum-Kundenprofil haben, bin ich so neugierig, dass ich mich eigentlich nicht nur auf Kultur – auch wenn das sicher unsere Stärke ist – verengen würde. Ich glaube, wir sind nicht so sehr auf eine konkrete Tätigkeit oder einen Designbereich spezialisiert als vielmehr auf einen Typus von Kooperationsansatz oder ein Denken – die meisten unserer Auftraggeber bisher wollten Erfolg, wollten Wandel, hatten Leidenschaft und, egal ob Unternehmen oder Institution, hatten etwas zu geben. Ob Theater oder Uhrenmanufaktur, Partei oder Architekturbüro – wenn da eine Idee, ein Tun oder ein Produkt ist, das wirklich ein positives Vorzeichen hat für die Gesellschaft, und wenn die Macher selbst daran glauben und intensiv daran arbeiten, ist es stets ein Traum, hier als Designer seinen Teil beizusteuern.

Insofern stehen wir fast genau so wie Studenten oder Berufsanfänger immer wieder vor der Frage, wer wir sind, was uns besonders macht in einer heillos überlaufenen Branche und wie man sich selbst kommuniziert. Was zudem schwierig ist, weil man sich selbst ja eher kritisch betrachtet, bei jedem Job im Nachhinein im Team Fehler analysiert, die man in Zukunft vermeiden sollte – und sich auch ehrlich gesagt insofern selbst anpreisen kann. Die Frage trifft mich insofern ins Mark, weil dieser Prozess für uns ansteht, wenn wir weiter wachsen wollen, weil ich die Vermarktung der meisten anderen Büros nicht 1:1 für uns passend finde und noch nicht so genau weiß, wie wir das anpacken sollten – das ist ein gerade laufender Prozess bei nodesign, der auch hochspannend ist und die gesamte Struktur des Büros umfasst. Der beste Weg ist hier wahrscheinlich, einfach ehrlich zu sein und nicht zu verkrampft drüber nachzudenken, sondern einfach zu machen.

26. Juni 2011 10:04 Uhr. Kategorie Arbeit, Design. Tag , , . Eine Antwort.

Alex Leu fragt 02: Spezialisierung

hd schellnack

Teil 2 der Fragen von Alexander Leu an mich:

Wie sollte der Designnachwuchs in der heutigen Zeit, die Waagschale zwischen der Interdisziplinarität und der Spezialisierung umgehen?
Inwieweit muss der Designnachwuchs „alles“ können, um der Interdisziplinarität in Zukunft gerecht zu werden?
Sollte man sich im Studium und Job spezialisieren um so zu besseren Ergebnissen zu kommen? (Statt zuviel und dann doch nichts richtig zu können)
Inwieweit sollte man seinen Interessen/Herzen folgen, auch wenn diese gegen einen Trend und Anforderung der Zukunft spricht?

Ich finde ja, man darf nie ganz Spezialist sein. Ideal, als Menschentypus, ist ja irgendwie, um meinen alten Professor Dieter Krallmann zu zitieren, der «Allround-Dilettant». Klar, du brauchst irgendwann den perfekten Programmierer, den grandiosen Photographen und so weiter… – und um in einem bestimmten Feld wirklich großartig zu sein, muss man sich darauf spezialisieren –, aber in den meisten Fällen wird sich herausstellen, dass der Photograph auch noch nebenbei ein begabter Musiker ist oder der Programmierer sich für Mathematik begeistert, und so weiter. Solche Querinteressen hat jeder und man sollte sie auch pflegen, denn sie bereichern die Arbeit. Reines Spezialistentum brennt aus, weil man immer das gleiche macht und am Ende geht es dann nur noch darum, wo man mit diesem Immergleichen das meiste Geld abgreifen kann.

Bei meinen Studenten oder Bewerbern hier fand ich immer toll, wenn sie sich sich möglichst breit umschauen. Manchmal ist es wichtiger für einen Studenten, sich mit Film oder Musik auseinanderzusetzen, aus der eigenen Enge herauszukommen, als nur der CSS-Crack zu werden. Wichtig ist gelernt zu haben, wie man lernt, wie man sich weiterentwickelt, wie man sich selbst immer wieder herausfordert.

Auf der anderen Seite mag ich natürlich aber auch Studenten, die das klein bisschen Werkzeug, dass der Beruf nun mal mit sich bringt, auch beherrschen. Einfach, damit das Werkzeug die Arbeit unterstützt und nicht die Arbeit nur so gut oder schlecht wird, wie die dann eben entsprechend gute oder schlechte Beherrschung eines Tools es eben zulässt. Wer schlecht Gitarre spielt, wird keine guten Songs damit schreiben können – aber wer keine Songs im Kopf hat eben auch nicht, egal wie virtuos er theoretisch Saiten zupfen kann. Beides muss vorhanden sein. Analog muss im Design Forschung, Marketingdenken, Strategie und eben Kreativität plus die Fähigkeit, all das zu einem visuell überzeugenden Ergebnis zu bringen, zusammenkommen. Ich komme ja von der Kommunikationsforschung zum Design – und vielleicht war für mich das «Grafische« als solches nie allein wichtig, ich habe das stets als grandioses Werkzeug empfunden, Change Management in Einrichtungen zu betreiben oder eben Verhalten zu verändern im sozialen Kontext. Ich habe Design nie als Selbstzweck verstehen können, weil ich nicht vom Formellen dahin komme, nicht vom Zeichnen, Malen, Setzen. Mich interessiert die Bottom Line. Es ist für uns meist eher etwas schade, dass wir von Auftraggebern oft «nur» als Designer angeheuert werden und zu selten ein dezidiertes Strategie- und Forschungsbudget da ist… «Research» macht uns allen enorm Spaß und führt zu Design, das am Ende kraftvoller und funktionaler ist. Ich sehe zwischen Beratung und Kreation keinerlei Grenze, man sollte das nicht trennen, ganz im Gegenteil – Design nur als «Umsetzung» zu verstehen vergeudet Chancen, auch für kleine Unternehmen und Einrichtungen. Ein guter Designer mit Strategie-Know-How ist so etwas wie ein Mini-McKinsey für seine Auftraggeber und kann zudem nicht nur Probleme analysieren, sondern auch kreative Lösungen anbieten.

Für Designer ist wichtig, Lösungen zu entwickeln, zu denken. Ob du die dann in Indesign oder in HTML umsetzt, ist zunächst unwichtig, wobei es natürlich extrem hilft, mit diesen Instrumenten umgehen zu können, um die Parameter, innerhalb derer die Ideen umgesetzt werden, sozusagen die «Physik», die Gesetze und Möglichkeiten, zu verstehen. Interdisziplinär muss dabei also zu aller erst das Denken sein, die Interessen, die Sicht.

Im Beruf folgt man natürlich seinen Interessen und wird sich unweigerlich etwas spezialisieren, weil man bestimmte Dinge oft und gut macht. Man kriegt ja – im besten Sinne – so etwas wie Routine, und die bringt Effizienz. Was grossartig ist, solange man in dieser Routine nicht versackt.

Insofern bin ich stets etwas irritiert, wenn ein Diplomand hier anfängt (mit einem ausgezeichneten Diplom) und nicht die wirklichen Basics von Indesign kennt. Oder schlecht vorbereitet ist auf das Tempo und die eigentlich recht geringe Chance für «Egozentrik» im Designalltags, wo man eben nicht sechs Monate an selbstgewählten Themen sitzt, sondern unter Zeitdruck lösungsorientiert und positiv in das Denken von Auftraggebern und deren Kunden kommen muss. Interdisziplinärität, die ich mir insofern wünsche, wäre eine Balance aus ganz handfesten Fähigkeiten mit den geistigen und greifbaren Werkzeugen der Arbeit, die ja nun so kompliziert nicht sind im Vergleich mit anderen Branchen – und die Souveränität, die diese Beherrschung mit sich bringt, gepaart mit Neugier, Interesse an … eigentlich allem. Designer ist einer der wenigen Jobs, der dich immer wieder dazu zwingt, Forscher oder Reporter zu sein, dich in andere Belange und Welten einzudenken, Lösungsstrategien zu entwickeln für dich an sich fremde Bereiche, und diese Fremdheit sozusagen auch für andere zu übersetzen, also den eigenen Lernprozess universal zu kommunizieren, eine Art Interface zu finden zwischen der Innenperspektive eines Klienten und der Aussenperspektive seiner Zielgruppe und Umwelt. «Interdisziplinär» ist für mich kulturelle Neugier, Grenzenlosigkeit, Hunger, die Bereitschaft, sich zu vergessen und neu einzutauchen, alte Antworten zu vergessen und erst einmal neue Fragen an Land zu ziehen, gepaart mit der Fähigkeit, die in diesem Prozess dann entstehenden neuen Antworten kompetent umzusetzen.

25. Juni 2011 17:00 Uhr. Kategorie Arbeit, Design. Tag , , . Eine Antwort.

Schreiben auf dem iPad: Bamboo Paper

hd schellnack

Zum Bamboo Stylus Stift für das iPad bringt Wacom eine passende Notizbuch-App heraus – Bamboo Paper – die bis Ende des Monats noch gratis verfügbar ist. Unter den vielen Notizbuch-Applikationen für das iPad und für eine «Corporate App» macht Bamboo Paper überraschend viel richtig, vor allem verglichen mit der sehr enttäuschenden und lang erwarteten Moleskine-App.

Paper ist relativ einfach gehalten, überzeugt aber zugleich mit einem durchdachten Konzept. Die App bietet die gesamte Fläche des iPad als Notiz-Buch, wobei die Schrift nicht wie bei vielen anderen Anwendungen «vektorisiert» wird – das Schriftbild ist nicht nur mit dem BambooStylus, sondern auch etwa mit dem AluPen so flüssig und «natürlich» wie bei Noteshelf und Penultimate, wobei gerade letztere App Bamboo in vieler Hinsicht so ähnelt, das deutlich wird, wo sich Wacom vielleicht auch etwas Inspiration geholt hat. Vorteil gegenüber Penultimate ist aber die elegantere, fast nahtlose Integration der Werkzeuge in das «Blatt», so dass man gefühlt mehr Raum zum Schreiben hat.

Die grundlegenden Funktionen – Stifte in drei verschiedenen Stärken und sechs verschiedenen Farben, Radiergummi, Löschen der ganzen Seite und «Lesezeichen» – ähneln ebenfalls am ehesten Penultimate. Noteshelf liefert hier einen deutlich größeren Funktionsumfang schon bei den Malwerkzeugen – mehr Farben, 21 Stufen «Stiiftgrößen», Bild-Import und Emoji-artige Icons geben dem Schreibenden mehr Freiheit bei der Arbeit mit seinem Text.

Auch bei sonstigen Features schwächelt Wacom, wieder vor allem gemessen an Noteshelf. Noteshelf bietet Evernote- und Dropbox-Integration, kann JPG als auch PDF exportieren, optional mit und ohne «Papier» und Seitenzahlen. Bamboo hingegen exportiert einzelne Seiten als JPG (768×1024) oder das Notizbuch als PDF, jeweils mit «Papier» als Hintergrund. Die Auflösung ist bei allen Apps nicht ideal – besser wäre eine feinere Auflösung, aber hier hat bisher keine Notebook-App einen Vorsprung, wahrscheinlich, weil eine höhere Auflösung den ohnehin spürbaren Latenz-Faktor beim Schreiben erhöhen würde. Wobei Bamboo einen Hauch langsamer zu sein scheint als Noteshelf, weniger schnell hinterherkommt. Dropbox und vor allem Evernote-Sync sind zudem grundlegende Funktionen eines Notizbuchs, da hier das automatische Sammeln von Notizen in einem dafür perfekt geeignetem System ermöglicht wird. So kann man bei einem Meeting mitschreiben, kurz «synchen» und hat die Notizen bereits im richtigen Ordner im Bürorechner, wenn man dort ankommt – komfortabler und sicherer geht es kaum.

Vorteil von Penultimate und Noteshelf ist auch, dass man mehrere Notizbücher verwalten kann. Bamboo merkt man an, dass dieses Feature geplant ist – anderenfalls würden verschiedene Farben für die «Umschläge» und ein Papierkorb im Interfacedesign keinen Sinn machen. Aber die Einschränkung, derzeit nur ein Buch nutzen zu können, ist wie das Fehlen von Synchronisation und Bildimport ein großes Argument gegen Bamboo Paper.

Wo die App dennoch punktet ist das Design – sie ist wunderbar reduziert gestaltet, und trotz der wenigen Optionen scheint beim Schreiben ad hoc nichts zu fehlen. Der Verzicht auf den imitierten Buch-Look im Interface macht das iPad selbst zum Notizblock – und so einfach fühlt es sich definitiv richtig und am besten an. Die dezenten blauen Linien und Karos sind zum Schreiben ideal – und die «Hefte» in der Dokumente-Übersicht sind ästhetisch überzeugend gemacht. Hier ist Penultimate mit seinen braunen «Schreibheften» sehr nahe dran, aber gerade in der Reduzierung und Vereinfachung überzeugt Bamboo schon auf den ersten Blick, verschwendet weniger Platz und gibt den Nutzer die maximale Schreibfläche – definitiv der richtige Ansatz.

Auch der Verzicht auf den nostalgischen «Sepia-Papier-Look» zugunsten einer klaren weißen Fläche, die weniger «retro» ist, gefällt. Das schlimmste Interface weist Noteshelf auf, wo vom Icon bis zur Umschlaggestaltung der «Notizbücher» einfach alles ein bisschen häßlich geraten ist. Noteshelf bietet eine wahre Flut von Vorlagen und Optionen für Buchcover und Seiten, aber nicht eine davon kann gestalterisch überzeugen, keine macht wirklich «Spaß». Ich kann mir fast vorstellen, trotz fehlender Features mehr mit Bamboo zu arbeiten, weil es rein visuell und ästhetisch mehr angenehmer ist, diese Applikation zu benutzen. Es sind nicht immer nur die reinen Funktionen – man sollte als App-Entwickler das Screen-Design und den emotionalen Aspekt der User Experience niemals unterschätzen. Noteshelf ist funktional ungeschlagen, aber nahezu völlig ohne Flair. Bamboo will seltsamerweise deutlich weniger und überzeugt genau deshalb mehr.

Ein zweites, wenn noch unausgereiftes Plus von Bamboo ist der Zoom. Wo Noteshelf eine «Lupe» bietet, die den unteren Bildschirmbereich kompliziert zur Vergrößerung des oberen macht, zoomt die Wacom-App mit einem Zwei-Finger-Pinch die Seite größer oder kleiner. Hier gibt es das Problem, das man dabei versehentlich oft «malt» anstatt zu zoomen, aber der Ansatz fühlt sich insgesamt dennoch intuitiver und natürlicher an. Spätestens mit dem Retina-Display des iPad3 sollte man bei dieser Zoom-Funktion aber eine höhere Auflösung der Notizen andenken, die Pixel sind im Zoom sehr deutlich sichtbar. Abgesehen davon erlaubt der Zoom, trotz des «klobigeren» Schreibens auf dem iPad-Display, im Endergebnis eine lesbare und realistisch «feine» Schrift hinzubekommen. Im Zoom kann man mit zwei Fingern das Papier natürlich weiterbewegen und ein längeres Drücken an beliebiger Stelle lässt die Schreibwerkzeug-Optionen erscheinen, so dass ein ungestörter Workflow möglich ist. Die noch relativ naive Zoom-Umsetzung sorgt allerdings schon dafür, dass man (zu) oft das Radiergummi verwenden muss, um ungewollte Striche zu löschen.

Wenig störend fiel ein weiteres fehlendes Feature auf – Penultimate und Noteshelf haben eine Art «Wrist Protection», die verhindert, dass der Handballen auf der Glasfläche beim Schreiben stört. Wacom hat dieses Feature nicht, dennoch funktioniert die App recht sauber – der Handballen verhindert nur recht selten das Schreiben als solches, macht aber selbst keinerlei «Malstriche». Da die Wrist-Protection auch an sich oft seltsame Nebeneffekte hat und sogar Blattbereiche sperrt, ist ihr Fehlen kein großer Verlust und man gewöhnt sich schnell daran, die Hand nicht auf dem Glas ruhen zu lassen.

Im Resultat überrascht Wacoms Bamboo Paper als Free-App mit einem sehr gelungenen, reduzierten Ansatz, dem es an einigen Features fehlt, die der Hersteller hoffentlich ausbaut. Das perfekte Notizbuch für handschriftliche Mitschrift und Zeichnungen, das intuitiv und natürlich funktioniert wie ein Stift und Papier, aber alle digitalen Vorteile mit sich bringt, gibt es aber auch hiermit (immer) noch nicht, das Rennen um die «perfekte» App, die Ästhetik und Funktionalität zu einem überzeugenden Design verbindet, ist noch offen. Vielleicht kommt das aber auch erst, wenn Apple einsieht, dass eine Stifteingabe für das iPad kein «Fehler» ist, sondern eine wertvolle Ergänzung des Gerätes, und eine entsprechende Hardware/Software-Lösung vorstellt, die dem Feeling eines echten Wacom-Tablett näher kommt.

19. Juni 2011 14:23 Uhr. Kategorie Technik. Tag , , . Keine Antwort.

Langsame Revolution

hd schellnack

Ein Jahr nachdem das iPad den Auftakt zu einer globalen neuen Digitalisierungswelle bei «Print»-Medien ausgelöst hat, reibe ich mich als Leser (aber auch als Designer) immer wieder an seltsamen und frustrierenden Elementen dieses Umbruchs, die einzeln jeweils sicher erklärbar sind, kollektiv aber den Buchmarkt und die Anbieter von Hard- und Software vor wichtige Herausforderungen stellen. Ein kritischer (und sehr subjektiver) Blick auf den Stand der Dinge im Bereich des e-Lesens:

Hardware. Ich hatte letztens bei einem Besuch auf dem mediacampus frankfurt die Chance, mehrere aktuelle eReader in der Hand zu halten. Als iPad-Nutzer eine geradezu schockierende Erfahrung. Unhandlich (mit Ausnahme des Thalia-Readers, der ein sehr süßes Format hat, für «Buch» allerdings einen Tick zu klein ist), ein entsetzlich billiges Aldi-Plastik-Feeling, langsam, medial unflexibel, reines Schwarzweiß… da kommt wenig Freude auf. Das Buch ist ein sehr haptisches Medium und Buchleser häufig Menschen mit einem Gespür für schöne Gegenstände und gute Dinge. Das sollte man beim Design von Endgeräten durchweg im Kopf haben und nicht taiwanesischen Plastikschrott anbieten. Je näher der Reader an das Gefühl eines «Hardcovers» herankommt – und je näher auch die digitalen Buchdateien dies emulieren, nicht durch sepia-Hintergründe, sondern im Handling – desto erfolgreicher wird sich das Angebot durchsetzen. Ich denke auch, niemand hat wirklich Lust, einen längeren Text grau auf grau zu lesen? Die Schrift mag ja «scharf» sein bei vielen Readern, aber sie wirkt pixelig und hat in jeder Hinsicht die Anmutung einer Kinder-«Zaubertafel». Die Bedienung der Software, die sinnfrei wirkenden Hardware-Tasten und viele andere Details der Reader erinnern an die Frühzeit des Computers. Ästhetisch ist das iPad somit fast singulär der einzig annehmbare Weg derzeit. Das iPad aber ist noch zu dunkel in der Sonne, zu hell in der Nacht, reizt die Augen zu sehr beim Lesen als aktives Display gegenüber dem «passiven» Papier und braucht dringend eine höhere Auflösung (iPad3 wird Retina-Display haben). Richtig perfekt ist derzeit noch keine Lösung, Jan Tschichold würde an all diesen Geräten verzweifeln. Das iPad ist noch am nächsten dran und trotzdem einige Jahre von «perfekt» entfernt. Seltsamerweise tut dem Gerät auch die Verschlankung von iPad zu iPad2 nicht wirklich gut. Obwohl für die meisten anderen Anwendungen ein Fortschritt, ist das Pad als Buch jetzt zu surreal dünn, zu scharfkantig, zu sehr Glasscheibe. Ein leichteres, aber voluminöseres Gerät wäre an sich überzeugender. Hier haben wir noch einige schwierige Jahre vor uns – in Sachen Interface ist kein Reader dem «echten» Buch gewachsen. Was zugleich auch heißt, das für andere Firmen als Apple noch Raum wäre, ein markttaugliches Angebot zu konzeptionieren – die begeisterte Reaktion auf den dann leider nie realisierten Courier-Entwurf von Microsoft zeigt das sehr deutlich. Monopole sind nie gut und es wäre erfreulich, wenn ein Hardware-Anbieter sich des Themas Digitales Lesen und Schreiben ganz neu und offen stellen würde.

Kaufen. Es ist immer noch eine Art Horrortrip, spontan ein eBook zu kaufen. Es wirkt fast so, als solle man in semi-legale Graubereiche hinein gezwungen werden, wenn man als Nutzer auch nur den geringsten Anspruch stellt – wie etwa den Wunsch, ein gekauftes Buch auf dem eigenen Lesegerät nutzen zu können. Als deutscher Nutzer ist es schwierig, legal ein amerikanisches Buch – das ich «auf Papier» bei Amazon problemlos binnen 24 Stunden erhalte – als ePub zu kaufen. In Apples iBook-Store gibt es ofiziell keine 50 englischen Bücher… verdeckt sind es einige mehr, aber das Angebot ist erschütternd schlecht. Und auch bei den deutschen Büchern ist die Auswahl deutlich zu klein – Apple hat hier viel zu wenig kleine Verlage im Programm, die Bücher erscheinen deutlich nach den Print-Angeboten, die Vorteile einer digitalen Buchhandlung (Große Auswahl, da keine Lagerfläche, niedrige Preise und hohe Geschwindigkeit) kommen nicht zum Zuge.
Das zugleich die wachsende Zahl der Websites, Foren und Blogs, auf denen Bücher illegal zum Download angeboten werden, explodiert, zeugt von großer Nachfrage, die die Verlage und legalen Anbieter einfach nicht befriedigen. Es ist wie mit dem iPhone und dem Jailbreak – je mehr Apple mit jeder iOS-Fassung ganz einfache Wünsche der Nutzer befriedigt, desto weniger werden diese zu aufwendigen Tricks greifen, um die Funktionalität ihrer Geräte auszureizen. Je einfacher man also digitale Bücher kaufen kann, umso weniger Chancen haben die illegalen Quellen.
Bei Comics, einem fluideren, überschaubaren aber der Buchbranche nicht unähnlichen und insofern als Erfahrungsfeld besonders spannenden Bereich, zeigt sich das besonders drastisch. Der interessierte Leser bekommt nahezu jedes Mainstream-US-Comic am gleichen Tag von ungezählten internationalen und illegalen Quellen in perfekter Qualität in zwei Standard-Reader-Formaten als One-Click-Lösung. D.h. die illegale Vertriebslösung ist an Komfort – abgesehen von der langen Suche und Werbeeinblendungen natürlich – kaum zu überbieten im Hinblick auf das Endergebnis, weist aber einen ungemütlichen Weg dorthin auf, der zudem den Makel des Illegalen aufweist. Kein Konsument von Büchern, Musik, Filmen oder eben Comics will, dass die Macher leer ausgehen. Die Verlage aber – die die Direktmarktstruktur schützen und vor den in den USA durchaus recht mächtigen Retailern Angst haben – setzen auf proprietäre Lösungen, die geradezu bizarr inpraktikabel sind. Selbst der Vorstoß von DC, ab September monatlich 52 Hefte day&date, also am gleichen Tag wie die Printversion, digital zu veröffentlichen, ist nur ein halbherziger Schritt – wenn die Formate nur in geschlossenen Systemen verfügbar sind, wird es wenig nutzen, zumal der Preis bei Erscheinen auf Höhe der Printausgabe liegt. Das schützt die Händler, schadet aber den Verlagen und damit den Autoren und Kreativen. Offene Formate wie CBZ oder CBR, einfache Download-Möglichkeiten, kein DRM und attraktive Angebote für Subskriptionen sind die Lösung. Hier ist übrigens aus meiner Sicht eine große Chance für kleinere Verlage oder Strukturen, ihre Hefte nicht als Webcomics, sondern in ein einem bewährten Format per Blogsystem und Paypal in Echtzeit abzusetzen und die etablierten Strukturen zu umfahren. Flatrates wären gerade für Comic-Publisher, in denen mehrere Hefte ja meist zusammengehören und eine Art «Universum» bilden, zudem eine attraktive Möglichkeit, neue Kunden zu gewinnen und alte zu binden. Wichtig ist aber, nicht nur einen digitalen Zugang mit proprietären Readern zu geben, sondern Zugang UND Besitz zu ermöglichen und auf offene, einfache Formate zu setzen. Oder zumindest beides anzubieten, also eine Art Unterschied zwischen «Streaming» bzw. Miete und «Download» bzw, Besitz anzubieten, wie es im Video- und Musikbereich längst getan wird.

DRM. Kaufe ich ein normales Buch, so kann ich es weiterverleihen, beliebig oft. Kaufe ich ein eBook, etwa ein DRM-geschütztes ePub bei iBooks oder Borders, kann ich das nicht tun. Hier verliert sich ein wichtiger Aspekt von Buch – das Weitergeben, weiterempfehlen, Teilen. Nook ist da einen (halbherzigen) Schritt weiter, sicher, aber generell ist diese Paranoia ein Malus für das eBook-Genre, der zudem auch nur für «legale» Bücher gilt, also wieder den Graumarkt stärkt. Der AppStore und iTunes beweisen, dass gerade DRM-freie Medien und der Verzicht auf Seriennummern/Aktivierungen usw. umsatzsteigernd wirken und die meisten User ein Modell wie das des AppStore – ein Account, mehrere Nutzungen möglich – akzeptieren. Es ist also vielleicht nicht klug, gerade angesichts der Erfahrungen der Musikindustrie, immer noch auf Rights Management zu setzen. Rückt den Nutzer in den Mittelpunkt der Anstrengungen, nicht den Raubkopierer. Wer einen Supermarkt hat und diesen mit Selbstschussanlagen und Stacheldraht gegen Einbrecher zu schützen versucht, wird wohl auch nicht viele Kunden mit diesem charmanten Auftritt für sich gewinnen. DRM kills your business.

Formate Die Formatvielfalt – mobi, lit, ePub, PDF und und und – fühlt sich an wie die frühen Tage von Video mit VHS, Beta und Video2000. Warum es diesen Formatkrieg gibt (und das PDF und textbasierte Formate tatsächlich unterschiedliche Vorteile bieten) ist so offenbar wie schade (anscheinend haben die Hardwareanbieter immer noch nichts aus VIdeo- und DVD-Formatkriegen gelernt, so unfassbar das scheint), aber alle Beteiligten – Konsumenten wir Produzenten – können nur von einheitlichen Standards profitieren. Das offene System zumindest halbwegs klarer Standards im Web kann hier Vorbildcharakter haben. Zumindest die XML/HTML-basierten Formate sollten weitestgehend identisch werden. Die flexible Orientierung an populären und simplen Standards ist immer sinnvoll in Umbruchszeiten (es sei denn man hat wie Apple die Marktmacht, eigene Standards einfach durchzudrücken, wie etwa bei iTunes Audio- und Videoformaten… aber diese Macht hat derzeit eigentlich keine andere Unternehmung und selbst Apple musste sich immer wieder dem Markt anpassen, um Erfolg zu haben).

Preise. Warum kostet Wolfgang Büchers wunderbares «Hartland» als ePub im Grunde ebensoviel wie als Hardcover? Obwohl es hier keine materialle Produktion, keine Lieferung, keinen Grossisten, keine Retouren, keine Lagerhaltung gibt und man sozusagen also ein «ideales» Gut hat, das alle Nebenkosten eines realen Objekts nicht mehr aufweist? Das Argument ist nicht neu – und über kurz oder lang werden die Verlage sich dieser (ja berechtigten) Frage stellen müssen und sich möglichst einheitlich auf ein Modell einigen müssen. Hier zu blockieren, auf Zeit zu spielen und erst einmal Anlaufinvestitionen in eine (allerdings nicht sonderlich teure) neue Technologie mitzunehmen, ist nachvollziehbar – aber die Zeit verrinnt. Gut beraten wäre die Branche, schnell ein klar am Kunden orientiertes Modell zu entwickeln. Ich kann verstehen, dass Verlage und vor allem auch Sortiment die identischen Preise phantastisch finden – sie verzögern den Wechsel der Leser zum digitalen Endgerät und sichern so die bestehenden Strukturen – und die Buchpreisbindung hierfür instrumentalisieren. Ich bin auch dankbar für jeden Job, der durch diesen Ansatz gerettet wird. Nur – der Arbeitsplatz wird nicht dauerhaft gesichert, der Wandel kommt sowieso und mit Verzögerung nur umso gewaltiger und durchschlagender. Unnachvollziehbar hohe Preise erzeugen zudem nur einen Graumarkt, an dem dann niemand mehr etwas verdienen wird. Fair Play auch bei den Preisen ist hier ein essentieller Ansatz, den zukünftigen digitalen Markt zu meistern.

Lesen. Man darf sich nichts vormachen – so phantastisch es ist, Bücher digital zu verwalten – kein Regalplatz, grandiose Markier- und Lesezeichenwerkzeuge, Text-Kopierfähigkeit, diverseste Ordnungsmöglichkeiten, so eben doch noch relativ unangenehm ist das Lesen an sich. Neben dem Display ist ein Hauptgrund die Software, die nicht nur generell zu wenig typographisch einwandfreie Schriften bietet sondern eigentlich nur eine winzige Font-Auswahl mit zudem wenig Features. Wichtig wären mehr Schriften, Open-Type-Fähigkeiten und vor allem eine stärkere Möglichkeit für die Gestalter, auch bei textbasierten eBooks Designvorgaben zu machen. Also Schrifteinbettung, optionale Einschränkung der Fluidität des Content und feste Schriftgröße, Zeilenabstand usw (eine Art Designer- vs- Usermode wäre ja denkbar, bei dem ein Buch aussieht wie für das Device «geplant», der Nutzer aber davon abweichend natürlich individuelle Einstellungen vornehmen kann). Sinnvoll wäre eine Balance zwischen Designvorgaben und der Möglichkeit für den Nutzer, gezielt einzugreifen, anstelle des jetzigen Design-Vakuums, bei dem man als Designer in etwa so effektiv arbeiten kann wie im Web vor 10 Jahren. Ich würde gern als Designer eines eBooks gern typographisch und im Layout sehr viel mehr machen können als eine Art aufgebohrte Textverarbeitung. Der erste kleine Schritt hierhin wäre vielleicht eine Möglichkeit geben, eigene Schriften sicher und lizenzrechtlich einwandfrei einzubinden. Ein weiterer Schritt, zudem ein lukrativer, wäre eine kleine Applikation, die gezielt und absolut sicher nur eBooks gestaltet und in der Applikation bereits verschiedene Reader simulieren kann – eigentlich eine Goldidee für den App-Store. Ein Zwischenschritt wäre, PDF deutlich besser in iBooks zu integrieren – GoodReader zeigt ja, das Textauswahl, Markieren und Notizen auch in PDF schnell und einwandfrei funktionieren. So wie es jetzt ist, braucht es beim digitalen Buch keine Designer mehr, das kann jeder Verlagspraktikant (leider!) selbst – und so sehen die Ergebnisse noch aus. An die Schönheit eines gut gesetzten gedruckten Buchs kommt das elektronische Pendant nicht näherungsweise heran. Noch gilt also, dass das Archivieren von Büchern digital mehr Freude bereitet als das Lesen – und das sollte sich mittelfristig drastisch ändern, denn es ist so, als könnte man in iTunes Musik nur in 64 kbit /s und frei von Bässen und Höhen hören oder als könnte das Schlagzeug jedes beliebigen Albums sich nur auf die fünf Drumsounds von Garageband beschränken.

Adobe. Beim Stichwort Gestaltung – es ist ein wenig seltsam, dass man eBooks fast besser in ausgerechnet Pages «layouten» kann als in InDesign, das von zahlreichen kleinen Bugs und einem Adobe-typisch komplizierten Workflow geprägt ist. Auf dem Weg in die Bedeutungslosigkeit ist Adobe derzeit scheinbar dabei, alle sich anbietenden Möglichkeiten einer Re-Etablierung als wichtiger Softwareanbieter zu ignorieren. ePub, PDF und andereAusgabe-Formate (also auch non-Adobe-Formate wie mobi oder lit) sowie Magazine-Apps müssen leicht, mit einem gewissen Spaßfaktor und ohne zusätzliche horrende Kosten (wie derzeit bei Digital Publishing) als integrierte Features der Creative Suite angeboten werden. Ansonsten verliert Adobe in diesem Bereich ebenso wie zuvor bei Flash und HTML. Nachdem Dreamweaver und Flash rapide an Bedeutung verlieren, und der Macromedia-Zukauf insofern rückblickend verspielt wirkt, bleibt Adobe noch die Printgemeinde mit Illustrator, Photoshop und Indesign. Erstere werden inzwischen teilweise von preiswerterer und schnellerer Software ersetzt (z.B. Pixelmator), die zumindest für Nicht-Profis zu einem Bruchteil der Kosten 80% der Leistung liefert. Aber selbst aus professioneller Sicht ist zumindest der Geschwindigkeitsunterschied zwischen 64-bit Pixelmator und 64-bit Photoshop verblüffend, auch wenn um PS de facto fast kein Weg herum führt derzeit. Das Potential eigener iPad-Apps hat Adobe bisher nahezu vollends unterschätzt. Setzt sich dieser Trend ungebrochen fort, wird es Adobe in 5 bis 10 Jahren nicht mehr geben. Der Zeitpunkt war nie besser, die Adobe Creative Suite samt aller Funktionen und Lizensierungsmodelle, Preispolitik und Offenheit von Strukturen genau JETZT komplett neu aufzustellen und zu überdenken, mit einem kritischen Blick auf die Stärken von Adobe und die Zukunft von Designproduktion in Print, im digitalen Publishing (in all seinen Formen) und in der möglichst nahtlosen Zusammenarbeit mit Programmierern. Ride the Wave, Adobe, don’t drown in it.

Es ist eine langsame, schmerzhafte Revolution, die sich hier vollzieht – nicht nur aus Branchensicht, sondern eben auch aus Sicht der Nutzer. Was Not tut, ist Beratung und Kommunikation. Die Verlage und Anbieter müssen sich – über Berater, über Workshops, über Verbindungen wie den Börsenverein, an strategischen Orten wie der Buchmesse – schnell und ehrlich mit ihren Kunden und den Lesern kurzschließen und mutige Strategien entwickeln, die gleichzeitig langfristig und flexibel/schnell sein müssen. Wer dies tut, wer das Produkt am Abnehmer orientiert, wer seine Strategie an der wirklichen Zielgruppe – dem Käufer, nicht dem «Dieb» – orientiert, der wird überraschende Erfolge feiern. Zugleich brauchen wir auf der produzierenden und die Verlage beratenden Seite des Geschäfts bessere und standardisiertere Werkzeuge für e-Medien, die erwachsen und ausgereift sind und effizient in den Workflow hineinpassen und als Medium per se überzeugen. So interessant diese Zeit des Umbruchs, der Irrwege und Experimente ist, so teuer und anstrengend ist sie auch – es wird Zeit, dass das junge eBook zumindest in die Teenagerjahre kommt. Und der iTunes-Store allein kann auf Dauer nicht der einzige Weg sein, die Verlage können an Monopol- und Oligopol-Strukturen nicht interessiert sein. Nie war die Zeit besser – für Verlage, Produzenten, Vertrieb und Sortiment – sich auf eine gemeinsame Strategie entlang der Kundeninteressen zu einigen.

17. Juni 2011 08:09 Uhr. Kategorie Buch, Design, Technik. Tag , , , , , , . 13 Antworten.

X-Men: First Class

hd schellnack

Matthew Vaughan beweist nach «Kick-Ass» mit «X-Men: First Class» erneut, dass er eine Ader für Comic-Verfilmungen hat – und dies, obwohl der Film in fast jeder Hinsicht ein B-Movie ist, der sich über weite Teile stilistisch gegen die vorangegangene Trilogie stellt. Zwar gelingt es dem Regisseur – dessen Film auf einem x-fach umgeschriebenen Script basiert, mit allen noch spürbaren Phantomschmerzen zusammengekleisterter Handlungsreste, die das meist für eine Handlung mit sich bringt – inhaltlich weitestgehend ein solides Prequel zu Bryan Singers X-Men-Filmen zu produzieren, bis hin zu einem Gastauftritt von Hugh Jackman als Wolverine, aber in vieler Hinsicht fühlt sich «First Class» eher wie der Plot einer Fernsehserie an, wirkt bewusst preiswerter als viele andere Comic-Verfilmungen. Während derzeit etwa «Green Lantern» das CGI-Geprotze an die Schmerzgrenze treibt und damit einen fast unerträglich schrillen Film abgeben dürfte, wirkt X-Men über weite Strecken beinahe altmodisch und zurückhaltend. Keine oder kaum namhafte Darsteller, relativ billig wirkende Sets, wenige (und meist eher durchschnittliche) Computereffekte, kein 3D, ein deutlicher Fokus auf Handlung und Gruppendynamik – es fällt nicht schwer, sich diesen Film als Auftakt einer Fernsehserie vorzustellen, in denen schon aus Budgetgründen mehr auf Charaktere denn auf Effekte gesetzt werden muss.

Diese Verschiebung zur Seifenoper tut dem Film spürbar gut, denn schließlich sind auch die X-Men-Comics seit jeher nichts weiter als Teenagerdramen auf Stereoiden, großgeschriebene Adoleszenz-Fiktionen um Ausgestoßensein, Wut, Gangbildung, Aufbegehren gegen die Autoritäten, erste Liebe und den permanenten Kampf um Anerkennung. Während in der Comic-Welt dieses Spiel seit nun sechs Dekaden in mehreren monatlichen Publikationen läuft und die X-Men selbst zu einem kryptomilitärischen Komplex geworden sind, also selbst längst «Das Establishment» stellen, kann sich Vaughan, zumal er ja der Form halber bei Null anfängt, den Luxus erlauben, zu diesen Quellen der Serie zurückzukehren.

Er bedient sich dabei sehr frei vorhandener Ideen und Figuren aus dem Marvel-Unversum, sein Kunstgriff ist eigentlich eine fast postmoderne Zusammenrührung der ursprünglichen Ideen von Stan Lee aus den Sechzigern, des komplexeren Backgrounds von Magneto à la Chris Claremont und Scott Lobdell und der hyperstilisierten Ästhetik sowie einiger Figuren von Grant Morrison, dem vielleicht letzten Highlight der Franchise, der mit «New X-Men» vor inzwischen auch schon rund zehn Jahren kurzzeitig neue Energie in die Serie pumpen konnte. So stammen die Figuren Angel, der disneyfizierte Look von Beast sowie die Motorradfahrer-Outfits weitestgehend aus der Morrison/Quitely-Ära, die Holocaust-Geschichte um Magneto, aber auch der Hellfire-Club und Figuren wie Mystique und Banshee aus den Achtzigern – und all das hat Vaughan mit großer Freude am Retro-Kitsch in einen Mix aus Connery-Bond-Film und Mad Men in die Sechziger verpackt. Ein für mit der Comic-Mythologie vertraute Zuschauer ziemlich gewöhnungsbedürftiger Ansatz, der aber überraschend gut zusammenkommt.

Visuell wirkt der Film hierdurch ungewöhnlich konservativ und streckenweise sogar low-budget, wobei es ja auch in bisherigen X-Men-Verfilmungen bereits unfreiwillig komische Elemente gab. Hier sind es sicher das muppetsartige Beast, der Schlumpfine-Look von Mystique und Kevin Bacon kommentiert als Sebastian Shaw sogar unmittelbar im Kontext des Films, wie albern sein Anti-Telepathie-Helm aussieht. Wenn beim großen Finale die Proto-X-Men dazu noch weitgehend untätig am Strand herumstehen – offenbar hat der Drehbuchautor sie irgendwie einfach vergessen, die Regie konnte sie ja aber nun nicht einfach aus dem Bild verschwinden lassen – und sowohl Magneto als auch Professor X ihre Kräfte vor allem durch verzerrte Gesichtsausdrücke und angestrengte Gesten manifestieren, wird greifbar, dass in diesem Genre die spandexbekleideten Helden eben selbst das größte Problem sind. Was bleibt, wirkt eher wie eine überlange Folge von «Alias» und besticht vor allem durch die Einbindung der Kuba-Krise, die hier etwas nolens volens vom Ex-Nazi und Ober-Superschurken Shaw eingefädelt bzw stumpf herbeigezwungen wird, der aus dem nuklearen Holocaust eine neue Rasse von Homo Superior züchten möchte. Dass man solche Motivationen in der Tat selbst einem neuen Bond-Film wohl nicht mehr zumuten würde, liegt auf der Hand – dem nicht-comicerfahrenen Zuschauer müssen solche Figuren unfassbar kindisch vorkommen, während sie zugleich konfrontiert sind mit einer schier unübersehbaren Zahl an Figuren, die eigentlich nie wirklich richtig vorgestellt werden.

Ähnlich wie bei anderen Franchise-Verfilmungen (Harry Potter) ist es hier so, dass die Regie zugleich zu wenig und zu viel für die «Fans» arbeitet. Zu wenig, weil Hollywood von den Vorlagen abweicht und diesen nicht gerecht wird – zu sehr aber, weil ganze Handlungsstränge und Figuren als «bekannt» vorausgesetzt und bestenfalls skizzenhaft erklärt werden. Wie und warum sich «Emma Frost» in Diamant verwandelt, wer dieser rote Teufel im Film ist – all diese Fragen sausen unbeantwortet durch den Film und am Ende ist es zu viel der Überwältigungstrategie, zu viel rätselhaftes. Für die Fans aber, denen viel Augengezwinker und Andeutungen gewidmet sind, bleibt die Frage, ob man nicht einen anderen Film hätte machen können, der nicht Figuren aus 2000 in die 60s zurückkatapultiert und viele kleine Ungereimtheiten, die unnötig wären. Nicht zuletzt geht einiges an der Ironie der Evolution von Magneto verloren – die im Comic-Book glaubhafter war, da sie Dekaden dauerte und durch Retcons ja sozusagen «rückwärts», also retro-aktiv stattfand – vom Opfer des Faschismus zu jemanden, der selbst aus Wut und Trauer Genozid betreiben wird. Chris Claremont hat durch starke Eingriffe in die ursprüngliche Geschichte von Magneto eine seltsam gebrochene Figur geschaffen, einen Antihelden, der die Entwicklung vom Opfer zum Täter vieler Mißbrauchsopfer, vielleicht sogar leise Kritik am Staat Israel skizzieren könnte, auf jeden Fall aber deutlich vielschichtiger wurde als die meisten anderen Comic-Bösewichte es sind. Es mag dieses Vorwissen bei mir sein, vielleicht aber auch Michael Fassbenders souveränes Spiel einer mitunter etwas unglaubhaft auf zwei Stunden komprimierten Wandlung, die den Film sehenswert macht. Aus den vielen Themen, die die X-Men anbieten, pickt sich Matthew Vaughan eine der reichsten Minen – die Freundschaft und spätere Feindschaft zwischen Xavier und Lehnsherr, und er bereichert es um zusätzliche Nuancen, wenn etwa durch Magnetos Schuld Xaviers Wirbelsäule zerschmettert wird oder wenn er den familiären Hintergrund der beiden beleuchtet. Xavier als verzogenes weißes Oberklassekind und Magneto als Holocaust-Überlebender, die Frage, ob hier jemals eine Freundschaft wirklich funktionieren konnte, stellt Vaughan vielleicht leise, aber sie ist da.

Insofern gelingt Vaughan gelingt ein gemessen an den meisten anderen Versuchen in diesem Genre ein durchaus subtiler und gelungener Superheldenfilm, Popcorn-Kino das zumindest nicht gänzlich frei von einer Idee ist, kein wirklich guter, aber eben auch kein schlechter Film, der von seiner B-Movie-Energie profitiert und sich fast «fan-made» anfühlt. Aus den bisherigen X-Men-Filmen ist dieser ohne Zweifel zwar nicht der aufregendste, aber der solideste, der mit dem meisten Potential und der besten Geschichte. Die Ästhetik dieses Films zeigt, wie richtig die Entscheidung ist, Stoffe wie «Walking Dead» oder «American Gods» in Form hochwertiger Serien zu produzieren, und wie sehr auch die X-Men von dieser Form der dem Buch oder dem Comic näheren seriellen Erzählung mit Breaks für Werbung und Cliffhangern profitieren würden. «X-Men: First Class» ist insofern im besten Sinne auch ein Pilot für eine Serie, die wir allerdings wohl nie sehen werden, für die große Leinwand aber vielleicht einen Hauch zu «light».

15. Juni 2011 06:58 Uhr. Kategorie Film. Tag . Keine Antwort.

Fujitsu ScanSnap S1100

hd schellnack

Kein Zweifel – obwohl wir bei nodesign gerade auch gezielt bestimmte Prozesse wieder zum Papier zurückführen… etwa, indem wir nach wie vor Architekten-Zeichenrollen für Skizzen nutzen oder frisch ein großes offenes A3-Moleskine-Skizzenbuch für kollektives Brainstorming-im-Vorübergehen für alle Mitarbeiter eingeführt haben… wird das Leben immer digitaler. Neben den Büchern und der Musik verlieren auch die Dokumente ihre «Form», oder zumindest wird es wichtiger und einfacher, Papierdokumente auch elektronisch und mit Volltext-Suche zur Hand zu haben, anstatt in Ordnern zu wühlen.

Obwohl aber inzwischen ja immer mehr Korrespondenz ohnehin elektronisch läuft, gibt es immer noch Unterlagen und Rechnungen, die ganz klassisch auf Papier kommen. Neben der normalen Ordner-Ablage haben wir im letzten Jahr begonnen, die wichtigsten Papiere mit Evernote zu archivieren. Bisher bedeutete das aber immer, zu einem der Büroscanner zu gehen und per ScanDrop oder Apples eigenen Scan-Import nach Evernote zu importieren, was wenig unintuitiv war und – gerade wenn ansonsten auch viel zu tun ist – mal für Rückstau in den Ablagen sorgte. Das Problem an solchen Dingen ist aber, das man sie nicht tut, wenn sie nicht einfach, schnell, intuitiv und mit einem Hauch Spaßfaktor tun kann. Der ScanSnap S1100 ist eine perfekte Lösung für dieses Problem.

Gerade 28 cm breit und ansonsten nur um die 4 cm hoch und tief ist der Scanner ein Minimum an Technik – selbst aufgeklappt nimmt er auf dem Schreibtisch absolut keinen Platz weg, geschlossen wird er nahezu unsichtbar. Sobald man die vordere (etwas unsolide wirkende) Klappe öffnet, wird die Software auf dem Rechner wach (das Icon ändert sich von grün zu grau) und der Scanner ist sofort, ohne sonderliche Aufwärmphase, nach einem kurzen Surren scanbereit. Das Papier wird einfach frontal eingeschoben, was mit geknicktem oder dünnem Papier manchmal etwas frickelig sein kann – der Scanner schluckt dabei von der Visitenkarte bis A4 jedes Format problemlos und erkennt selbst, egal wo man das Papier einlegt, das Format. Mehrere Seiten lassen sich problemlos scannen, indem man einfach immer das nächste Blatt einlegt – für wirklich lange Dokumente ist natürlich ein richtiger Scanner mit Dokumenteneinzug besser, aber drei bis fünf Seiten lassen sich so wirklich völlig problemlos schnell wegscannen. Der SnapScan kann zwar kein Duplex – also nicht doppelseitige Dokumente vollautomatisch bearbeiten – hat aber eine recht brauchbare Lösung für ein so mobiles Gerät parat: Die oben aus dem Scanner erscheinende Seite kann sofort – falsch herum – wieder in den Scanner eingelegt werden und wird in der Software um 180° gedreht, so dass man relativ flott Vorder- und Rückseiten durchscannen kann.

hd schellnack

Überhaupt ist die Software das eigentliche Highlight des S1100 Ich war – und bin – skeptisch mit diesem Gerät, weil es den TWAIN-Standard nicht unterstützt, also wirklich nur mit der Fujitsu-eigenen Scannersoftware zusammenarbeitet. Andere Programme «sehen» den SnapScan nicht. Dieser proprietäre Ansatz scheint mir nicht sehr entwicklungs- und zukunftsoffen und macht den S1100 zu einer sehr geschlossenen Lösung, deren Nutzbarkeit enorm davon abhängt, wie schnell Fujitsu mit Updates ist und wie gut das Unternehmen auf Kundenwünsche eingeht. Dass die Software weder sonderlich gut aussieht – es sieht enorm nach schlecht portierter Windows-Software aus -, in den Details nicht immer ganz perfekt ist und zudem einiges an Speicher frisst (der ScanSnap-Ordner frisst 720 MB, für ein Scan-Programm generell schon etwas happig), gehört zu den deutlichen Nachteilen dieses Ansatzes.

Zu den Vorteilen hingegen gehört die Leistungsfähigkeit der Scan-Software. Egal, in welchem Format, egal in welcher Orientierung, egal an welcher Stelle des Scanners – eingezogene Dokumente werden analysiert und kommen mit überraschend hoher Treffsicherheit richtig erkannt aus dem SnapScanManager. Pre-Scans und Formateinstellungen sind unnötig, nahezu alles ist automatisiert. Dinge, die ich normalerweise bei einem Scanner verabscheue, die aber hier enormen Sinn machen für einen Desktop-Dokumentenscanner. Man kann eigentlich jedes beliebige Dokument unter A4 einlegen, die blaue Taste des Scanners drücken und sofort wird das Blatt durchgezogen – auch mehrere. Erst danach fragt die Software, was mit dem Scan passieren soll. Und die Möglichkeiten können sich sehen lassen für ein so relativ neues Gerät: Der Scan kann auf der Festplatte abgelegt werden soll, per Mail verschickt, direkt gedruckt, in Evernote eingefügt (als PDF oder JPG), zu Google Text&Tabellen, Word, Excel oder iPhoto geschickt oder per der integrierten Software CardIris von Visitenkarte zu VCF umgewandelt werden. Das Verschicken eines Dokumentes per eMail wird so zu einer enorm schnellen Angelegenheit – einlegen, Knopf drücken, an Mail senden, abschicken. Die Software erkennt automatisch, ob die Unterlagen eher farbig, grau oder s/w zu scannen sind, die «richtige» Orientierung wird bestimmt und in den meisten Fällen kommt ohne ein weiteres Eingreifen des Nutzers eine perfekte PDF mehrseitiger Dokumente in die Mail.

hd schellnack

In Evernote wird der Text vor dem Einfügen per OCR durchsucht – etwas redundant, da Evernote ja genau dieses Feature ja selbst bietet. Der User hat die Möglichkeit, dies abzuschalten und kann auch festlegen, ob Dokumente sozusagen nur «unsichtbaren» Text haben sollen (also durchsuchbar und Copy&Paste-tauglich, aber visuell immer noch «nur» ein Scan), oder ob das Bild komplett zu Text umgewandelt werden soll. Überhaupt sind nahezu alle Features abschaltbar und die Software ist relativ frei konfigurierbar – wobei tatsächlich die Automatik sich im Alltag sehr effektiv erwiesen hat. Es gibt zwar gelegentlich längere Dokumente, bei denen eine einzelne Seite farbig, alle anderen aber grau gescannt sind, aber das ist eher die Ausnahme als die Regel. Die OCR-Funktion scheitert an manchen Fremdsprachen, hat sich im Deutschen und Englischen aber als überraschend gut erwiesen.

Im Workflow würde ich mir wünschen, dass man mit einem einmal getätigten Scan adhoc mehrere Aktionen vollführen könnte – also Drucken und Mailen beispielsweise – vor allem aber wäre eine Art Dokumentenmanagement sinnvoll, in dem man die gescannten Seiten auf Wunsch selbst drehen, in der Reihenfolge anordnen und von farbig auf grau konvertieren könnte – in der Art wie ScanDrop es (sehr ansatzweise) anbietet. Tatsächlich wäre das ohne weiteren Zwischenschritt in das Interface zu integrieren und würde dem Nutzer eine zusätzliche Sicherheit bieten, wie ein Dokument final aussieht, bevor es archiviert oder verschickt wird. Man kann natürlich noch in der PDF an sich mit Acrobat herumwerkeln – aber das geht etwas gegen die eigentlich gedachte Einfachheit der ScanSnap-Lösung. Hier – bei aller Simplicity – etwas mehr Flexibilität zu bieten, täte der ScanSnap-Lösung sicher gut und wäre dem mit 179 € nicht ganz geringen Preis auch sicher angemessen.

Tatsächlich ist der S1100 nur im geringen Maße ein «richtiger» Scanner – und soll dies wohl auch nicht sein. Obwohl er 600 dpi liefert und wahrscheinliche eine Scanqualität, die an die meisten normalen Büroscanner aus Multifunktionsgeräten heranreicht, dient er weniger zum Einscannen von Photos oder hochwertigem Bildmaterial – mehr als eine Art Dokumentenkamera auf dem Schreibtisch oder (mit 350 g ist der S1100 ein Leichtgewicht) unterwegs. Es verwundert fast, das es keinen iPhone/iPad-Adapter und passende Scan-App dazu gibt, denn gerade für das iPad wäre der Scanner ein perfekter Partner. Bei allen kleineren Kritikpunkten ist der S1100 ein klarer Getting-Things-Done-Schatz auf dem Schreibtisch – selten hat es so viel Spaß gemacht, Papierstapel gar nicht erst entstehen zu lassen.

13. Juni 2011 15:29 Uhr. Kategorie Technik. Tag , . Keine Antwort.

Jonathan Safran Foer: Tree of Codes

hd schellnack

Die Idee an sich ist natürlich nicht neu – zahllose Arbeiten haben sich bereits mit dem «Entstellen» von Büchern durch das Ausschneiden von Testpassagen befasst und Brian Dettmers Buchkunst geht eigentlich noch einen bedeutenden Schritt weiter – aber dennoch ist Jonathan Safran Foers «Tree of Codes» ein Buch zur Zeit. Dabei ist es nicht einmal sein Buch – es basiert auf Bruno Schulz «The Street of Crocodiles» (selbst der Titel ist nur ein Cut-Out des Originals)– Foer selbst hat nur durch Weglassen von Textstellen den Kontext der Worte geändert. Diese alte Technik von Textremix durch Wegnahme, durch Reduktion ist wiederum nicht neu, erzeugt aber immer wieder spannende Ergebnisse. Es führt weniger zu einer Komprimierung, zu einer Essenz von Text, sondern mehr von der Prosa zur Lyrik, zu einem schwebenden, fragmentarischen Text, der neue Assoziationen zulässt. Ich habe etwas ähnliches – nicht mit Schere und Papier, sondern digital – vor einem Jahr für ein Saisonheft gemacht, um auf einer zweiten Textebene Songs, Sachtexte und Wikipedia-Artikel zu verfremden, und der Effekt, der durch bloßes Weglassen einen Text verfremdet und auflädt, ist enorm… irgendetwas in unserem Gehirn scheint von den «Löchern» in Text angezogen, aufgefordert, sie mit eigenen Inhalten zu füllen. Es wirkt ähnlich wie der berühmte weiße Kreis auf einem Photo, etwa auf einem Gesicht, der aus einem bloßen Photo ein Geheimnis macht, das wir zu decodieren versuchen. So wie unser Gehirn «weiß», das aus der Rückseite der 6 bei einem Spielwürfel die «1» ist, versucht es auch hier, die weißen Flecken auf der Landkarte selbst zu füllen – und dieses Spiel kann oft spannender sein, als einen Inhalt fertig vorgesetzt zu bekommen. Das Gehirn liebt Assoziationen, Herausforderungen, Spiel und die Notwendigkeit, aus wenig Informationen ein «Ganzes» zusammenzusetzen – und in diesem Sinne ist «Tree of Codes» ein bemerkenswertes Spielzeug.

hd schellnack

So entstehen Sätze wie: «Only a few people noticed the lack of colour as in black-and-white photographs. This was real rather than metaphorical – a colorless sky, an enormous geometry of emptyness…» Hat man sich einmal auf den fragmentarisch-tastenden Sinn der Worte eingelassen, entsteht aus dem Remix ein tatsächlich gut lesbarer Text, der in seiner kurzen, fast atemlos komprimierten Form zudem Lust auf das wahrscheinlich dagegen fast langatmig wirkende Original des polnischen Autors weckt – also durchaus eine ähnliche Funktion erfüllt wie ein Remix in der Musik, wenn ein Starremixer auf einen unbekannten Klassiker »verlinkt». Das Ergebnis ist eine gänzlich andere Geschichte – und durchaus auch literarisch ein interessantes Experiment… denn wo normalerweise ein Buch aus dem Nichts durch Aufschichten entsteht – wie ein Gemälde – ist dieses durch Wegnehmen, Wegschlagen, Abtragen entstanden… eher wie eine Skulptur.

hd schellnack

Zudem ist das Buch natürlich wunderbar sperrig. Es wird sich wohl kaum übersetzen lassen, ohne die Idee zu zerstören, es eignet sich nicht als Audiobuch, es eignet sich nicht für iBooks (außer evtl durch Schwärzungen), Kindle und Co. Es ist ein seltsames letztes Aufbegehren, das Buch als Objekt in dieser Form zu feiern, als physikalischen Ort von Worten, an die man Hand bzw. Schere anlegen kann, als Ort von Eselsohren und Randnotizen, mit dem spezifischen Gewicht, Geruch, mit einer vorgegebenen Schriftart, mit dem rauhen Werkdruckpapier, mit einem kunstvollen Cover, mit also der ganzen magischen «Gestalt» eben eines Buches… alles Dinge, die ein iPad nicht näherungsweise simulieren kann oder soll, auch wenn es durchaus Ansätze gibt. . «Tree of Codes» ist insofern auch ein Statement – ein Plädoyer für das Analoge, das Zerfallende, für das Fragile. Der Clou, das das individuelle Zerschnippeln von Papier natürlich bei einer Massenauflage zu einem aufwendigem Produktionsprozess führt, der das Buch alles andere als «nostalgisch» macht, sondern eher zu einem Stück High-Tech-Magie, ist dabei für den einzelnen Leser vielleicht sogar nebensächlich – der Leser darf sich in der Illusion wähnen, Safran Foer persönlich habe dieses Exemplar zerschnitten, jedes Buch ein einzelnes Werk. Es ist nicht wahr, aber es ist eine großartige Lüge.

hd schellnack

Das Ergebnis ist ein seltsames Buch-Objekt, das zugleich Kurzgeschichte, literarisches Experiment und Meta-Statement über Bücher an sich abgibt. Es ist wundervoll anzuschauen, es ist ein wenig anstrengend zu lesen – obgleich gerade durch das Abrutschen in eine tiefere Seitenebene mitunter neue spannende Kontexte entstehen, glückliche Mißverständnisse sozusagen -, und es erinnert uns in seiner ausgeschlachteten Form wie zerbrechlich Papier als Kulturträger eigentlich ist. Bei aller Liebe zum eReading ist es insofern eine schöne Erinnerung daran, dass uns Bücher auf Papier, diese aus Bäumen entstandenen Codeansammlungen, hoffentlich noch eine lange Zeit erhalten bleiben.

hd schellnack
hd schellnack

12. Juni 2011 09:28 Uhr. Kategorie Buch. Tag , . 2 Antworten.

Source Code

hd schellnack

The Quantum Leap
Für die deutschen Zuschauer kommt ein Aha-Moment erst am Ende des Films, wenn im Abspann als Stimme des Vaters von Colter Stevens Vater, obwohl niemals im Bild zu sehen, Scott Bakulas Name erscheint. Bakula gab in der Frühneunziger-TV-Serie «Quantum Leap» den Wissenschaftler Sam Beckett, der zwar nicht auf Godot wartet, aber durch die Zeit reist, indem er in den Körper eines anderen Menschen in einer anderen Zeit springt. Der Zuschauer sieht stets Bakula als Hauptfigur, egal in welchem Körper er steckt, erst ein Blick in den Siegel enthüllt in welchem Körper sich der parasitäre Zeitreisende eingenistet hat. Die Verbeugung vor dieser Vorlage, Die Bakula eben auch im übertragenem Sinne zum «Vater» von Duncan Kölns Protagonisten macht, lässt den phantastischen Ideenraub von «Source Code» einen Hauch weniger unsympathisch erscheinen – tatsächlich befreit die Tatsache, dass der technische Mumbojumbo des Films durch eine populäre TV-Serie und zig andere ums Thema Zeitreisen angelegte Popkultur-Meme (Star Wars, Lost, Dr Who und und und) längst vertraut ist, den Autor und Regisseur von der Aufgabe, sich auch nur ansatzweise mit der harten Technik hinter der Flmidee befassen zu müssen.

Umso beachtlicher ist es gerade angesichts der Vertrautheit der Thematik, wie zielsicher Jones es schafft, den Zuschauer im ersten Akt des Films weitestgehend zu verunsichern und ebenso aus dem Gleichgewicht zu bringen wie Coulter Stevens, den Gyllenhaal gerade zu Beginn des Films mit einer beachtlichen Mischung aus Verwirrung und Gereiztheit glaubhaft als «Man out of time» in jeder Hinsicht spielt. Diesen Balanceakt à la Hitchcock, in Situation anfangen, desorientieren, ein kafkaeskes Gefühl von Verlorenheit kommunizieren, kann man freilich aber nicht übe r einen ganzen Film durchhalten und so wird «Source Code» in dem Maße schlechter, in dem Gyllenhaals Figur selbstsicherer und routinierter wird. Wo der ja nicht ganz unähnlich angelegte «Groundog Day» besser wird, je länger der wunderbar stoische Bill Murray in seiner Zeitschleife lebt und sich ausprobiert, improvisiert, spielt, verliert «Source Code» zunehmend an Spielfreude und verkommt zu einem am Ende fast unerträglich berechenbaren Thriller ohne jede Spannung. Obwohl es phantastische Details gibt – wie etwa die Tatsache, dass Jones uns faktisch ganz fair zu Anfang des Films einen realen, plausiblen Hinweis auf die Lösung gibt und seinen Täter nicht völlig beliebig aus dem Hut zaubert – ist der Film am Ende so brutal auf Happy End gebürstet, dass man sich unwillkürlich fragt, ob ein derart unverschämt dreistes Drücken auf alle Knöpfe des Publikums nicht schon wieder eine besonders hinterfotzige Art ist, mit den Erwartungshaltungen des Publikums zu spielen. Es ist ein seltsamer Dreisprung – der Regisseur weiss, dass das Publikum bei einem Blockbuster meist. Ein Happy End erwartet, weiss, dass dass Publikum genau deshalb eben kein Happy End bei ihm erwartet und überrascht dann eben mit einer Standard-Lösung, die die Zuschauer so simpel nicht erwartet hätten. Es mag für den Film an sich enttäuschend sein, aber den Regisseur als solchen macht es unberechenbarer, freier. Vielleicht hat das Happy End aber auch einen tieferen Grund…

Strangers on a Train
«Source Code» erinnert visuell aber auch strukturell stark an klassische Hitchcock-Thriller. Stevens ist der klassische Hitchcock-Protagonist, der zunächst ohne Begründung in einem laufenden Plot gefangen ist, durch eine Verwechslung etwa, und der in diesem Kontext seine wahren Werte zeigen kann und muss. «North by Northwest» von 1959 – seinerzeit ein Inbegriff von Blockbuster-Kino – ist ein Paradebeispiel für diesen Typus Thriller und so ist es nicht nur die Handlung in einem Zug, sondern auch die gesamte narrative Struktur, die an den grossen Meisterregisseur erinnert. Und dazu gehört, selbst wenn Hitchcock damit selbst nicht immer glücklich war, eben auch ein positives, affirmatives Filmende ebenso wie die Grace Kellys kühlen Charme mühelos überbietende Vera Farmiga.

«Source Code» zeigt Jones als makellosen Stylisten mit einer allerdings schwachen Story, der ab der Mitte des Films zusehends die Luft ausgeht und die zu einem eher schwachen TV-Thriller degeneriert. Selbst das Finale des Films wirkt wenig überraschend, obwohl es wohl so gedacht ist… das Stevens’ Eingriff in den Lauf der Dinge eine parallele Realität ergibt, sozusagen dien Art Dimensionenwechsel, in der er paradoxerweise jetzt zweimal existiert, dürfte jedem SF-Leser, aber auch dem beiläufigen Lost-Zuschauer nicht aus den Pantinen kippen, zumal Jones dieses Ende bereits quasi per SMS vorwegnimmt und damit berechenbar macht. Dennoch – stilistisch und handwerklich ist die erste Hälfte des Films ein ebenso makel- wie atemloses Stück Thriller und das Ende zwar eher brave Hollywood-Kost, aber dennoch nicht unter dem Niveau vergleichbarer anderer Filme. An die morbide, wunderbare Perfektion von Moon kommt Duncan Ones hier nicht wirklich heran, zeigt dafür aber vielleicht auch eine sehr grundlegende Vielseitigkeit und Einsetzbarkeit als Regisseur auch für Mainstreamfilme, insofern erinnert «Source Code» vielleicht gar nicht zufällig an «The Game» mit diesem Flair eines hochkreativen Regisseurs, der hier einfach mal einen Film nach den Regeln dreht und der eben auch wie andere etablierten Namen wie Fincher, Abrams oder Cuaron in Zukunft zwischen Mainstream-Projekten und kleineren eigenen Filmen pendeln könnte. Hoffentlich mit Erfolg, den Jones ist genau die Sorte Regisseur von dem ich gern eine Verfilmung von «The Man in the High Castle» sähe.

9. Juni 2011 09:26 Uhr. Kategorie Film. Tag . Keine Antwort.

William Gibson: Zero History

hd schellnack

Während unzählige Bücher mehr und mehr versuchen, die Gegenwart zu verstecken und spürbare Schwierigkeiten damit haben, Belletristik für eine Welt mit Smartphones, Facebook und Google zu schreiben, ist William Gibson einer der wenigen Autoren, der nicht in in romantische Vampir-Fantasien oder introspektive Charakterstudien ausweicht, sondern die Welt von vitalem Marketing, Pop und Hightech förmlich umarmt, um daraus seine komplexen Geschichten zu handwerken. Dabei gelingt ihm eine neue Form von Erzählung, die schon längst kein Genre mehr bedient, in der «normalen» Literatur ebenso zuhause ist wie im SF, im Krimi oder auch im Agentengenre. Und während eben all diese Genre (paradoxerweise allen voran eben die Science Fiction) an der hochtechnisierten Gesellschaft scheitern, betritt sie bei Gibson die Mitte der Bühne. Wer sich erinnert, wie oft etwa bei den X-Files zum passenden Zeitpunkt das Mobilfunknetz ausfallen musste, damit der Plot nicht in sich zusammen brach oder wer sich fragt, wie Chandlers Art von rabenschwarzer Detektiv-Erzählung heute, in Zeiten von Google, funktionieren soll, wird in Gibson die Antwort finden. Wo andere Autoren vor der technisierten Realität flüchten, war Gibson schon immer in ihr daheim – nur muss er heute nichts mehr mit Science Fiction ummanteln – seine Realität ist längst SF geworden, oder umgekehrt: Die Wirklichkeit hat seine Bücher eingeholt. Wenn Gibson heute von silbrig schimmernden fliegenden Pinguinen und Mantas schreibt, die als Ballons lautlos in der Luft schweben, vom iphone ferngesteuert, und als Überwachungssysteme funktionieren, ist man mit einigen Google-Klicks schnell bei Festo gelandet und stellt fest, dass hier nichts erfunden ist, sondern Gibson nur die etwas seltsameren Momente von Gegenwart für sein Buch nutzt, vernetzt und zu einer neuen Gestalt formt. Smartphones, Flughäfen, die internationale Kunst- und Modeszene, Celebrity-Leben, das Post-9/11-AgentenRevival, Twitter, Anti-Branding und virales Marketing sind nur einige der vielen Zutaten unserer Zeit, die Gibson virtuos zu einem Spiegelbild unserer Wirklichkeit amalgamiert, das über diese Wirklichkeit hinausweist und sie zugleich präzise abbildet. Gibsons Bücher funktionieren wie diese verzerrten Kirmes-Spiegel, wir sehen unseren Alltag seltsam verzerrt und verwirrend darin, sie ziehen uns den Boden unter den Füßen weg und finden die Dystopia nicht im großen gesamtgesellschaftlichen Untergang sondern vielmehr in den Abstrusitäten des spätkapitalistischen Alltags. Gibsons Leistung ist, dass wir uns in diesem Spiegelbild klarer und wirklicher sehen, dass seine Verzerrung ehrlicher ist als jeder normale Spiegel es sein könnte, konzentrierter und klarer.

«Zero History» darf nach dem dem etwas maueren «Spook Country» als ein meisterhaftes Buch gesehen werden, das die Energie und Komplexität, das globale und federleichte von Gibsons vielleicht bestem Werk, «Pattern Recognition», mühelos aufgreift. Tatsächlich ist das Buch gerade zu Anfang ein Genuss, weil man beim Lesen deutlich spürt, dass der Autor kein Ziel im Sinne hat, keinen Plot, keine Handlung im engeren Sinne, sondern einfach nur Konstellationen auf seinem Spielbrett erzeugt und selbst überrascht wirkt, als die Handlung sich aus dieser Figuration wie von selbst ergibt. So wirkt «Zero History» anfangs etwas unfokussiert – gerade dadurch aber brillant -, um im letzten Drittel dann derart Fahrt aufzunehmen, dass man sich (ganz Gibson-untypisch) in einem Hollywood-Thriller wähnt. Alle Charaktere sind so glaubhaft, so detailliert gezeichnet, bei aller Extravaganz, das man auch nicht aus der Kurve geworfen wird, wenn plötzlich der Hollis Henrys Ex Garreth auftaucht, der sich beim Hochhaus-Diving fast ums Leben gebracht hätte und der nun dine Art Hightech-Kur für Seinfeld Bein durchläuft. Die Kunst des SF-Autors ist vielleicht, die Abstrusitäten des modernen Lebens entspannt-plausibel beschreiben zu können, weil er das bereits an der noch einen Hauch absurderen Gesellschaft von Büchern wie «Count Zero» oder «Mona Lisa Overdrive» üben konnte. Wahrscheinlich brauchen wir einen Schriftsteller, in dessen Phantasie virtuelle japanische Popstars aus 3D-Druckern in die echte Welt rübermachen, um eine plausible Gestalt aus der Gegenwart zu destillieren. Man fragt sich, ob nicht auch Philip K Dick heute längst lieber über den Wahnsinn in der Normalität schreiben würde, anstatt über Parallelwelten.

Bei Gibson wird insofern greifbar, dass wir längst in einem Science-Fiction-Szenario leben – und manche seiner direkt aus den News gezogenen Details – wie etwa der Sammler-Boom im Bereich Vintage Clothing – wirken kaum weniger bizarr als Dicks seltsame und konsequente Gedankenexperimente mit Welten in denen die Zeit rückwärts läuft oder höchste politische und wirtschaftliche Entscheidungen mit dem I Ging getroffen werden. Das latente Gefühl, in einer hochgradig bizarren Wirklichkeit angelangt zu sein, ist bei der Lektüre von «Zero History» manifest. Umgekehrt ist man entsprechend wenig schockiert, wenn SF-Dystopiaschocker-Material wie eine tote Strahlungszone rund um ein nukleares Desaster fast schulterzuckend zur Normalität wird und man zur Tagesordnung übergeht. Strange Days.

«Zero History» ist unter diesem Aspekt – aber nicht nur unter diesem – ein herausragendes Buch. Gibson ist ein begnadeter Beobachter, der fast poetisch-nüchtern aus kleinen Details eine Textur, eine spürbare Vorstellung von Komplexität erschaffen kann und der dieses hyperrealistische Bühnenbild dann mit faszinierenden, schillernden Charakteren, die so outlandish wie glaubhaft sind bevölkert. Eine Welt voller Ex-Agenten, Extremsportler, Has-Been-Popstars, einer Gilde von Motorradkurieren, Technokraten und Vermarktern. Also wahrscheinlich die Welt, in der sich Gibson selbst oft genug bewegt, und die wir eigentlich jeden Tag entdecken können… wenn wir nur die Augen aufmachen.

16. Mai 2011 18:47 Uhr. Kategorie Buch. Tag , . 2 Antworten.

Katzenjammer live Zeche Bochum

hd schellnack

Es ist für mich immer wieder überraschend, wie unberechenbar voll oder leer Konzerte sind. bei Bands, wo ich mit ausverkauftem Haus rechne, ist man unter sich, bei anderen Acts ist die Bude überraschend gerammelt voll – so auch hier bei Katzenjammer, in einer recht ausverkauft wirkenden Zeche, in der sich ein Publikum tummelt, das ich so gemischtesten gesehen habe. Vielleicht ist dieser Mix der Grund, warum das Publikum zwar frenetisch applaudiert, mitsingt und offenbar bester Laune ist, aber im Grunde kein bisschen tanzt oder mosht, obwohl ich das durchaus schon bei Bands erlebt habe, wo die Musik weniger zum gegenseitigen anrempeln einlud als hier. Vielleicht liegt es auch daran, dass man so von den Treiben auf der Bühne hypnotisiert ist, dass man nicht durchs Tanzen wertvolle Sekunden aus dem Blick verlieren will, denn das norwegische Quartett liefert eine Art «Reise nach Jerusalem mit Instrumenten» ab, wodurch nahezu jede der Musikerinnen jedes Instrument einmal spielt, nur Anne Marit Bergheim bleibt dem Schlagzeug fern, das meist dann doch von Solveig Heilo bedient wird, die sich charmanterweise dabei jedes mal die hochhackigen Stiefel an- und ausziehen muss und die am Schlagzeug meist nebenbei mindestens noch in zweites Instrument mit bedient, sei es Glockenspiel, Akkordeon oder Trompete. Bei so viel Multi-Instrumentalismus wird trotz Musikstudiums natürlich nicht jedes Instrument mit der gleichen Virtuosität bespielt, aber das tut dem Soundmix der Katzenjammer Kids keinen Abbruch, im Gegenteil, das Unperfekte, dafür aber umso energischere passt perfekt in den musikalischen Reisekoffer der Band. Denn das Spektrum kann im Konzertverauf durchaus mehr beeindrucken als das ja ohnehin schon überzeugende 2008er Debüt «Pop» vermuten lässt. Neuere Tracks wie God’s Great Dust Storm und Lay Marlene zeigen die Combo jenseits der reinen Gutelaunemusik als herausragende Sängerinnen, die mit den geringste Mitteln Gänsehautstimmung erzeugen können oder Swamprock-Stimmung herbeizaubern können, um im nächsten Moment Country oder Balkangrooves heraufzubeschwören.

Das alles geschieht mit einer wirbelwindigen Freude an der Arbeit und einer so gekonnten Animation des Publikums, das man fast Angst hat, auf ein zweites Konzert zu gehen, denn so gut wie beim ersten Mal, wo alles noch echt und gestellt und spontan wirkt, ist es dann ja nie mehr wieder. Was die Sache aber über alle Maßen glaubhaft macht ist das jedes Mitglied der Katzenjammercombo von Anfang bis Ende ein breites Grinsen im Gesicht batike tatsächlich spürbar gern auf der Bühne steht, was man ja beileibe nicht über jede Band sagen kann, die sich oft genug nur noch von Gig schleppen und ihr Publikum insgeheim oder offen verachten. Es ist vor allem diese Freude, die die herausragende musikalische Arbeit durchdringt und überstrahlt und ehrlich macht – das hier, so will es scheinen, ist Popmusik in diesem magischen Moment vor dem Ausverkauf, bevor es nur noch um Singles und Charts und Interviews geht und bevor die bleierne Müdigkeit der Tour sich über alles legt, bevor man in der Enge eines Nightliners entdeckt, dass man sich eigentlich nicht riechen kann. Das hier ist der magische Moment einer jungen Band in einem fremden Land vor einem vollen Haus und der Glaube daran, dass man mit der eigenen Musik andere Köpfe in Brand stecken kann. Das hier ist also das, was wir sehen und erleben wollen, wenn wir zu einem Live-Konzert sehen

Bemerkenswert ist dabei vor allem auch der unfassbare Klang der Band. Ich kenne Bands, die – egal wie groß oder klein die Venues sind, in denen sie auftreten – nahezu verlässlich beschissen klingen und das über Jahre hinweg und ich kenne Bands, deren Sound gerade mal so «serviceable» ist, aber wenig mehr, in denen der Soundman während des Konzerts nicht stattzufinden scheint. Nicht so hier. Schon nach wenigen Klängen des Warm-Up-Act Unni Wilhelmsen, die zum grossen Finale noch einmal mit auf die Bühne kam, ist klar, dass der Tonmann weiß, was er tut und die einzelne Dame auf der Bühne mit geschickten Delay- und Halleffekten perfekt «gross» klingen lässt. Und auch in dem wilden Klanggewusel von Katzenjammer, in einer Flut von analogen Instrumenten, einem permanenten Wechsel von Sounds, verliert der Sound nie den Überblick, alles bleibt transparent und klar, Effekte kommen perfekt auf den Punkt und die Einzelleistungen summieren sich zu einem enorm kraftvollen Klang, den man so nur live fühlen und hören kann und den man auf keiner Aufnahme der Welt einfangen kann, wo jeder Basston dich trifft und vier Stimmen zu einer werden.

Ein interessanter Aspekt der Überalterungsgesellschaft ist das im Publikum teilweise Leute stehen, die deutlich über 50 oder 60 sind (und es auch ein paar Kinder gibt). Ich denke, das wird seltsamerweise normaler werden. Die Leute, die in den 70ern Postrock oder Punk gehört haben oder in den 80ern Wave und Goth steigen ja nicht alle auf Robbie Williams und WDR2 um, sondern werden auch heute noch Alternative hören und entsprechend zu Konzerten gehen. Ich sehe das in letzter Zeit immer öfter und es ist ein spannender Trend, weil gesellschaftlich ja eigentlich kam ausgetestet ist, was es bedeutet, wenn Rockkultur «alt» wird. Hier, zu dieser Musik, die sich auf alte Wurzeln berufen kann und die zugleich so naiv-jung-frisch klingt, passt genau dieser Brückenschlag perfekt, es ist die Musik zu der ältere Damen ihre goldarmbandbehängten Arme in die Luft werfen nach etwas Wein und zu der Kids herumhüpfen, Musik die keine LED-Wand und keine Lasershow braucht und die vielleicht gerade als Kontrast zu der gleichzeitig in Düsseldorf laufenden Riesenproduktion, die ja eher gänzlich ohne musikalischen Inhalt auskommt, daran erinnert, worum es bei der ganzen «Live»-Sache eigentlich geht… um Menschen, die zusammenkommen um zu feiern.  

(weiterlesen …)

18:37 Uhr. Kategorie Musik. Tag , . Keine Antwort.

Adobe goes iPad

hd schellnack

Ganz generell ist man ja schon fast dankbar, dass Adobe das iPad überhaupt zur Kenntnis nimmt. Jenseits einer eher mauen Photoshop-Express-Version, deren Funktionsumfang nur durch das «Gratis»-Preisetikett zu rechtfertigen ist, scheint der Zwist zwischen Adobe und Apple so tief zu gehen, dass Adobe hier anscheinend einen ganzen Markt verpennt, in dem andere Firmen mit Bildbearbeitung, Filtern und auch den ersten Vektor-Zeichentools durchaus Fuß fassen. Zwei Jahre nach dem Release des iPad gibt es nichts ernsthaftes in Sachen Creative Suite, was auf dem iPad funktioniert – obwohl ich es für durchaus denkbar halte, via Dropbox eine App mit Indesign so zu verzahnen, dass man zumindest Texte und leichte Grafikkorrekturen machen könnte.

Als ersten Schritt in Richtung Apple kommen nun drei Apps von Adobe, die eigentlich ebenso gut auch eine App hätten sein können, dürfen und vielleicht müssen, mit denen man nun ein bisschen Fingermalen darf, Farben anmischen kann und eine Art rudimentäre Fernbedienung für die Werkzeugleiste. Die ersten beiden bringen mir ehrlich gesagt relativ wenig – zumal das Malen mit bloßen Fingern auf dem iPad vielleicht bei David Hockney zu guten Ergebnissen führt, bei mir ist der Finger als Werkzeug nur bei kühlen klimatischen Bedingungen ein geeignetes Mal- und Schreibwerkzeug, wobei das ja mit dem Stift umgehbar ist… nur kann ich dann auch direkt mit dem deutlich überlegenen Intuos direkt in PS arbeiten.

Was «Nav» angeht, so ist inzwischen der Wow-Effekt der Kommunikation zwischen einer Desktop-Applikation und einer iOS-App via WLAN relativ verflogen in Zeiten, wo ich über 3G von jedem beliebigen Ort per Screens meinen ganzen Rechner fernbedienen kann. Das User Interface ist grässlich, die Funktionalität erinnert an eine Amateur-AIR-App. Und was es tatsächlich bringt, abgesehen von einem rasant leergesaugten Akku, ist minimal, weil ein Switch zwischen Werkzeugen oder das Öffnen von Bildern zumindest bei mir schneller und natürlicher über die Tastatur stattfindet – oder zur Not auch per Maus, die man ja eh in der Hand hat und auch in der Hand haben muss, weil «Nav» wirklich nur den Wechsel zwischen Tools erlaubt, nicht aber ihren touchscreenbasieren Einsatz (à la Wacom Cintiq). Der Zusatznutzen von «Nav» eröffnet sich mir insofern eher nicht.

Und hier zeigt sich ein Wandel, den es seit einiger Zeit spürbar gibt, den aber der App Store sehr greifbar und konkret macht – das Ende der großen Software-Anbieter. Ungeachtet der Logistik-Stärken, die eben das Internet als Vertriebsweg zunehmend unwichtig macht, ungeachtet der gefüllten Kriegskassen für Zukäufe von bestehenden Firmen… Microsoft, Adobe und Konsorten schwächeln angesichts eines ätherisierten Verständnisses von Software, das so völlig anders ist als noch vor zehn Jahren. Apple ist die eine noch bestehende Ausnahme, weil sie durch eine glückliche Fügung so viele Standbeine haben, dass die Software halt mitlaufen kann beziehungsweise von den Spielbeinen beflügelt wird, etwa durch die Präsenz im Appstore, und weil die Firma mit Produkten wie Garageband oder Pages/Keynote relativ schnell auf das ja eben eigene Produkt iPad reagieren konnte, während es immer noch kein «Office 2011» für iPad gibt, außer indirekt eben von Drittanbietern. Wobei man sich nichts vormachen darf – nahezu alle Software-Launches der letzten Zeit von Apple hatten Probleme, die auf die Firmengröße rückführbar sind.

Aber generell hat das Web – und die Appstores – die Vorteile großer Softwareanbieter weggewischt, egalisiert. DVD-Brennwerke, Packagedesign – alles egal. Mit einer passablen Website, etwas Eigen-PR via Twitter und den üblichen Gadget-Blogs, Mundpropaganda und gutem Support kann eine gute Software von einer winzigen Firma über Nacht zum Erfolg werden und Standards setzen (und genau so schnell durch die nächstbessere Lösung obsolet gemacht werden). Die Applikationen, die ich auf dem iPad, aber eben auch auf dem Desktop-Rechner zunehmend verwende, stammen von kleineren Anbietern, oft Ein-Mann-Firmen. Das ist ein großer Umbruch in der Entstehung und im Vertrieb von Programmen, der mir derzeit auch unumkehrbar scheint. Und er macht Sinn, wenn man sich die Preise ansieht. Adobe und Microsoft nutzen eine – vor allem bei MS schwindende – Monopolstellung, um überzogene Preise durchzusetzen, und verpassen dabei, wahrzunehmen, wie sehr ihr Monopol wankt. Längst wirkt die Creative Suite so überfrachtet, unnötig kompliziert und schlecht zusammenpassend (während an anderer Stelle wieder an bestimmten Features durchaus eher fehlen), dass es eigentlich nur eine Frage der Zeit ist, bis bessere Alternativen emergieren, so wie Indesign Quark ersetzt hat. Die Entscheidung, iPad-Publishing mit einem hohen Preis als Online-Modell zu realisieren, wird sich hier langfristig als großer Fehler erweisen, ebenso die schlechte Content/Form-Verzahnung bei Indesign. Adobe reagiert nur langsam und schlecht auf Veränderungen im Webdesign und hat Dreamweaver und Flash förmlich verkommen lassen und schlägt selbst aus der Tatsache, mit PDF und SWF zwei grandiose Formate in der Hand zu haben, kein großes Kapital mehr, was an ein Wunder grenzt. Microsoft hat es in zehn Jahren nicht geschafft, aus dem Dauerbrenner Powerpoint auch nur näherungsweise ein vernünftiges Präsentationswerkzeug zu machen, es fühlt sich immer noch an wie Textverarbeitung 1990.

Auf der anderen Seite bieten namenlose Firmen smarte, sehr gut programmierte Tools an, die verblüffend liebevoll gemacht sind und im Alltag exzellente Arbeit leisten. Von welchem Ende der Welt diese Programme dann kommen, ist fast egal, und es ist fast egal, ob es iOS oder OSX-Programme sind, zumal diese künstliche Trennung in den kommenden Jahren sicherlich zunehmend verschwinden wird. All diese kleinen und großen Programme – Reeder, Writings, Byword, FocusWriter, Drops, Forklift, Omniplan und -focus, ComicZeal, iThoughts, TotalFinder, Alarms, GrandTotal, Frizzix, Saldomat, CopyPaster, iOutbank, Screens und und und – stammen von kleinen Firmen und selbst Größen wie Dropbox oder Evernote fühlen sich «klein» an gegen Microsoft und kommen eben mit wachsender Größe an bestimmte Grenzen. Denn gerade bei den kleinen Apps wird klar, wie schnell und reaktiv Updates sein können. Wenn etwa ein Zevrix-Plug-In wie LinkOptimizer ein wichtiges Feature vermissen lässt, reicht eine freundliche Frage und das nächste Update zwei Tage später kann’s. Es ist ein fast surreales Erlebnis in Sachen Service, wie freundlich und offen kleine Firmen für Anregungen sind – und wie klar sie aber auch wissen, was für sie nicht machbar oder gut wäre. Es ist ein extrem faires Modell – und zugleich übrigens der beste Schutz gegen Raubkopie. Von anonymen Großfirmen überteuerte Software «klauen» ist ja vielleicht eine Sache – aber bei kleinen Machern ist schnell klar, dass nur über Verkauf und faires Miteinander eine Pflege und ein Fortbestehen des Programms gegeben ist. Es entsteht so eine vergleichsweise faire, aber kleinere Mikrostruktur, die ein wenig an den Selbstvertrieb von Musik erinnert und es ist nicht ohne Grund, dass Kickstarter auch für Software eine Plattform sein kann. Während es für Monolithen wie Microsoft strukturell fast undenkbar war (und ist), halbwegs direkt mit Endverbrauchern in Kontakt zu kommen, suchen die jüngeren Entwickler diesen Kontakt vom ersten Moment an. Man muss kein Prophet sein, um in diesem Modell ganz generell eine Zukunft für kreative Leistungen aller Art zu entdecken – Musik, Bücher, vielleicht sogar Design und Architektur. Weg von den Moloch-Strukturen, hin zu projektgerechten und engagierten Größen, die ein one-on-one ermöglichen. Ich habe beispielsweise nie verstanden, warum so viele Auftraggeber in der Architektur mit Foster zusammenarbeiten, wo doch klar ist, dass Sir Norman mit der Firma, die seinen Namen trägt, nicht mehr allzuviel zu tun hat und man eigentlich einen Finanzdienstleister beauftragt, dem es primär ums Geld geht und dessen große Struktur man schlicht mit bezahlt. Entsprechend habe ich mich gefreut, dass Google mutig genug war, anders als Apple, nicht auf die übliche Foster-Lösung zu setzen, oder einen der sehr großen US-Architekten zu nehmen, sondern das vergleichsweise kleinere Büro Ingenhoven zu beauftragen, wo eine viel individuellere Zusammenarbeit machbar ist. Das ist eine richtige Entscheidung. Analog bin ich immer geknickt, wenn wir in Pitches gegen Metadesign oder JvM verlieren – Büros, die gar nicht in Pitches gegen uns bzw wir gegen sie spielen dürften -, durchaus auch bei Jobs, wo das Budget solche Großagenturen gar nicht hergibt. Nicht, weil uns ein Auftrag entgeht (es kommt ja immer etwas anderes rein), sondern weil es für den Auftraggeber, mit dessen Problemen und Zielen man sich ja intensiv identifiziert hat im Rahmen einer Lösungsfindung, die falsche, nur vermeintlich «sichere» Lösung ist. Entsprechend mies ist das, was dabei meist am Ende rauskommt.

Der traurige Stand der Dinge bei Adobe belegt, dass ein Ende der «Big is beautiful»-Ära präsent auch in der Softwarebranche angekommen ist. In Zukunft werden sich große Strukturen zunehmend fragen müssen, ob man sie noch braucht. Digitaler Direktvertrieb und das Internet machen es möglich, klein anzufangen und nach Bedarf atmend zu wachsen, sich selbst zu vermarkten. Auf diesen Power Shift in dem Verhältnis zwischen Musikern und Labels (die ja inzwischen mehr Kreditgeber sind) oder Autoren und Verlagen, zwischen Programmierern und Salesmen, ist die Industrie offenbar kaum vorbereitet, auch wenn ich sicher bin, dass in den Strukturen smarte Leute längst die Alarmglocken läuten. Was soll einen Autor noch abhalten – ob Newcomer oder Bestsellerschreiber – seine Werke mit geringer Startinvestition direkt via iBooks oder als App zu vertreiben? Sobald Apple den «Independants» die Tore öffnet wird es den größten Umbruch in der Verlagswelt geben, den man sich vorstellen kann. Mit dem AppStore ist dieser Umbruch – prägnanter noch als in der letzten Dekade per Direktverkauf online – längst im Softwarebereich vollzogen. Größe spielt (fast) keine Rolle mehr, Service, Tempo, Qualität sind entscheidend – und gute Bewertungen, die daraus resultieren.

Adobe täte gut daran, sich schnell und konsequent auf diese neuen Verhältnisse einzustellen, kleiner, fairer, schneller zu werden und sich vom Marketing wieder auf die Programmierung zu refokussieren – denn die Marktmacht des Giganten wird zunehmend unwichtig. Die ja immer noch recht gute Softwarebasis gilt es aufzubauen, auszubauen, reaktiver zu bekommen und für neue Plattformen umzusetzen. Ansonsten wird der Tag kommen, an dem der Preisunterschied zwischen Photoshop und sagen wir Pixelmator nicht mehr zu rechtfertigen ist. Und sich die Frage stellt, ob man iPad-Newsmags wirklich noch mit Indesign layouten will oder ob es nicht eine integrierte, viel bessere Lösung eines kleinen Anbieters gibt, die im Endeffekt besser funktioniert. Und auf diese Frage hat Adobe derzeit keine überzeugende Antwort, leider.

10. Mai 2011 17:32 Uhr. Kategorie Technik. Tag , , , . 2 Antworten.

Brauchen Menschenrechte ein Logo?

Auf dem Fontblog, dass ich ja noch lese, ist eine seltsame Debatte um eine Marketeing-Aktion des Crowdsourcing-Designanbieters jovoto entbrannt. Einfach als Memo an mich selbst will ich fix ein paar Eindrücke notieren, die das ganze ausgelöst hat.

Marketing vs. Blog
Fontblog ist eine Marketingplattform für Fontshop und damit für Erik Spiekermann. Deshalb werden dort natürlich oft Projekte und Leistungen von Erik und seinem Umfeld – Ex-Metadesignern etwa – und aus dem Netzwerk von TypoBerlin und Fontshop publiziert und auch die Arbeiten von MetaDesign der Öffentlichkeit vorgeführt, oder vielleicht aufgrund der geschichtlichen Beziehung zwischen Meta und Erik, auch leicht süffisant vorgeführt, da bin ich mir nicht immer so sicher. Das ist völlig okay so, aber manchmal würde ich mir wünschen, es wäre mehr als eine Art Presseplattform, oder zumindest in dem Sinne, dass ich dort auch von KMS oder Mutabor oder Borsche usw. lesen würde. Entweder hält man sich damit zurück, jedes dritte CD von Meta zu zeigen und jede (stets verdiente) Ehrung von Spiekermann zu promoten, oder man muss die Bandbreite erhöhen und auch mal außerhalb der eigenen Buddy-Liste Arbeiten zeigen. Ansonsten ist mir schleierhaft, warum das BOEV-Logo von Meta vorgestellt wird, aber nicht ein Logo, das meinetwegen Magma oder Hesse gerade gemacht haben. Andere Blogs kriegen das ja auch hin. Hier ist ein Blog, das eine lebendige Chance auf Designdiskurs hat und irgendwie mutiert es aus meiner bescheidenen Sicht mehr und mehr zu einer sehr subjektiven und sehr eng definierten Sache, was ich persönlich etwas schade fände.

Diskurs vs. Rechthaberei
Für mich persönlich hat das Fontblog als Diskussionsplattform, die mir Spaß macht, und die ich lange gegen Kritik von Kollegen verteidigt habe, etwas an Bedeutung verloren, als der Betreiber mich persönlich als «Fanatiker» bezeichnete, weil ich es in einer Sachfrage für richtig hielt, eine andere Meinung zu vertreten als er. Warum eine Plattform für Meinungspluralismus betreiben und dann zutreten, wenn der Diskurs nicht zur Bestätigung des eigenen Weltbilds wird? Dann lieber gleich die Kommentare ganz abschalten. Gleiches haben wir jetzt bei der HumanRights-Debatte, wo nicht Jürgen persönlich, sondern Erik von «nöhlenden» und «beleidigten Leberwürsten» spricht – und damit die Kommentatoren des Blogs meint, die ja immerhin seit Jahren eine recht kleine Gemeinde sind, in aller Regel auch Kunden seines Unternehmens. Ich bin ein großer, fast unkritischer Fan von Spiekermann, der einer der Leute war, die mich zu diesem seltsamen Beruf inspiert haben und der im Hinblick auf Persönlichkeit und Lebensleistung sicher völlig zurecht das Alphatier des deutschen Anwendungsgrafikdesigns ist, aber so blank dürfen die Nerven dann ja doch nicht sitzen, finde ich. Es ist das gleiche Pattern – Diskurs wird durch Diffamierung abgewürgt. Ich nenne das für mich selbst meist die George Bush Technik («Wenn du nicht für mich bist, bist du gegen mich»), aber historisch geht dieser Ansatz natürlich deutlich weiter zurück. Im Sinne des Streamlinings von Meinungen (vulgo: Maulkorb) funktioniert diese Technik, im Sinne eines lebendigen Ideenaustauschs ist die ein Zeichen von Schwäche. Argumente und Austausch sind gut, Beschimpfungen von Menschen mit abweichenden Meinungen sind ein Diskursabwürger und schaden am Ende nur dem, der diese Waffe zur Hand nimmt – er hört auf zu lernen und sich an abweichenden Meinungen zu entwickeln. Kurzfristig mag man so kosmetisch «Recht» bekommen – ohne Recht zu haben – langfristig stagniert man, wird kritikresistent. Ich glaube nicht, dass Erik diese Art Mensch ist, umso erschreckender finde ich diese Art von ungeduldiger und rechthaberischer Geste. Im Kontext von «Menschenrechten» in dieser leicht diktatorischen Form in einem Blog aufzutreten, dass Erik im Grunde gehört und in dem er out of the box ganz andere Positionierungschancen hat als die reinen Kommentatoren ist zumindest etwas «mixed message», finde ich.

Human Rights = Crowdsourcing?
Die Entwicklung eines Menschenrechtslogos und die Einberufung einer namhaften Jury ist für den Betreiber ohne Zweifel eine Marketing-Maßnahme, um die Möglichkeiten seiner Crowdsourcing-Plattform profiliert zu kommunizieren. Das ist richtig gedacht und professionell umgesetzt – schade ist aber, wenn auf diese Strategie unkritisch reingefallen wird. Da wird ein Goodwill-Thema gesucht, bei dem Stardesigner wie Minister gerne den Termin «wahrnehmen» (im doppelten Sinne: Sie gehen hin, jurieren und gehen wieder weg, werden eben aber auch selbst im Kontext eines positiven Themas «wahrgenommen», profitieren also von einem Imagetransfer ebenso wie das ausrufende Unternehmen) und eine PR-Maschine angeworfen. Wenn Erik dann fragt, wer sonst als eine CS-Plattform einen solchen Wettbewerb ausrufen und durchführen kann, weil andere Agenturen ja schon bei der Recherche zehntausende von Euro verbraten würden, muss damit leben, wenn sich demnächst auch Industriekunden fragen, ob sich bei Jovoto nicht Geld sparen lässt. Wer als Designer denkt, dass eine Bildmarke entsteht, indem hunderte und tausende von Menschen unbezahlt visuelle Ideen an die Wand klatschen, darf sich nicht wundern, wenn dieser Masse=Klasse-Denkansatz dann irgendwann auch die eigenen Klienten erreicht. Es ist interessant zu sehen, dass Erik hier im Namen des vermeintlich Guten die Grundsätze, die er seinem eigenen Laden verpasst hat, fröhlich über Bord wirft. Bin ich nun zynisch und nörgelig, wenn ich einen solchen Wettbewerb in jeder Form für verkehrt halte? Die großen Bewegungs-Logos sind ja tatsächlich als «Graswurzel»-Ding entstanden… oft nicht von Profi-Designern gemacht. Aber: Sie stammen nicht aus Reißbrett-Wettbewerben, deren primäres Ziel Eigenmarketing ist, sondern sind aus der Bewegung selbst entstanden. Würde also eine Sekretärin bei AI ein Logo entwerfen, das sich im Laufe der Zeit durchsetzt, wie die Anti-Atom-Sonne, perfekt – besser kann es nicht gehen. Eine gute Marke braucht nicht unbedingt Profis, sie muss sich nur durchsetzen. Aber ist eine Castingshow globaler Illustrator-Künste hier wirklich der Ansatz? Selbst wenn etwas durchkommt – welche Rückendeckung kriegt denn ein Logo durch eine (zudem national besetzte) Jury wirklich? Keine – ebenso wenig wie eine Castingshow-Jury ein Garant dafür ist, dass ein Sänger wirklich gut ist. Die Jury – ein Gremium und wir alle wissen, was Gremienentscheidungen für Designergebnisse bedeuten – gewährleistet nur, dass etwas gewinnt, auf das sich alle einigen können. Unter uns: Selbst wenn Barack Obama, Gott und Vignelli am Tisch säßen, um sich auf ein Logo zu einigen, wäre es am Ende kein globales Logo für eine globale Idee. Es ist vermessen, sorry, ein Gegenstück zum «Peace»-Signet im Rahmen eines solchen Wettbewerbes zu finden. Es findet sich, wenn nötig, von selbst. Es gibt einen Unterschied zwischen gut gemeint und gut gemacht und es gibt Dinge, die man nicht tun sollte, selbst wenn es eine gute Absicht gibt. Ich unterstelle allen Beteiligten die besten Absichten – oder einen Mix aus Eigennutz und guter Absicht -, aber wäre es nicht vermessen zu denken, dass am Ende wirklich DAS Logo für weltweite Menschenrechte entsteht? Oder soll da am deutschen Wesen wieder die Welt genesen? Warum entsteht das Logo nicht woanders? Und man darf natürlich die Frage stellen, inwieweit ein Außenminister, der in Lybien wie in China in genau der Thematik zeigt, dass er zu laut brüllt und dann zu kurz springt, hier nicht eher Malus als Bonus in einer Jury ist, wenn es um die Frage der Legitimierung geht.

Brauchen Menschenrechte ein Logo?
Seien wir doch mal ganz ehrlich: Nein. So Sachen gehen doch schief. Ich will kein Logo für Gender-Mainstreaming, kein Logo für Netter-sein-zu-Ausländern und so weiter. Es gibt einige Signets, die sich etabliert haben und die funktionieren – das berühmte Hakenkreuz, das in den Abfalleimer geworfen wird, die Powersonne der Anti-AKW-Bewegung usw – aber die sind nicht gemacht, die sind gewachsen… von unten nach oben, nicht umgekehrt. Und sie sind aus einer Zeit, in der wir nicht ohnehin in Logos und Signets nahezu ertrunken sind. Logos sind die moderne Heraldik von Unternehmen – und machen als solche Sinn – und in einigen wenigen Ausnahmen haben sich ein Slogan und ein Bild auch als «Logo» für eine Sache etabliert. Es ist schon ein Denkfehler, das katholische Kreuz oder den Davidstern als «Logos» mißzuverstehen… und ebensowenig ist eion Peace-Zeichen ein «Logo». Diese Zeichen als so zu betrachten verknappt und verengt die historische Narration, die hinter solchen Symbolen steht – ein Kreuz ist kein Nike- oder Apple-Logo und es «verkauft» nichts. Es ist immer wieder erstaunlich, dass Designer diesen Unterschied zwischen «gemacht» und «gewachsen» so unterschätzen, zumal die «gemachten» Signets ja aus der Lehre der über Jahrhunderte gewachsenen Wappen und Zeichen gewachsen sind. Logographie, wie Sprache, braucht dieses Wachstum (auch das Nike-Logo hat ja inzwischen eine gereifte, in der Zeit gewachsene Komponente) – ein «richtiges» Logo wird nicht von Designern gemacht, sondern von den Nutzern akzeptiert. Das ist ein haarfeiner Unterschied – denn diese langfristige Akzeptanz zu erzeugen ist ja die Aufgabe guten Designs – aber es ist der Unterschied zwischen lauwarmen Reißbrett-Clusterfuck und dem zeitlos Gutem, das bleibt und wächst und gedeiht, sich verändert und dennoch bei sich bleiben kann, es ist der Unterschied zwischen statischen und dynamischen Systemen. Insofern ist die Idee, dass ein Logo für eine Bewegung, demokratisch und nicht durch eine Agentur entsteht, durchaus richtig – aber es darf eben auch nicht in einem Wettbewerb entstehen, sondern es wird von selbst und sui generis entstehen, wenn die Zeit dafür da ist. Es wird einfach da sein, es braucht keine Geburtshelfer. Dass es fast zynisch ist, wenn ausgerechnet eine hochkapitalistische Plattform in der Urform des kapitalistischen Aussortierens – dem Casting-Wettbewerb – für «Menschenrechte» ein Signet entwickeln will, wenn doch genau diese Menschenrechte unter eben diesen Mechanismen leiden, ist da fast nur die Fußnote, eine fast an Münchhausen erinnernde Volte. Ich finde die Idee Crowdsourcing und «Menschenrechte» in einem Atemzug jedenfalls grandios realsatirisch.
Tatsächlich brauchen die Menschenrechte kein Logo, sie brauchen Menschen und Rechte. Sie brauchen Informationsfreiheit und politischen Druck, sie brauchen mutige Menschen, Journalismus, Zeit und Geld. Aber keinen schmissigen Begriff und kein funky logo, egal wie gut oder schlecht es sein mag. Man darf das nicht mit der Frage verwechseln, ob Design sich nicht in den Dienst der guten Sache «Menschenrechte» stellen kann, durch Plakate, Anzeigen, Magazine, Bücher und und und. Und wer weiß, vielleicht entsteht bei diesem Contest wirklich ein Logo, das global dem guten Zweck dient (was ja toll wäre). Aber intuitiv würde ich vermuten, jeder der Beteiligten könnte sich besser – wenn auch unsichtbarer – für die Menschenrechte engagieren, wenn er es anders täte als durch diese Aktion.
Ich glaube zunehmend nicht daran, dass «Ideen» ein Logo brauchen – entweder es entsteht eins aus der Idee an sich, professionell begleitet oder auch nicht, oder aber es braucht kein Signet. Die Idee, dass alles und jedes ein Logo, am besten noch eine Hausfarbe und -schrift braucht, ist ein seltsamer Ordnungsanfall, und wenn man historisch ansieht, wie undemokratisch die Genese von Zeichen dieser Art ist, darf man sich vielleicht sogar um jede Bewegung freuen, die so bunt und so vielfältig ist, dass sie sich nicht unter einem einzelnen Zeichen versammeln mag und kann.

Heilt Design die Welt?
Design ist komplex und ganzheitlich und im höchsten Maße sozial – da wundert es nicht, wenn Designer sich für mehr verantwortlich fühlen als ihren eigenen Bereich, sondern immer das Große Ganze wollen. Es geht nicht um die Broschüre, es geht um die Philosophie, es geht nicht um die Visitenkarte, es geht ums Denken, die Vision… wir neigen alle dazu, uns immer furchtbar konzeptionell zu überschätzen, nicht das Handwerk zu machen, sondern die große Rede zu schwingen. Ich packe mich an dieser Stelle sehr gern an die eigene Nase – ich neige da auch zu und diese Neigung ist an sich auch gut. ich glaube, dass gutes Design darin besteht, über MEHR nachzudenken und MEHR zu machen, zu nerven, zu bohren, nein zu sagen, zu quengeln, zu streiten und zu verführen, bis es möglichst gut wird. Und wenn ich sehe, wie Arbeit aussieht, die durch Jasager entsteht, finde ich diese (für alle Beteiligten enorm anstrengende) Strategie eigentlich immer goldrichtig. Den Fehler, den ich aber nie mache, ist der Umkehrschluss. Ich glaube, dass gutes Design eine gute Wirkung (langsam und langfristig) entfaltet, aber ich war nie der Meinung, dass Design die Welt besser macht. Der Welt ist Design zu Recht völlig schnuppe. Uns Designern darf die Welt nicht schnuppe sein, aber ich käme nie auf die Idee, ein Signet für den Umweltschutz würde TATSÄCHLICH dem Umweltschutz helfen. Wir arbeiten seit Jahren immer wieder pro Bono für zahlreiche Sozialprojekte, aber das tun wir, weil ich es selbstverständlich finde, bei guten Sachen auf kleine Art meinen Beitrag mit dem zu leisten was ich und mein Team halt gut können. Idealerweise ist so etwas langfristig und macht beiden Seiten Spaß, aber ich lebe nicht in einer Realitätsverzerrung, in der ich denke, dass das, was wir da tun wichtig ist. Wichtig sind die Leute, die wir unterstützen, wichtig sind Ehrenämtler und engagierte Menschen, die etwas bewegen. Wenn wir denen helfen können, ihre Kommunikation erfolgreicher zu machen – und nur darum geht es – dann mache ich das gerne und hoffe aufs Beste. Aber ich glaube nicht, dass ein neues Logo für die Suchthilfe Essen auch nur einen Hauch tut, um die Junkies von den Straßen zu kriegen. It’s just windowdressing. Ein langfristiges, strategisches Design (plus etwas Budget plus generell gute Bedingungen) kann sicherlich einen Unterschied machen, weniger an sich als vielmehr durch die damit verbundenen Ideen, Prozesse und Austauschmomente – und natürlich hilft es, wenn eine Broschüre gut gemacht und fein gedacht ist oder ein Plakat die Chance hat, aufzuwecken. Aber Design löst keine Probleme, auch wenn das der Mythos ist. Ein Logo macht keine Menschenrechte, ebenso wenig wie Political Correctness soziale Ungerechtigkeiten löst. Wir leben in einer politsch immer «korrekteren» Welt, und haben eine wirtschaftliche Ungleichheit wie seit Jahrzehnten nicht mehr, mit den gleichen Barrieren wie eh und je – nur ist der Stacheldraht heute rosa angepinselt. Ein Logo ist insofern reine Symbolpolitik – es ist insofern nur verständlich, dass hier ein Minister gern in ein Juryamt wahrnimmt -, die nichts bewirken kann und auch nichts bewirken will, es ist so wirkungsvoll, als würde man die Putzfrau zur Facility Managerin umdefinieren, natürlich ohne Gehaltserhöhung oder sonstige faktische Änderungen. Aber um die Realität, nicht um den Symbolkosmos in dem wir Designer uns bewegen, geht es nun einmal. Wer etwas für die Menschenrechte tun will, sollte nicht Illustrator anschmeißen und Linien zeichnen, sondern sich beim Amnesty International seines Vertrauens erkundigen, wie er aktiv werden kann. (Ja, ich weiß, dass man auch AI kritisch betrachten kann als Spendensammelverein, es ist nur ein Beispiel.)
Natürlich kann Design sozial und politisch sein. Designer wie Bruce Mau, Tibor Kalman oder lokaler Sandy Kaltenborn beweisen ja, dass aus einem bestimmten Denken auch eine Haltung und Handlung enstehen kann und darf, Design nicht a-sozial oder unpolitisch sein muss oder man (wie in der Werbung so oft) gegen das eigenen Gewissen arbeiten muss. Der richtige Weg hier ist aber ausnahmslos die Strategie der kleinen, eigenen Schritte. Wer sich als Designer engagieren will, wird nicht bei Jovoto ein Wegwerflogo mit zig anderen Leuten in die Runde werfen, sondern seine Zeit vielleicht besser investieren, um der lokalen Kirche oder einer Protestgruppe unter die Arme zu greifen – oder sich Projekte größeren Maßstabes suchen, wo er sich einbringen kann. Ansonsten ist dieser Logo-Wettbewerb so inhaltslos und folgenarm wie einen «Like»-Button unter einem Facebook-Aufruf zu drücken. Design wird die Welt nicht im großen Heilen – und das ist auch gut so. Design in komplexerer Form – als Propaganda, als System von Bildern, Memen, Texten, als Gärtnertätigkeit im Treibhaus der Kommunikation, kann langfristig sehr wohl Wirkung entfalten… aber das ist eine ganz andere Nummer als ein Logo-Casting, das ist ein lebenslanger Prozess, das ist Otl Aicher, nicht Crowdsourcing.

Also bitte, liebe Kollegen – wenn ihr Gutes in eurem Job tun wollt, bitte tut das. Ich finde es essentiell für ein Designbüro – und nicht nur für Designbüros – das man etwa 10%-15% der jährlichen Arbeitsleistung in ein pro-bono-Projekt steckt, und zwar nicht, um mit einem krassen Anti-Tierversuch-Plakat beim ADC einen Nagel zu kriegen, sondern um mit den bescheidenen Mitteln, die man hat, etwas zurückzugeben. Insofern ist die Erfolgsrate, die persönliche Befriedigung und der Spaß ganz zu schweigen von der Wirkung höher, wenn man nicht einem Zweck, der kein Logo braucht, eins verpassen will, sondern sich lokal umsieht, wo man mit einem Plakat, einem Flyer oder eben auch einem Logo ganz handfest helfen kann. Es bringt einfach mehr – und vor allem hilft es den richtigen Leuten.

  

5. Mai 2011 17:37 Uhr. Kategorie Design. Tag . 9 Antworten.

Kaizers Orchestra Köln Stollwerck

hd schellnack

Es gibt einen Moment in dieser Show, der bemerkenswert ist. Etwa in der Mitte der Show, nachdem die Band nach dreijähriger Deutschland-Pause mit einigen Klassikern das Publikum, das von dem mehr als famosen Vor-Act Jarne Bernhoft ohnehin bereits aufgewärmt war, in Schwung gebracht hat, senkt sich eine Beamer-Leinwand vor dem gewohnten roten Vorhang über das gewohnt von Birnchen illuminierte als Schwarzweiß-Logo der Kaizers. Fast zeitgleich nimmt Keyboarder Helge Risa die vertraute Gasmaske ab – und tatsächlich signalisiert das einen Bruch im Konzert. Die Norweger spielen konzentriert en bloc Tracks von ihrem neuen Album, Violeta Violeta I, und wirken dabei wie verwandelt. Die Melange aus Ompa-Rock und Folkloregrooves, obwohl auf dem Album evolutionär noch vorhanden, tritt in den Hintergrund – ein Bruch der beim reinen Hören der exzellenten Platte fast nicht auffällt, im direkten Gegensatz live aber sehr deutlich wird. Die Musik wird erwachsener, weniger Sturm& Drang, die ganze Attitude der Band scheint gereifter, weg von der Party-Anmache bei den Ansagen, hin zu einem sehr konzentrierten Spielen, zu einem britisch-amerikanischeren Sound, der die Gitarren mehr betont (die sehr souverän die auf dem Album von Streichern gespielten Parts ersetzen), irgendwo zwischen Pop und Indie, sehr viel normaler als der «gewohnte» Kaizers-Sound und in der Tat sehr viel weiter entwickelt. Die Band gibt sich Raum für psychedelische Streifzüge in den Nummern, wirkt bei sich, international wie selten zuvor und obwohl die Tracks so hintereinander eine gewisse Selbstähnlichkeit entfalten, steht da auf einmal eine Gruppe auf der Bühne, die spürbar – und sei es nur für einen Teil des Abends – aus der eigenen Legende, aus dem eigenen Exoskelett heraus will. Hier werden nicht alibihaft ein paar aktuelle Nummern zwischen die «Greatest Hits» geschummelt, man kann greifen, dass hier etwas vorgestellt wird, was Ottensen und seinen Leuten – selbst wenn er sich mit «this is almost a popsong» fast entschuldigt – wichtig ist.

Umso trauriger, dass den Kaizers genau das passiert, was jedem etablierten Act an diesem Punkt passiert – das Publikum zieht nicht, oder nicht nennenswert mit. Wie bei Bowie in den Neunzigern, als er mit «Outside» tourte und konsequent keine etablierten Hits spielte, was das Publikum, das anscheinend nur «Fame», «Let’s Dance» und «Space Odditty» hören will, wenig goutierte. Es ist seltsam dass die Fans einer Band oft wenig bereit scheinen, die Entwicklung der Musik mitzutragen und neugierig auf neue Tracks und deren Live-Interpretation sind, sondern vielmehr erwarten, dass die Musiker als eine Art Partykapelle, eine lebende Jukebox, jeden Abend ihre Instrumente auspacken und Jahr für Jahr immer wieder die gleichen Songs performen. Die Stones sind längst an einem Punkt angekommen, wo sie zu ihrer eigenen Coverband geworden sind, anderen Bands geht es kaum besser – ich kann es mir nicht anders als entsetzlich vorstellen, wochenlang jeden Abend die gleichen Sachen herunterzufackeln, die man schon seit Jahren spielt, Songs, die man selbst wahrscheinlich längst nicht mehr hören kann, die auch in keiner Weise für den Jetzt-Zustand einer Bandentwicklung, für den aktuellen Geschmack, für die heutige Zeit stehen. Statt dessen bedienen die Lieder nur die Nostalgie der Zuhörer, das Kenn-ich-Kann-ich-mitsingen-Feeling, es ist live, aber in Wirklichkeit ist es die schlimmste aller Konserven. Und so spielen Kaizers, wieder nach einem fast greifbaren Bruch mit hochfahrender Leinwand und wieder hervorgeholter Gasmaske, im dritten Akt des Konzertes einen Hit nach dem anderen – und das Publikum geht wieder mit. Es scheint, als sei eine Art Abmachung im Raum, die besagt, dass die Band ihre neuen Songs zwar spielen darf, aber danach bitte nur noch die vertrauten Hits wie «Maestro». Was die Band auch tut, allerdings so leidenschaftslos und professionell wie es nur eben geht. Bis auf wenige Momente Augenkontakt mit der Balustrade und einem glaubhaften Lächeln wirkt Ottensen wie ein Musikroboter, der die vertrauten «Ja klar»-Shout-Outs aus dem Publikum zaubert, der auf Knopfdruck die gute Laune produziert, der wie ein Karnevals-Act ein Könner darin ist, den Saal zu kontrollieren, der aber zugleich nur die Freude eines Handwerkers an solider, ihn innerlich aber kaum berührender Arbeit zeigt. Wo Janove bei den neuen Liedern seine Stimme ausprobiert, hochschraubt und mit geschlossenen Augen konzentriert einen Text vermitteln will (den ohnehin in Deutschland nur 15% des Raumes verstehen), gibt er im Partymodus eine Art norwegischen James Brown, der eben gute Miene zum stets schlechten Spiel macht und ein guter Profi ist, der versteht, dass er von seinem Publikum lebt. Und dieses wie kein Zweiter routiniert in die Höhe schrauben kann.

hd schellnack

Vergleicht man das Konzert mit der 250-Prosent-Tour, zeigt die Band sich bei ihren Klassikern weniger ausschweifend, zieht routiniert wie alte Zirkuspferde die gleichen Gags durch, als wäre es kein Konzert, sondern eine Theaterperformance. Expeditionen, Improvisationen finden kaum statt, die Soli sind knapp und aufs nötigste reduziert, Breakdowns wie bei der letzten Tour, wo Passagen gern mal ausgedehnt und genossen wurden, finden nicht statt, es geht darum, möglichst viel Hit in möglichst überschaubare Zeit zu komprimieren. Es muss für Musiker ein seltsames Dilemma sein, Fluch des eigenen Erfolges, wenn ein Publikum nur noch bestimmte Wiederholungen erwartet, eine Leistung für das Geld erwartet, und du diese Erwartungshaltung als Mainstream-Act auch noch erfüllen musst – aber dann wieder von Nörglern wie mir kritisierst wirst. Wobei es mir weniger darum geht, dass Kaizers nun etwa 1:1 die Playlist bisheriger Konzerte aufgewärmt haben, ich frage mich einfach, wie sich das für die Band selbst anfühlt. Vielleicht ist es auch einfach, als würde man eine Art Wanderarbeiter sein, der eben drei Monate im Jahr quer durch Europa fährt und… arbeitet… und dann hat man sein Geld verdient und hat den Rest des Jahres halbwegs Ruhe und macht eine Platte, die man wichtig findet, um wieder einen Anlass zu haben, als Wanderarbeiter zu reisen, und so geht das weiter, bis es nicht mehr weitergeht. Wer weiß. Weit entfernt vom künstlerischen Nimbus des «Musikers» ist das sicher allemal – aber die Illusion verliert sich ohnehin schnell, wenn man einmal in einen Tourbus schaut. Wie es ist gibt die halbe Stunde Material aus Violeta Violeta den Blick frei auf eine Band, die mehr ist als eine Art besserer Karnevalskapelle, die zur Belustigung des Publikums funktioniert – für einen kurzen Moment ist da eine Band, die aus Spaß an der eigenen Musik auf der Bühne ist und die nicht routiniert zocken, sondern sich erst in den neuen Stücken einrichten müssen, die sich mehr anschauen, die nicht performen, sondern spielen, die einfachere, aber auch ehrlichere Musik machen und die per Video-Projektion etwas davon ablenken, dass sie so gar keine Lust haben, diese Songs durch Anmachsprüche, Mitklatsch-Animationen oder Rock’n'Roll-Posen zu versauen. So einfach Helges Geste ist, sich die (Gas-)Maske vom Gesicht zu nehmen, aus der Rolle zu treten und nur «echt» als Musiker auf der Bühne zu stehen – statt als ironisch gebrochene Rock-Theater-Figur, so bildhaft ist sie auch – und vielleicht ist das auch der Grund, warum Risa im dritten Akt des Konzerts fast ironisch-gelangweilt wirkt und sich resigniert in die Rolle des irren Keyboarders zurückzieht und wieder Produkt wird.

hd schellnack

Dieses Dilemma betrifft alle kreativ Schaffenden, zumindest die, die es «geschafft» haben, von ihrer Arbeit zu leben. Ob Musiker oder Künstler, Designer, Autor oder Architekt – du wirst mit einem Stil, einem «Sound» identifiziert. Es gibt nur wenige, die sich so freigeschwommen haben, die finanziell und inhaltlich so unabhängig sind von Käufern, von Marketing, von Presse, von einem «Funktionieren» im System, dass sie machen können, was immer sie wollen und scheinbar dennoch – oder dann gerade wegen dieser Unabhängigkeit – Erfolge feiern. Und vielleicht ist dann auch wieder diese Unberechenbarkeit das, was das Publikum erwartet, also berechenbar. Es muss ein schwieriger Gradwandel sein, diese Berechenbarkeit zu liefern, ohne so zu stagnieren, dass man sein Publikum wieder langweilt – oder schlimmer noch sich selbst. Bei Kaizers Orchestra ist in Köln zu spüren, dass die Band sich in der letzten Dekade musikalisch weiter entwickelt hat, einerseits – vielleicht paradoxerweise – einem Rockpop-Mainstream näher gekommen ist, weg von diesem Tom-Waits-Sound, der die Band prägte, andererseits aber emotional ehrlicher und tiefer geworden ist. Und diese gewachsene Band, ist genau an der Bruchstelle, an der schon größere Künstler gescheitert sind – an dem Lagrangepunkt, wo die Band zwischen kreativem Schwung und den Wünschen der Plattenfirma und des Publikums festhängt, vielleicht hängenbleiben kann für eine gewisse Zeit, irgendwann aber wahrscheinlich in eine der beiden Richtungen driften wird – dem Druck entkommend und der eigenen Kreativität entgegen oder in Richtung Pflichterfüllung. Letzteres ist meist einfacher, befriedigt mehr Gemüter, bringt meist auch mehr Erfolg, geht aber für viele Bands gegen die eigentlichen Gründe, warum man einmal Musik machen wollte. Ich habe selten ein Konzert einer Band gesehen, das genau diesen Moment frei von Frustration und Tour-Fatigue so präzise festhält, die Gegenüberstellung von «Weiter wie bisher» und «Entwickeln wir uns weiter» so klar gegenüber – und dazu die erwartbare Reaktion des Publikums… und bin tatsächlich gespannt, für welchen Weg sich Kaizers Orchestra entscheiden werden.

hd schellnack

Wenn aber auch The Human League im KulturSpiegel gerade verkünden, die alten Hits als «Dienstleistung am Publikum» zu spielen, hat man eine Ahnung, wie sehr sich die Rolle der Musiker in den letzten drei Dekaden verändert hat, wie stark der Erfolgs- und Überlebensdruck ist, wie sehr sich der musikalische Wunsch nach Ausdruck zu einem Beruf verändert hat, der nach klaren Parametern abzulaufen hat. Mir fallen weniger und weniger Ausnahmen ein, wie etwa Radiohead oder zu einem geringeren Grad Massive Attack, die Erfolg und eine gewisse Sperrigkeit miteinander verbinden und trotzdem die Hallen vollkriegen. Eine gute Entwicklung ist das nicht.

Vielleicht ist es auch nur «Band Fatigue», vielleicht habe die Kaizers einfach zu oft gesehen. Aber dass es auch anders geht, beweisen Steve Wilsons Porcupine Tree, die sich mitten in der Tour entscheiden, nicht die Songs des Backkatalogs zu spielen, sondern vor einem völlig begeisterten Publikum live Stücke des kommenden Albums «live» zu proben. Mutig und in jeder Hinsicht ein einzigartiges Konzert. Auch Jazzer wie Herbie Hancock beweisen, dass es im Rahmen einer einzigen Tour nicht nur machbar, sondern auch musikalisch enorm wichtig ist, mehr zu tun als nur ein oder zwei Songs auszutauschen oder die Setlist dezent zu modifizieren – Hancock hat vor einigen Jahren in fast jeder Stadt die Lieder nicht nur neu zusammengestellt, sondern enorm andere Interpretationen geliefert, faktisch fast jeden Abend improvisiert. Von diesem Mut einer Jazzlegende, die ja ebenso gut allabendlich den gleichen Summs spielen könnte, darf die Popbranche sich gern eine Scheibe abschneiden. Es ist auch eine Erziehungsfrage, das Publikum aus der Jukebos-Erwartungshaltung wieder heraus zu bringen.

hd schellnack

Konkret war das also ein Konzert mit einer unfassbar guten Vorband – wobei Bernhoft wirklich genau in dieser Form, solo mit seinem Boss MC50 Looper, unfassbar ist und wahrscheinlich mit großer Besetzung nicht mehr so singulär unglaublich phantastisch sein dürfte sondern «nur» noch ein guter Soulact, und ein akustisch leider vergleichsweise schlecht abgemischtes Konzert von Kaizers mit einem wunderbaren Mittelteil, der perfekt die Stimmung eines der vielleicht besten Alben dieser Band widerspiegelte. Und zugleich eben eine Lehre über die Sollbruchstellen einer Musikerkarriere. Mit zwei Zugaben und einem erschöpfenden, bei aller theoretischen Kritik mitreissenden Programm, dennoch wie immer ein Beweis, das die Kaizers zu den besten Liveacts in Europa zählen dürften.

Nach dem Break noch eine Handvoll Photos…

(weiterlesen …)

28. März 2011 10:57 Uhr. Kategorie Live. Tag . Keine Antwort.

iPad 2

hd schellnack

Im Grunde lohnt sich nach den ausgiebigen Reviews aus den USA und angesichts der ja wenig umwerfenden neuen Features des iPad2 eine echte Auseinandersetzung mit dem Gerät kaum – es ist einfach ein Upgrade und wer das iPad 1 kennt, kennt auch die zweite Generation. Also nur ein paar erste Eindrücke:

Es gab tatsächlich eine Schlange. Ich hab das nicht geglaubt und bisher auch nicht erlebt, aber da standen tatsächlich bis vor die Tür Leute für ein Stück Hardware. Never underestimate the power of smart marketing (and scarce goods). Ich selbst hatte Gott sei Dank vorbestellt und konnte einfach so rein und es abholen, vielleicht auch, weil das 64 GB 3G vielleicht nicht ganz so nachgefragt ist wie die anderen Modelle. Steffi, die draußen wartete, erzählte, ein alter Mann sei im Vorbeigehen stehen geblieben und habe sich nach einigem Betrachten der Schlange erkundigt, was es denn hier gratis gäbe. Sie: Das neue iPad2. Er: Was? Sie erklärt ihm, was es ist, er will wissen, warum die Leute dafür anstehen und was daran nun so toll sei. Nach einer Erklärung fragt er: Und was kostet das Ding? Steffi: So ab 500 Euro. Er tritt drei Schritte zurück und wendet sich an die wartende Menge: Sie haben alle fünfhundert Euro in der Tasche hier? Und wandert kopfschüttelnd weg, um sich auf dem Rückweg noch einmal bei jemand anderes zu erkundigen, wahrscheinlich weil er vermutet hat, Steffi wolle ihn veräppeln. Der Mann hat ja recht, muss man sagen. Wir leben in seltsamen Zeiten, dass man auf ein Luxusgut wartet als wäre es Obst in der DDR.

Das Pad an eine weitestgehend undramatische Weiterentwicklung des Vorgängers. Die Wahrheit ist – und das gilt inzwischen ja fast durchgehend für Apple-Produktzyklen – es keinen zwingenden Grund für iPad1-Besitzer, zu wechseln. Das Gerät wendet sich scheinbar eher an Neueinsteiger, die ohne irgendeine Art von Kamera nicht leben konnten. Ansonsten bietet es zum gleichen Preis eine solide technische Weiterentwicklung, die wie immer ein paar Wünsche offen lässt und wie immer aber auch nett ist. Der größere Arbeitsspeicher, der schnellere Prozessor und die verbesserte Grafikleistung ist im direkten Vergleich zwar spürbar, dürfte im alltäglichen Gebrauch aber nach einer Woche so selbstverständlich geworden sein, dass man es nicht mehr merkt. Apps starten etwas schneller und gerade beim Umblättern von Magazinen «hängt» es einen Hauch weniger. Sync von iTunes scheint schneller zu laufen und auch der Online-Sync wirkt einen Hauch sportiver – oder bildet man sich so etwas vielleicht auch einfach ein? Dennoch sind leistungshungrige Applikationen immer noch langsam und die Arbeit mit großzügig bebilderten PDF in Minimal Folio zwingt die App immer noch zu einem langen verpuzzelten Aufbau der Seite. Auch die Zeit und PDFs in GoodReader haben noch spürbare Aufbauprobleme – ein Wunder darf man also vom iPad2 auch nicht erwarten. Aber etwas «snappier» wie es so schön bei Apple heißt ist die Sache schon – vor allem der Wechsel zwischen Applikationen ist flüssiger geworden. Aber nun auch nichts, was vom Stuhl wirft.

Die Kameras sind in der Tat ein Alptraum. Ich kann verstehen, dass man irgendwo ein Auge auf den Preis haben muss, aber ich hätte mit Vergnügen mehr Geld für die Kameraleistung aus dem iPhone bezahlt. Für mehr als einen kurzen Snapshot in Evernote reicht es einfach nicht. Die Bilder sind düster und rauschig und niedrig aufgelöst. Man kann argumentieren, dass man mit einem 10″-Gerät nun auch keine Unterwegs-Photos machen will, aber tatsächlich macht gerade eine gut aufgelöste Kamera im iPad Sinn, um Dokumente zu «scannen». Die Videoleistung ist entsprechend – vergleichbar mit dem iPod Touch – mau, aber ausreichend. Positiv ist, dass man natürlich mit dem unhandlicheren iPad sehr viel ruhiger, weil zweihändig filmt, als mit dem iPhone, und der Bildschirm dabei die Wucht ist – Video macht hiermit ziemlich viel Spaß. Wie bei allen iGeräten werde ich aber das Gefühl nicht los, dass die Brennweite für Video schlecht ist, du bist immer zu «nah» dran, das 28-mm-Equivalent etwa der Canon fühlt sich sehr viel natürlicher an, wenn man Räume oder Situationen festhalten will.

Der Bildschirm ist weitestgehend unverändert. Als einzigen Unterschied kann ich feststellen, dass bei schrägen Blickwinkel Schwarztöne weniger schnell ins blassrötliche kippen. Mehr Auflösung, und sei es nur 1280 oder 1440, wäre schön gewesen. Aber andererseits kann ich verstehen, dass die Grafikprozessoren damit wahrscheinlich noch zu viel zu kämpfen hätten und vor allem auch die Developer schon wieder nach nur einem Jahr eine Auflösungsanpassung vornehmen müssten – man sieht ja beim iPhone, dass es teilweise anscheinend ein Jahr dauert, bis das mal umgesetzt wird und einige Apps laufen immer noch mit Prä-Retina-dpi. Für ein Lesegerät ist die Auflösung des iPad nur leider eben dennoch einen Tick zu pixelig, da darf man aufs iPad 3 hoffen. Interessant, wie immer bei neuen iOS-Geräten, ist, dass der Bildschirm sich glatter anfühlt, responsiver ist. Ich denke, das liegt wahrscheinlich daran, dass die oleophobische Beschichtung mit der Zeit im Gebrauch abnimmt und das Display sich «stumpfer» anfühlt. Apropros öl- und fettabweisend: Natürlich ist auch dieses iPad binnen weniger Minuten von Fingerabdrücken übersäht. Gar nicht anders denkbar. Dies ist die Sorte Gerät, die man eigentlich nicht mehr rhotographieren kann, sondern nur noch aus Renderings oder Photoshop-Montagen antiseptisch clean hervorkriegt.

Der Sound ist definitiv besser, alles andere wäre auch undenkbar gewesen, schlechter als das iPad1 ist ja kaum denkbar gewesen. Du hast natürlich kein Stereo (immer noch nicht) und von Bass darf gar keine Rede sein, aber man kann Musik tatsächlich wahrnehmen und einen Film sehen und dabei den Ton ohne Kopfhörer hören. Tatsächlich habe ich mich dabei erwischt, dass ich die Lautstärke reduziert habe. Am iPad – wie ungewohnt. Der Sound ist blechern und in voller Lautstärke etwas kratzelig, aber das hier ist ein echter Schritt nach vorn, der eigentlich nur umso deutlicher macht, dass man zwei Speaker bräuchte und zwar ideal einen weiteren oben am Gerät.

Gewicht und Größe sind natürlich wichtige Faktoren für diese Sorte eines mobilen Clientgerätes und das iPad2 legt hier einen soliden Unterschied hin. Einfach gesagt ist etwa die Dicke des jetzt geraden Seitenrahmens einfach verschwunden. Dünneres, aber härteres Glas und dünner Akkus haben den Formfaktor drastisch verjüngt. Auf Photos lässt sich das schwer darstellen, man muss beide Geräte mal in der Hand gehabt haben, das iPad 2 fasst sich einfach (noch) etwas weniger wie ein Stück Hardware an, fühlt sich noch mehr wie etwas an, das eigentlich gar kein Computer mehr sein kann. Durch die sanft abgerundeten Ecken liegt es ausgezeichnet in der hand, wenn auch der jetzt recht spitze Übergang zwischen Display und Aluminium etwas und schön an das Air erinnert. Wer im Bett lesend das iPad auf der Brust abstützt, hat es jetzt nicht mehr einen breiten Rand sondern mit einer eine zwar stumpfen, aber doch deutlich spürbaren und unangenehmen «Kante» zu tun. Da der reine Gewichtsunterschied nicht so drastisch ist wie die reduzierte Größe, fühlt sich das iPad2 ungewöhnlich kompakter an, weil mehr Gewicht auf weniger Fläche verteilt scheint. In der Praxis ist der Gewichtsunterschied von um die 10% kaum spürbar – es ist immer noch subjektiv um ein Drittel bis 50% zu schwer im Vergleich zu einem Buch, selbst einem Hardcover, um sich wirklich «angenehm» anzufühlen.

Das Upgrade läuft wie immer bei Apple – Backup und Neuaufspielen. Ich würde mir wirklich wünschen, dass dabei die Anordnung meiner Apps beibehalten wird. Da Apple es selbst mit iTunes nicht gerade zur reinen Freude macht, zig Applikationen zu sortieren, wäre es nicht zuviel verlangt, wenn diese bei der Migration auf ein neues Gerät dann dort auch wieder genau so vorzufinden wären. Gerade bei einem Gerät, dass sich auch an Einsteiger wendet – obwohl, tut es das wirklich? Ist das iPad nicht teilweise viel komplizierter als jeder Rechner? – ist es seltsam, wenn die Neueinrichtung in zwei Schritten (Wiederherstellung und Sync) stattfinden muss und der Nutzer dann App-Reihenfolge sowie nahezu alle Passworte für Mail, Applikationen, Web und so weiter wieder neu eingeben muss. Man hat den Nerv ja nur einmal im Jahr, idealerweise, aber es erscheint mir unlogisch. Wenn ich ein Gerät wiederherstelle in der Migration sollte es auch weitestgehend 1:1 gespiegelt werden. Die Passworte kann man noch unter «Sicherheit» verbuchen (wäre aber auch eleganter lösbar), für die App-Anordnung finde ich keinerlei logischen Grund. Wer hier viel mit App-Ordnern arbeitet – ich nicht so sehr, aber ich kenne einige Leute, die ihr ganzes System damit verwalten und nur einen einzigen Bildschirm mit Ordnern haben, in denen die Apps abgelegt sind – muss nach einem solchen Wechsel doch schier wahnsinnig werden. Zumal das Ordnen der Apps auf dem Gerät selbst ein Alptraum ist, es geht faktisch nur in iTunes und auch dort weitestgehend spaßfrei. Der Wechsel der SIM-Karte ist zwar etwas frickelig – der Tray ist in den abgerundeten Ecken etwas suboptimal verbaut und es braucht schon etwas Fingerspitzengefühl, um das wieder zusammenzuschieben – aber fast wider meiner Erwartung lief die Sim ohne neue Aktivierung durch O2 einfach bestens weiter, ohne Passworteingabe oder andere Provider-Mätzchen.

Die Software ist identisch mit der vom iPad1, mit Ausnahme der Tatsache, dass iMovie hier natürlich ohne Trickserei läuft und Factetime, das völlig sinnfreie Photobooth sowie Kamera-App dazugekommen sind. Interessant ist, dass die über X-Code zu aktivierenden Vierfinger-Gesten für das Schließen und Wechseln von Apps – die den Home-Button faktisch überflüssig machen – etwas satter und schneller laufen, am iPad 1 war das manchmal etwas ruckelig, hier ist es sanft und glatt, wie es sein sollte. Ich kann verstehen, warum Apple mit Rücksicht auf Einsteiger und App-Kompatibilität diese Gesten deaktiviert hat, aber ehrlich gesagt ist es ein Jammer. Das direkte Wischen zwischen Anwendungen ist unverzichtbar geworden und die Geste zum Schließen von Apps so natürlich, das eine ganz neue Freude an der Bedienung des Gerätes aufkommt, weil man nicht mehr immer den zunehmend dusseligen Button braucht, der nicht in den Flow des Arbeitens am Touchscreen passen will. Fehlt eigentlich nur noch eine Geste für eine Art Exposé, die alle offenen Anwendungen zeigt – das Hochziehen für die Taskbar ist ja nahe dran, aber Expose mit einer Art «Öffnen von Fünf Fingern»-Geste wäre grandios. Jeder, der ein iPad hat, muss sich eigentlich X-Code holen und diese Option nutzen, es wertet das Gerät ungemein auf. Nicht umsonst ist X-Code im MacAppStore ja bei den Bestsellern, so viele Entwickler kann es gar nicht geben ;.-). Facetime dürfte mittelfristig die Art, wie wir über Videotelefonie denken, revolutionieren. Es ist einfach, smart und dürfte in einigen Jahren zumindest bei Benutzern von Apple-Geräten allgegenwärtig sein. Die Sache hat allerdings einige Haken: Ohne 3G macht es die Sache noch sehr eingeschränkt Sinn, man fühlt sich ein wenig in die Zeiten von kabelgebundenen Telefonen zurückversetzt. Richtig genial wird es erst, wenn man von unterwegs auch Video-Abstimmungen machen kann. Auch die Anbindung an eine Apple-ID kann ein Problem sein – einerseits macht es Sinn, wenn ich angerufen werde, dass nun MacPro, Air, iPad und iPhone «klingeln», irgendwo könnte man mich ja erreichen. Andererseits kann ich aber nicht ohne weiteres von einem meiner Devices «nach Hause telefonieren», also von unterwegs ins Büro – jedenfalls nicht an den eigenen Rechner. Die fehlende Möglichkeit, mehrere Userprofile auf dem iPad verwalten zu können, wirft hier ihren Schatten voraus, bei einem Gerät, das so offenbar für gemeinsame Nutzung angelegt scheint. Andererseits will Apple natürlich ein Familiengerät, das nicht geteilt wird, sondern von möglichst vielen Mitgliedern individuell gekauft werden muss. Unschön ist auch, das bei einem Anruf vom iPhone das gesendete Bild des iP ungemein pixelig wirkt auf der viel zu großen 1024er-Fläche, die eine Bildauflösung bräuchte, die die meisten Datenverbindungen heute überfordert. Garageband ist eine der Applikationen, die von dem schnelleren Prozessor bereits spürbar profitiert, der Wartefaktor beim Wechsel von Instrumenten und selbst beim Start ist geringer und «Leistung optimieren» scheint einen Hauch seltener zu erscheinen. Spielt man nicht auf einer harten Oberfläche scheint mir auch die über den Bewegungssensor simulierte Anschlagsdynamik von Tasteninstrumenten zwar immer noch etwas unberechenbar, aber deutlich reaktiver und «echter» als vorher. Ich denke nicht, dass dies am neuen Gyroscope liegen wird, und vielleicht ist es auch nur Einbildung, aber da Garageband eine der besten App fürs iPad schlechthin ist, bin ich für jede Verbesserung der «User Experience» froh. iMovie ist ein weiteres kleines smartes Wunderwerk. Es hat zwar «nur» den Leistungsumfang der ja baugleichen iPhone-Software, bietet also keine Möglichkeiten, die Clips in Farbe, Tempo oder Ästhetik an sich zu verändern, profitiert aber ungemein von dem größeren Bildschirm und der präziseren Arbeit mit den Fingern. Es ist fast unfassbar, wie flüssig selbst 720p-Video, Übergänge, einfache Animationen und so weiter von dem kleinen A5-Prozessor bewältigt werden. Umso mehr fragt man sich allerdings, warum die gleiche Firma mit FinalCut eine so derart miese Videosoftware, die selbst auf Hochleistungsrechnern ohne Pre-Rendering kaum einen kurzen Clip meistert, auf dem Markt hat. Ich muss mehr und mehr sagen, ein FinalCut auf iMovie-Basis mit mehreren Spuren, Blend-Modi, professionellen Plugs, freier typographischer und graphischer Elemente-Anordnung und Animation (à la Keynote beispielsweite) würde mir mehr Spaß machen als das, was derzeit als Express oder Studioversion auf dem Markt ist. Als einfache kreative Lösung für Familienfest-Mitfilmer reicht iMovie allemal, und auch iMovie auf dem Mac hat ja durchaus dramatische Schwachstellen (Multitrack, Plug-In-Mangel) – eine beeindruckende Präsentation der Möglichkeiten des iPad ist es aber allemal, weil ein sehr flüssiges Arbeiten möglich ist und – ähnlich wie in Garageband – das Arbeiten ohne Maus überraschend natürlich und «richtig» scheint.

Das Fazit ist wahrscheinlich, dass das iPad einerseits – ungeachtet aller Hardwaredaten – aufgrund der einzigartigen Hardware/Softwarekombination auf absehbare Zeit völlig konkurrenzlos sein dürfte, nichts anderes kann sich bisher an diesem Standard messen und bis die anderen aufgeholt haben, dürfte Apple sich weiterentwickelt haben. Insofern bestand für die Firma vielleicht kein Anlass, sich beim iPad2 gegenüber den Samsung oder Google-Konkurrenten besonders anstrengen zu müssen. Die zweite Generation ist insofern ein irgendwie lässig wirkendes Upgrade, das ein bisschen mehr leistet, aber keineswegs «wichtig» wirkt. Apples smarte Salamitaktik von zeitlich berechenbaren inkrementellen technischen Upgrades, die alle paar Jahre mal von einem dramatischeren Facelift aufgerüttelt werden, bedeutet auch hier, dass iPad1-Besitzer keine schlaflosen Nächte haben müssen und getrost eine Generation überspringen könnten, wenn Kamera oder schmalere Bauweise nicht wichtige Argumente sind. Für die Benutzer, für die bereits das erste iPad zu einer Art ständigen Begleiter geworden ist, der als Buchersatz, als Browser, als Organisationstool, als Notizbuch, als Schreibmaschine und und und inzwischen in den verschiedensten Situationen immer dabei ist, lohnt sich das Upgrade sicher dennoch, weil sich die zweite Generation unterm Strich einen Hauch selbstverständlicher anfühlt, noch weniger «Gerät» ist, noch weniger Maschinencharakter hat. Geringere Wartezeiten und die fast surreal bleistiftschlanke Bauweise – ein normales Telefonmobilteil wirkt dagegen grobschlächtig – rücken das iPad ein Stückchen weiter der von Apple versprochenen «Magie» näher.

26. März 2011 17:29 Uhr. Kategorie Technik. Tag , . Eine Antwort.

Fenech Soler: Fenech Soler

hd schellnack

Nachdem man auf dem neunten Kitsuné-Sampler ja bereits einen Vorgeschmack auf die britischen Elektropopper von Fenech Soler bekam, ist diesen Monat ihr Debut erschienen (getrübt von der Krebsdiagnose des Leadsängers), das die Erwartungen, die das zittrig groovende «Stop and Stare» geweckt hat, mehr als erfüllt. Die Band um Ross und Ben Duffy fusioniert scheinbar mühelos den dancefloor-orientierten Sound von Bands à la Friendly Fire mit einer spiegelglatten, mit einer dicken 80s-Emailleschichte überzogenen Poplackierung. Das Album geht entspannt gegen den Trend der introspektiven Nabelschau und setzt – wenn man die etwas kaffige Herkunft der Jungs bedenkt vielleicht nicht überraschend – auf Party, fast jeder Track geht so weit nach vorn wie man es kann, ohne die Verzerrer aufzudrehen. Stampfende Drums, pumpende Funk-Elektrobässe und flirrende Synthpads machen aus «Lies» die Sorte Musik, die The Human League heute eigentlich machen sollten, und «Golden Sun» steht mit einem Bein unverschämt grinsenden sogar im Soundgerüst von 90s-Boybands. Ben Duffy kriegt einen androgynen Kopfgesang ebenso mühelos hin wie die von zahllosen 80s-Popacts bekannten soften Gesangs-Lines, um im nächsten Moment deutlich mehr nach Indie zu klingen – und genau so eindeutig und doch vielseitig springt die Musik, die ihn begleitet durch die Möglichkeiten der Popgeschichte, ohne jemals undefiniert zu wirken. Die Sounds sind durchgehend etwas retro, mitunter fast billig, die Programmierung ist straight, aber nicht primitiv, das Quartett setzt auf synkopische Bassgrooves, die die darüber flirrenden Synthgebilde erden – und am Ende steht eine Musik, die manchmal nur knapp davon entfernt ist, an alte Britney-Spears-Tracks zu erinnern oder an mittelfrühe Heaven 17, die durchaus auch in den Strukturen und vor allem den Sounds eine gewisse Selbstähnlichkeit haben mag – die aber eben auch verdammt in die Füße geht. Wenn ein Album nahezu durchgehend, Track für Track, auf meiner Running-Musikliste landet, wird klar, dass Fenech Soler sich auf ihrem Debut einfach nahezu keinen Durchhänger geleistet haben – und das alle Songs sich in einem Tempolimit bewegen, dass zum motivierten Laufen perfekt ist (und damit eigentlich auch für die Clubs). Jeder Track hat Anthem-Qualität, schraubt sich wie eine alte Doppeldecker-Maschine mit einem auf Ketamin gedopten Howard Hughes am Steuerknüppel nach oben, in die Wolken, in die Sonne, und nimmt dich mit – Fenech Soler mögen keinen Tiefgang produzieren, aber ihnen ist ein fast pervers optimistisches Album gelungen. Jeder Track – was daran liegt, dass sie sich auch nie sonderlich unterscheiden – ist auf «Hit» programmiert, ohne sich jemals anzubiedern, Fenech gelingt diese Pose, halb zu dir hingeneigt, halb lässig an der Bar lehnend, die nur britische Acts (oder sehr britisch wirkende Bands) in dieser Form liefern können, diese mühelose Coolness, die Pop ausmacht. In dieser Hinsicht ist das Albumcover nahezu perfekt – der Glitterkonfetti, die etwas Gaydisco-artige Partylaune, und darin dieses komisch komplex wirkende, leicht rätselhafte Artefakt – das bringt die Musik sauber auf den Punkt. Denn unter der perfekt produzierten Dancefloor-Power, unter den High-Energy-Stacks, unter den Cowbells und zuckenden Bassgewittern, steckt durchaus mehr, denn die Architektur der Songs hat eine irgendwie kristalline Qualität, ist klar und einfach, aber eben doch beim mehrfachen Durchhören smart und jenseits von einfachem Autotunes-Radio-Pop. Ob FS noch wirklich «Indie» sind – ohnehin seltsam, dass dieser Begriff heute nicht mehr für die Labelbindung steht, sondern eine Art Musikclusterbezeichnung geworden ist – darf man bezweifeln, aber es ist die Sorte smarte, elegante, nonchalante, charismatische und sexy Pop, von der es ruhig mehr geben dürfte.

Wer sich sich einen Vorgeschmack auf die Northamptonshirer anhören will, kann sich übrigens vorab vier Songs des Albums sind nun kostenlos als «White Versions EP» downloaden: http://www.fenechsoler.co.uk/downloads/whiteversions.htm

21. März 2011 09:13 Uhr. Kategorie Musik. Tag . Keine Antwort.

The King’s Speech

hd schellnack

Als gemächliches, weitgehend überraschungsfreier Kammerspiel erweist sich Tom Hoopers «The King’s Speech», der sich mehr wie ein BBC-Drama anfühlt, weniger nach einem Oscar-nominierten Historiendrama, zumal der Film sich mit der Geschichte einige Freiheiten nimmt – die Frage darf durchaus immer gestellt sein, warum man Geschichte verfilmt um dann – aus den berühmten «dramaturgischen Gründen» diese zu drehen und zu verbiegen, bis sie sich eben doch wie ein durchschnittliches Dramolet anfühlt, wie die übliche Kino-Kost, weil man aus den Widersprüchlichkeiten und Komplexitäten der echten Welt eine Seifenoper gemolken hat.

Und so generiert sich The King’s Speech als klassisches Überwindungskino wie man es tausendfach gesehen hat – der Plot unterscheidet sich nur marginal von Karate-Kid, um es böse zu sagen. Da ist der liebenswerte aber überforderte Held, da ist der seltsam-exzentrische Weise, da sind völlig sinnfreie Komplikationen und am Ende, wenn’s drauf ankommt, passt alles zusammen. Als Film betrachtet ist das Ganze ein trauriges Spektakel, vor allem weil Colin Firth vor allem in Close-Ups eigentlich nur noch ein nervöses Zucken in den Augen bräuchte, um gänzlich als Double von Pruitt Taylor Vince durchzugehen… es mag an der deutschen Synchronisation liegen, oder daran, aus einem Sprachfehler einen dramatischen Makel zu konstruieren, aber Firths Gehemmtheit wirkt paradoxerweise eben übertrieben – anstatt die Sache leise und innerlich anzulegen, macht Firth einen dann ja anscheinend oscarreifen Overacting-Kurs aus der Sache. Wie ja generell anscheinend Behinderungen aller Art immer gut geeignet sind, um eine Schauspielerkarriere anzuschieben – in Wirklichkeit aber stets so absurd wirken, als würden heute noch Schwarze von Weißen gespielt, die sich mit Schuhputzcreme die Haut schwarzglänzend einfärben.

Aber auch die Handlung wirkt oft am Rande des unglaubwürdigen, etwa wenn Prince Albert anscheinend nicht merkt, dass er unter Kopfhörern fehlerfrei spricht und sogar zu arrogant-selbstmitleidig ist, um sich die Aufnahme anzuhören, oder wenn er spiegelbildlich dann doch neugierig genug ist, um sich die Aufzeichnung davon später anzuhören – der Film wimmelt von solchen Balanceakten auf oblatendünnen Suspension-of-Disbelieve-Momenten, die einfach nur da sind, um die Handlung voranzutreiben, und die dich als Zuschauer greifbar aus der Glaubhaftigkeit werfen, die ein historischer Film nun einmal bräuchte, um «echt» zu wirken. Ohne diese Glaubhaftigkeit bleibt aber nur eine Rahmenhandlung zwischen zwei guten Darstellern, die man aber ähnlich bereits hundertfach gesehen hat, und die sich keinen Millimeter aus dem Raster der Berechenbarkeit herauswagt, bis hinab zu den schwellenden Geigentönen und dem brandenden Applaus und dem jubelnden Volk – alles bloß weil ein Mann eine Radio-Ansprache halbwegs passabel herausgebracht hat.

Dabei gibt es durchaus Zwischentöne, die herauszuarbeiten es sich gelohnt hätte, an die der allzu monarchiefreundliche Film sich aber nur verbrämt herantraut. Etwa die Frage, ob der walisische Prinz und Interims-König Edward nicht wahrhafte Größe zeigt, wenn er die Krone für die Liebe aufgibt (er wird aber nur als Weichei portraitiert – die Vielschichtigkeit der Geschichte hinter der kurzen Amtszeit des Duke von Windsors wird im Film nicht einmal angerissen, ebenso wenig Edwards Faszination gegenüber dem faschistischen Regime, die fast nur in einem Nebensatz erwähnt – und dabei Wallis Simpson zugeschrieben – wird. Anhand der beiden Brüder hätte man eine komplexe Geschichte von Pflicht und Größenwahn, vom rigorosen Druck einer monarchischen Dynastie erzählen können – die zugleich auch spiegelbildlich die Geschichte moderner Politfamilien wie der Kennedys und der Bushs hätte abgeben können. Statt dessen belässt «The King’s Speech» es bei einer zutiefst banalen Freudschen Kindheits-Trauma-Geschichte von korrigierten X-Beinen und einer Umerziehung zum Rechtshänder, die Albert zum Stotterer werden lässt, der im Schatten von Vater und photogenerem Bruder lebt. Auch der durchaus spannende Gegensatz zwischen Albert und Hitler wird im Film bestenfalls angerissen – hier der zur Macht geborene, zeitlebens darauf vorbereitete und dann eben doch im rhetorischen so unfähige Albert, diese seltsame Degeneration einer Monarchie, in der Macht nicht von Können oder Willen ahängt, sondern von der Lotterie der Geburt, dort der selbsternannte Herrscher Hitler, der aus seiner Abstammung lieber ein Geheimnis machte, von einfachen Zollbeamten abstammte, und der sich mit der Kraft seiner Rhetorik eine perfide Neo-Monarchie errichtete, die Alptraumversion einer Monarchie, wie sie sich nur ein komplexzerfressener Junge zusammenreimen kann. Aus diesem Gegensatz im Konzept der Führerschaft- dem Bild einer geronnenen blutleeren Monarchie einerseits und dem dunklen Spiegelbild einer Diktatur, der postindustriellen Monarchieform, in der es nicht um blaues Blut geht, sondern nur noch um Macht -, aus dem Zusammenprall alten Commonwealth-Weltreiches und der krebsartig mutierten Form dieses Imperialismus zu etwas noch viel schlimmeren, weil hier selbst der letzte Rest Würde und Anstand und stiff upper lip des British Empire eben fehlt und durch die Primitivität des Emporkömmlings, des Neureichen ersetzt wird … aus all dem hätte man ansatzweise etwas machen können. Statt dessen starrt Albert/George auf die Wochenschau und wirkt nahezu neidisch auf die rhetorischen Fertigkeiten des Agitators blickt, der das Werkzeug Rundfunk und Fernsehen (und damit die Massen) so viel besser bespielt als er selbst. Angerissen, immer nur angerissen, ist auch der Wandel von Charisma, von Regentenschaft und Repräsentanz, der Narration von Macht, in Zeiten des Massenmediums, wenn George V in einer – fiktiven – Szene seinen Sohn vor das Rundfunkmikrophon zwingt… aber auch dieser Wechsel von Ross und Reiter, diese Entwicklung eines Mediums zu einer Herrschaftsform in und für sich, geht im Film unter. Dabei steckt hier so viel Musik drin – die Tatsache, dass die Medien es eben erlauben, dass der letzte Scharlatan an die Macht kommt, solange er nur gut genug verkaufbar ist, die Entwicklung zu einem System von Trainern und Beratern (seit etwa den 20er Jahren bereits), die die Politik publikumstauglich machen. Wenn am Ende Lionel Logue (von Geoffrey Rush so gut und so leise gespielt, das man nicht verstehen kann, warum er keinen Oscar erhielt, sondern eben Firth) den Regenten am Mikrophon fast hypnotisch führt, im Wortsinne dirigiert wie ein Instrument, bedient wie eine Handpuppe, wenn die Radioansprache fürs Photo nur noch nachgestellt wird… dann ahnt man, welches Potential Hoopers hier verschleudert, wie viel in diesem Stoff liegen könnte, aber im Dekor-Tand erstickt wird. Selbst das naheliegendste Thema – das Leben als König, das Leben im Vakuum der Macht – wird nur im Streiflicht erzählt oder als Kindheitstrauma breitgetreten. Auch hier gibt es nur skizzenhaft den Moment, in dem Edward und Albert auf Alberts Feier miteinander reden und durch das Haus gehen, und jeder der Bediensteten innehält und sich – völlig ignoriert von den beiden Herzogen – kurz verbeugt, eine Szene, die später auf dem Weg zur finalen Radioansprache noch einmal gespiegelt wird. Flüchtig ist hier greifbar, wie die Lordschaften eine Aura der Verunsicherung, der Einschüchterung umweht, wie die Welt sich um sie herum zu verbiegen scheint, wie sie von Jasagern, von Kopfnickern umgeben sind. Was «The King’s Speech» nur nutzt, um Logues (fiktionale) Respektlosigkeit zu profilieren, wäre eigentlich einen Film an sich wert – diese seltsame Räsonanz von Volk und Herrscher, die gegenseitige Eingeschüchtertheit, das Fremdeln miteinander.

Statt dessen liefert Hoopers einen Film, der sich von Klischee zu Klischee hangelt, der fast ehrfürchtig vor der Monarchie innehält, ironiefrei (und wieder fiktional) die royale Familie auf dem Balkon des Buckingham-Palace zeigt, die dem einfachen Volk zuwinkt, die Kamera schon auf der jungen Elisabeth verharrend. Bewusst oder unbewusst spielt Hoopers ein Spiel, dass wir aus ungezählten Filmen kennen – das des «armen reichen Mannes», ein Muster, das es seit den Kinotagen der 20er Jahre gibt und das Kracauer ja nicht ohne Grund bereits seinerzeit kritisierte. Der Film schafft eine Distanzlosigkeit, einen Affekt von Mitleid für den «armen König George», der doch unter dem Kostüm des Monarchen ein ganz netter Kerl zu sein scheint, der auch Fluchen möchte und der nur in der Vakuumkammer des Lionel Logue zu sich selbst zu finden scheint, sich therapieren kann. Es ist eine denkbar platte Umsetzung von «Lieber arm und gesund als reich und krank», die keine Strukturen hinterfragt, sondern anbiederndes Verständnis feilbietet, die verkleistert statt zu analysieren. Es ist insofern ein Film, der sich in keinem Moment über die reine, leider auch noch arg berechenbare, Unterhaltungsebene einer Vorweihnachtsserie hinauswagt, der dem eigenen Kitsch der Vergangenheit völlig erlegen ist, dem Weichzeichner des Rückblicks zum Opfer fällt und keine der vielen Chancen bietet, etwas zu unserer Zeit zu sagen, etwas zu lernen, mehr zu sein als solide verarbeitete Popcorn-Beigabe.

Es weht insofern in dieser Naivität auch ein Hauch von neuer Sehnsucht nach monarchischen Strukturen durch den Film – eine Sehnsucht, die man in den letzten Monaten auch beim Wirbel um die Guttenberg-Familie atmen konnte -, ein simpler Glaube an gute Herrscher (Könige) und böse Herrscher (Diktatoren), eine banale Einfachheit, die den Film oft auf die Ebene einfacher Sitcom-Strukturen herabzieht, etwa wenn der König sich ein bisschen an Fäkalsprache austoben darf. Dabei ist es ja nicht schlimm, wenn ein Film einfach oder sogar einfach dumm ist – schlimm ist nur, wenn man ahnt, dass er viel mehr Potential hätte und sich bewusst kleiner macht. Es gibt einfache Komödien, die sich in den Details, den Zwischentönen zu einer unerwarteten und dann überraschenden Größe aufschwingen können (wie etwa «A Serious Man» von den Coen-Brüdern), und es gibt Filme, die viel sein wollen (oder es zumindest vorgeben) und am Ende dann doch wenig erreichen, die das Große eher klein scheinen lassen… «The King’s Speech» ist leider eher letzteres geworden.

20. März 2011 19:15 Uhr. Kategorie Film. Tag . Keine Antwort.

Beausage

Basierend auf einem alten Blog-Eintrag habe ich Ende 2010 einen kurzen Artikel für Neuwerk – x mal Nutzen, einer sehr schönen Publikation der Burg Giebichenstein, geschrieben. Während der erschienene Artikel von der Redaktion gottseidank etwas bereinigt und insofern besser ist, habe ich nur noch meine letzte, von den Lektoren sicher zu Recht noch stark kritisierte, Textfassung parat, die aber auch so in dieser Form irgendwie ganz gut ins Blog-Archiv passt…

Beausage.
Oder: Warum Design erst durch den Nutzer schön wird.

Die Schönheit der Abnutzung
Jeder von uns kennt diese Gegenstände – die bequemgelaufenen Dr.Martens, die löchrige Jeans, der geerbte Kolbenfüller, die alte Omega, das mit Kaffeeflecken und alten Notizen übersähte Buch, der uralte Fahrradsattel. Alltagsobjekte, deren Ästhetik geprägt ist von Abnutzung, einer gewissen Abgewetztheit, einer Nutzungsgeschichte. Für diese Entstehung einer bestimmten «Schönheit» durch Be- und Abnutzung prägte der amerikanische Fahrrad-Guru Grant Petersen den Begriff «Beausage» (sprich: Bjusätsch), ein Kunstwort aus «Beauty» und «Usage», um zu beschreiben, dass natürliche Materialien wie Leder, Baumwolle, Metall oder Holz schöner altern als synthetische Stoffe, die eher «Junk» werden (eine schöne Parallele zu Rem Koolhaas Analyse moderner kommerzieller Architektur als «Junk Space»). Laut Petersen ist einigen Materialien eine gewisse Ehrlichkeit schlichtweg inhärent. Leder altert, Polyester vermüllt. Echtes Chrom am Auto ist zeitlos – aufgedampftes Chromfinish hingegen kratzt ab und legt das billige Plastik darunter frei. Ein Cellulose-Füller gewinnt Charakter durch Abrieb, ein Plastik-Füller bleicht aus. Genähte Ledersohlen erzählen eine Geschichte von gegangenen Wegen, Gummisohlen lösen sich auf. Ein Backsteingebäude altert schöner als ein Betonbau. Beausage hat insofern auch etwas mit intensiver Benutzung und liebevoller Pflege zu tun, mit dem subjektiv-überfunktionalen Fetisch von Alltagsobjekten, mit Dingen, die uns ans Herz wachsen, mehr werden als «nur» ein Notizbuch oder eine Uhr.
Dabei geht es keineswegs um den Oberflächeneffekt der Patina, der «guten alten Zeit». Der Unterschied zur naiveren Nostalgie wird greifbar, wenn Architekten in hilflos antagonistischer Geste zum Modernismus versuchen, «Retro» zu bauen und dies mit modernen Budgets und Materialien tun müssen – das Ergebnis ist meist ein ohne Not auf Alt getrimmter Camouflage-Bau, der wenig mit der würdevollen Aura eines Gebäudes zu tun hat, das tatsächlich Jahrhunderte durchlebt hat und in jedem von Wind und Regen rundgeschliffenen Stein einen Teil dieser Geschichte trägt. Beausage ist also nicht das Wiederaufkochen klassischer Formalästhetik, sondern das Vorhandensein einer materiellen Ehrlichkeit und emotionalen Bindung im Design selbst, einer Idee von Angemessenheit im alltäglichen Gebrauch. Unter den richtigen Bedingungen kann also auch ein hypermoderner Entwurf Beausage entwickeln. Es geht keineswegs um ein Auf-Alt-Styling, im Gegenteil – Beausage ist die Idee einer langlebigen und real greifbaren Substanz, die mit dem Benutzer langfristig in Dialog treten kann und in der Modifikation dazugewinnt. Beausage ist insofern auch eine Form sozialer Interaktion mit einem Autorenwerk, wobei der Autor in diesem Fall der Designer ist, ganz unabhängig von der Frage, ob Kommunikations- oder Produktdesign – und auch von der Frage, ob der Absender diese Interaktionsmöglichkeit semantisch intendiert, also bewusst ins Design «codiert», etwa durch die Materialwahl, oder diese autonom emergiert, weil der Nutzer eine persönliche Beziehung zu einem Gebrauchsgegenstand oder einem Medium findet und dieses sich durch die Benutzung verändert.
Allein dieser Aspekt ist bereits für Architektur und Produkt-Design beachtenswert, wenn es um «Emotional Design», die Frage nach dem Potential einer emotionalen Aufladung von Gebrauchsgegenständen geht, die sich eben nicht oberflächlich herbeigestalten lässt, sondern aus einem Gespür für authentische Materialien und die Alltagsanwendbarkeit erwächst – Beausage ist intendierbar und sozusagen in der DNS eines Mediums oder Objektes latent verankerbar.
Zugleich hat Beausage auch einen erklärenden Aspekt – Abnutzung veranschaulicht Funktion. Der Trampelpfad im Feld markiert den besten, sichersten Weg durch den Wald. Der abgewetzte Siebdruck auf den Tasten eines Cassettenrecorders zeigt, welche Funktionen die wichtigsten des Gerätes sind, etwa um aufzunehmen oder abzuspielen. In einem oftgelesenen Buch zeigen Eselsohren, Kaffeeflecken und Notizen/Unterstreichungen schnell den Weg zu den wichtigen Passagen. Hier bekommt Beausage eine funktionale Dimension. Die Dinge sehen nicht nur besser aus, je länger man sie benutzt (bzw. altern ehrenvoll), ihre Benutzung wird auch zur sich materiell manifestierenden Bedienungsanleitung». Beausage ist insofern auch ein über den Lebensraum des Designs gehender «clandestiner» Tauschprozeß zwischen dem Designer und dem Benutzer, bei dem der Designer sich anhand eines fiktionalen Nutzers einen langfristigen Nutzungsprozess vorzustellen versucht – während der tatsächliche Benutzer die latenten Möglichkeiten des Entwurfs seinerseits im explorativen Spielprozess entdeckt und für sich selbst weiterentwickelt… durchaus auch, indem er selbst kreativ in das Design eingreift, etwa durch Modding und Remixing. Spätestens hier wird der subjektive, eventuell sogar gegen die Sender-Intention gehende Charakter von Beausage offenbar: Die Autobauer in Wolfsburg mögen einen mit allerlei Plastik verspoilerten Golf nicht geplant haben oder in ihrem Sinne finden, für den Nutzer aber stellt diese Form von Individualisierung einen wichtigen Ästhetikaspekt Fahrzeugs dar. Des einen «Verschandelung» ist des anderen Beausage – sie verlangt also Toleranz(en) im Design, ebenso wie Ansatzpunkte für die eigene Kreativität des Nutzers.

Die digitale Devolution
Wichtig für modernes Design ist die Frage: Lässt sich die Idee einer Beausage von der analogen Welt der greifbaren Objekte in die «digitale» Welt der Simulacra übertragen, in der es die von Petersen postulierten Materialien überhaupt nicht mehr gibt? In der Objekte immer unwichtiger und «Medien» rasant entstofflicht werden? Können wir also analog zum intuitiv einleuchtendem Beausage im Produktdesign zu einem ähnlichen Brgriff im eher immateriellen Kommunikationsdesign kommen?
Die Entwicklung der letzten vier Dekaden kann man sicher als schleichenden Abschied von der analogen Welt bezeichnen. Otl Aichers Kritik der Digitaluhr wirkt heute immer noch zutreffend und Walter Benjamins Beschreibung der schwindenden Aura von «Kunst» in mechanischen Reproduktionsprozessen findet in der Echtzeitverfügbarkeit nahezu aller medialen Erzeugnisse als Download eine fast surreale Überspitzung, wenn jeder beliebige Inhalt «ubiquitous» wird, global exponential vervielfältigt ins Unendliche. Auch die Produktion von Medien und Objekten ist zunehmend digital geworden: Bücher schreibt der Autor mit der Textverarbeitung, Gebäude werden mit CAD-Software geplant, Musik entsteht mit virtuellen Instrumenten am Laptop, Filme werden mit Digitalkameras aufgezeichnet, einzig die bildende Kunst scheint sich noch den Anachronismus primär haptisch erfahrbarer Entstehungsprozessen zu gönnen – obwohl natürlich hier auch längst der theoretische Akt, die Idee, zentral ist, nur sekundär das materielle Unikat.
Musik, Film, Text, Bild, Spiel, eine durch Twitter oder Facebook usw. hochtechnisierte Fassung sozialer Interaktion und natürlich auch die postindustriell-entmaterialisierte Form der Arbeit sind im universellem Konvergenzmedium tragbarer Client-Computer angekommen, die alle bisherigen Medien überschreiben könnten.
Der Haken: Digitale Meta-Medien nutzen sich nicht ab. Während man auf einer Vinylplatte schon am Knistern hört und an den Kratzern sieht, welchen Song man am liebsten hörte (Beausage), ist eine MP3-Datei auch nach hundertfachem Hören immer noch im «état orginal», ebenso wie ein iBook keine Kaffeeflecken und Eselsohren kennt. Das Gehäuse des iPhone mag zwar noch Gebrauchsspuren aufweisen, die verschiedenen simulierten Medien darin nicht mehr. Der Inhalt ist in einer Art reverser Dorian-Gray-Fabel angekommen, in der das Bild eben nicht mehr altert, sondern nur noch der Betrachter davor.
Auf dieses Defizit reagieren digitale Programme derzeit durch die Simulation von Alter. So wie die frühe Typographie ihren gegenüber der Handschrift sterilen Charakter durch das Einbringen einer «Kursiven» zu bemanteln versuchte, simuliert die Software heute eine Art Pre-Worn-Look. Auf dem iPad bricht Apple sogar selbst mit den sonst eher minimalistisch-klaren hauseigenen GUI-Ansätzen und liefert mit Pages, Numbers, iCal, iBooks und Notes den leicht kitschig anmutenden Versuch, analoge Medien nachzubilden. Diese Virtualisierung findet vor der Folie der Hilflosigkeit gegenüber einem neuen Trägermedium statt, das nicht richtig «echt» sein kann, aber als Blackbox auch nicht mehr wirklich mit herkömmlichen Betriebssystem-Interface-Metaphern übersetzt werden kann. So versucht Apple, einerseits nach «echtem» Kalender/Buch/Notizblock auszusehen, indem es Leder- und Holzoberflächen, Metallklammern und Pageflips zitiert, die tatsächliche Bedienung kommt aber nicht ohne Interface-Krücken wie Tastatur und Touch-Klicks aus. Tatsächlich wird genau hier der Übergang von analoger zu digitaler Welt besonders greifbar, weil in der Nachahmung umso deutlicher wird, was den Simulacra fehlt – Haptik, Abnutzung, Reaktivität. Simulierte Medien mögen aussehen wie ihre analogen Gegenstücke, aber sie bleiben hinter kaltem Glas und können nur soweit «reagieren», wie ihre Programmierung es zulässt. Dieses seltsame Zwitterdasein erinnert an das frühe Fernsehen, das eher abgefilmtes Theater war, bevor das Medium durch Trial-and-Error eine eigene Art von Semantik entwickelte. Dem Metamedium iPad etwa aber fehlt (noch) ein eigener Zeichenschatz, deshalb shanghait es den der «echten» Medien ebenso wie den von MacOSX – ein transitorischer Zustand, der zeigt, wie jung und damit auch innovationsoffen das Interfacedesign in diesem Bereich noch ist.
Es wird die Aufgabe zukünftigen Designs (das sich mehr und mehr zu einem Amalgam aus Mediendesign und Programmierung entwickeln könnte) sein, auf diese gegenwärtige Devolution analoger Wesenhaftigkeit im digitalen Pendant zu reagieren, sei es durch überzeugendere Simulationsstrategien (d.h. höhere Auflösungen, glaubhafteres Sampling, virtuelle Realität) oder durch innovativere, komplett neue Interaktionsfiktionen, die jenseits der bisherigen Simulacra stehen und diese überschreiben. Hier liegt zugleich die Chance, der postmodernen Infragestellung von «Authentizität» eine neue Wendung zu geben, indem unweigerlich die digitalen Medien die Frage nach Original und Fälschung, Echtheitund Künstlichkeit ganz neu beantworten müssen. Und so wie in der analogen Welt jede Uhr, jeder Stuhl einen Schöpfer (ergo, ob er sich so nennt oder nicht, einen Designer) hat, so hat jedes virtuelle Medium, jedes virtuelle Objekt einen Interfacedesigner. Da im digitalen Bereich jede Form von Objekt eine Software ist – auch ein virtuelles Notizbuch ist nur ein Programm – wird das Mediendesign im digitalen Bereich das Produktdesign übernehmen, denn hier müssen selbst in der analogen Welt selbstverständliche «autonome» Details wie das Umblättern einer künstlichen Buchseite definiert und gestaltet werden. Will diese vollends durchgestalteten Hyperrealität überzeugen, muss sie hin zu einem neuen Begriff von nutzerzentriertem Design, zu Beausage.

Beausage als Simulation
Für virtualisierte Medien ist Beausage insofern ein Schlüsselbegriff, wenn es darum geht, Abnutzung als Designaspekt zu begreifen. Als Beispiel sei das Spielzeug Furby genannt, ein kleiner Spielzeug-Kobold, der mit einer simplen Software «Lernprozesse» simuliert, bei dem sich Furby durch wiederholte Kommunikation die Sprache seines Besitzers scheinbar aneignet. Die Furby-Software, die aber nur spracherkennungsbasierte Reiz-Reaktions-Muster erlaubt, ist zu solchen komplexen Lernprozessen gar nicht in der Lage. Deshalb simuliert der Furby das Lernen, indem nach einer Weile des Spiels das Programm in eine zweite Phase geht, in der Furby mehr «kann» und neben der Furby-Kunstsprache auch Deutsch gelernt zu haben scheint. Wenn Furby also nach einer Weile bilingual singt und spricht, ist die Simulation des Lernens so glaubhaft (selbst wenn man den Trick dahinter kennt), dass die aktive Nutzung des Spielzeugs «belohnt» zu werden scheint, auch der eingeweihte User lässt sich auf die Illusion ein.
Will man Metamedien wie das iPad (das nur ein Vorgeschmack auf leistungsstarke Thin Clients gibt, die den Nutzer unsichtbar mit dem Äther verweben) also ummünzen zu einem «Hyper»-Medium, geht es um eine authentische (im Sinne von «hinreichend überzeugend gelogener») Interaktion mit der Software. Die Programme, vereinfacht gesagt, müssen telepathisch werden und den Benutzer miteindenken, wahrnehmen, auf ihn eingehen, sich reaktiv anpassen – oder zumindest so wirken. So wie Seife in hundertfacher Nutzung geformt wird, werden auch ätherische Medien als nächste große Hürde die (Ab-)Nutzbarkeit, die Formbarkeit durch den Nutzer einplanen müssen. Dabei reicht es aber langfristig keineswegs, wie beim Furby, eine Art Pseudo-Dialog zu liefern, die reine Simulation einer Antwort, die der Absender vorweg eingebaut hat.
Was auf den ersten Blick als antikommunikatives Einplanen des Nutzers als Schaltmoment in vorab vom System abgesteckten Wahlmöglichkeiten kritisierbar wäre, muss mit der Entwicklung zunehmend künstlich-intelligenter Softwares mehr werden. Bereits heute animieren etwa digitale Spiele nicht mehr bestimmte Verhaltensweisen Bild für Bild – etwa die Verformung von Metall bei einem Autounfall – sondern basieren diese Bewegungsabläufe auf der mathematischen Zugrundelegung simulierter Naturgesetze, durch die jeder Crash anders verläuft, anders wirkt, unberechenbar wird. Es ist also denkbar, dass sich der Turing-Test eben nicht nur auf simulierte Kommunikation mit «Menschen» erstreckt, sondern auch auf die Interaktion mit virtuellen Gegenständen und Medien. Will man das Hypermedium als perfekte Illusionsmaschine begreifen, die vom Touch-Screen zur Touch-World führt, ist neben einer die Wahrnehmung auf weitere und überzeugendere Kanäle verteilende Panorama-Erweiterung (taktiles Feedback, 3D, VR-Brillen, auditive, eventuell olfaktorische Ergänzungen, langfristig also die Verwischung von fact und fiction auf biokybernetischem Weg) die Beausage entscheidend – sie wird zur authentischen Interaktionschance im simulierten Setting. Der von Science-Fiction-Autoren wie Stanislaw Lem (Der futorologische Kongress), Neil Stephanson (Snowcrash) oder William Gibson (Virtual Light) vorgedachte «Cyberspace» (den Lems deutsche Übersetzung wunderbar passend «Homikry» nennt) braucht ein Umdenken im Designprozesses, der bisher immer noch auf eine einseitige Kommunikation, ein lineares Sender-Empfänger-Denken, eine zu simple Idee von Autorenschaft als Monolog setzt. Wir Designer denken immer noch in Strukturen, in denen wir alleine Entscheidungen treffen und der Nutzer keine Eingriffschance hat. Wenn dies in einer zunehmend virtuellen Welt, in der nahezu alles «Design» ist so bleibt, können zum einen die Designer die Komplexität von nötigen Vorweg-Entscheidungen kaum leisten, zum anderen aber wird vor allem der Nutzer zum Opfer extrem eingeschränkter Handlungsoptionen. Um beim Beispiel des eBooks zu bleiben – hier kann der User erst dann zB durch Umknicken einer Seite Lesestellen markieren oder auf die Seite kritzeln, wenn Interfacedesigner und Programmierer dies vorsehen, im Zweifelsfall also vielleicht nie.
Die Idee von Beausage ergibt hier neues Designer-User-Modell, das den Anwender à priori zum zentralen Faktor einer hochflexiblen und -komplexen Narration macht. Der Designer (der ja heute meist nicht mehr alleine agiert, sondern im Verbund mit Programmierern, Autoren, usw.) formt hier die möglichen divergenten und vielfältigen User-Reaktionschancen zu einem kohärenten Ganzen, das ausreichend stringent ist, um eine frustrierende Verzettelung in der multi-vektoralen Konfigurationenvielfalt zu vermeiden, er schafft also zugleich Vielfalt und Einfachheit und versucht, den User zu involvieren, mit ihm «ins Gespräch» zu kommen. Das Design von morgen ist kein Monolog mit voreingebauten Antworten, sondern ein von der Fiktion zur Realität übergehender Dialog mit real implementerten Feedbackchancen für die Nutzer.

Design als Spiel
Bereits auf der allereinfachsten Ebene (etwa der Simulation eines authentisch alternden digitalen Notizbuches, eines virtuellen Moleskine) bedeutet dies eine neue Form von Bescheidenheit und Zurücknahme auf Seiten des Gestalters – ganz anders als bisherige Design-Paradigmen, die nach der perfekten, transzendental «reinen» Form suchen, die der Designer allein kontrollieren kann.
In der digitalen Form muss Beausage vorweggenommen werden, oder vielmehr antezedierend im Design eingeplant sein, da es keine echte raumzeitliche Materie mehr gibt für Verwitterung oder Abnutzung. Die falsche «Authentizität» muss also als Potential im Design angelegt sein – und zwar so unberechenbar, dass der Benutzer die Simulation nicht mehr durchschaut, sondern in einer Art augenzwinkernden Übereinkunft über das Simulacrum als «echt» akzeptiert. Man kommt hier von der platonischen Superexistenz, dem Versuch, in Design eine unangreifbare, absolutistische Wahrheit abzubilden, zu einem dialogischen Modell von Versionen, Interpretationen, gemeinsamen Wegen und Umwegen… ergo zum Spiel.
In der Programmierung digitaler Spiele ist es längst normal geworden, das Nutzerverhalten vorwegzunehmen und in seinen Entscheidungsmustern und -potentialen vorwegzunehmen, also selbst effektiv in die Rolle des Spielers zu schlüpfen. Viele Spiele entwickeln ihr Potential erst in der wiederholten Benutzung, wenn andere Entscheidungen neue Reaktionen der Software bedingen, jede Spieliteration einen (scheinbar) anderen Verlauf nimmt. Im Design von Interfaces, Software und Applikationen ist diese Idee nach wie vor tabu, die Programme sind meist nicht reaktiv.
Ein Grund hierfür liegt in der Tatsache, dass Designer (wie Programmierer) versuchen, den Dialog zwischen Mensch und Software erfolgreich und berechenbar zu halten. Das Ergebnis ist, dass die Möglichkeiten des Users vorselegiert sind, beschnitten, möglichst eindeutig und somit erwartbar/codierbar bleiben. Der Zufall hat keinen Raum in Microsoft Word. Für den Benutzer bedeutet dies, dass die Software ihn nicht überraschen kann – positiv wie negativ – und sich aber eben auch nicht nicht an ihn «anschmiegt». Es gibt zwar einige eng eingegrenzte Ansätze (etwa lernende Menüs, die nur häufig benutzte Befehle anzeigen), aber in toto ist Software oft noch ein Monolog. Wenn aber das Verschwinden analoger Medien und Objekte nicht zu einer formalen und inhaltlichen Wahrnehmungsverarmung führen soll, hat die Vorstellung von Kommunikationsdesign als steuerbaren Prozess keine Zukunft. Was übrigens auch bedeutet, dass der Rezipient und Nutzer sich vom Gedanken eines «perfekten» Designs verabschieden und die Idee eines permanenten Beta-Testes akzeptieren müsste, Beausage entsteht. Schon jetzt gibt es im Webdesign und bei Applikationen oft keine finale Form mehr – digitaler Inhalt bleibt wie Teig, unendlich verformbar, ergänzbar, flexibel. Remix wird zum Dauerzustand, der Prozess als gemeinsames heuristisches Erleben wichtiger als eine solide «Statik». Der Weg, so einfach ist das, ist das Ziel geworden. Und das Ziel ist mehr denn je Involvement, Auseinandersetzung, Aufmerksamkeit, Spaß. Im Spiel geht es darum, einander interessiert genug zu halten, um im Spiel zu bleiben, zu Geben und zu Nehmen.
Unnötig zu betonen, dass sich in diesem abstrakteren Verständnis von Beausage als Ästhetik, die erst durch den dialogischen Designprozess zwischen Gestalter und Benutzer über die Zeit entsteht, wie geschaffen ist, um Social Media «designbar» zu machen – indem nämlich nicht die sozialen Medien kontrollierbarer werden, sondern der Designprozess umgekehrt sozialer, ergebnisoffener, spielerischer. Beausage-Design ist Fuzzy-Design.
Das Modell eines solchen Designs ist ein fluides Spiel, natürlich intentional gesteuert und mit parametrischen Vorgaben, aber ergebnisoffen, neugierig, evolutionär. Der Designer entwickelt sich weg von der finiten Form, hin zur Freude an der Unberechenbarkeit, die Benutzer andererseits weg von mechanischem Bedienen, hin zum explorativen Entdecken von Möglichkeiten und Veränderungen, hin zu einer Co-Autorenschaft (gemeinsam mit anderen Nutzern). Ansatzweise ist das bereits jetzt zu betrachten, wenn etwa ein Website-Redesign in Echtzeit durch Anregungen und Kritik der Leser demokratisch mitbestimmt wird – die generellen kooperativen Möglichkeiten in einem materielosen Medium, das jede nur denkbare Form emulieren und auch abstrahieren kann, sind aber langfristig kaum auszumalen. Denkbar wäre nicht zuletzt der Schritt von der reinen Virtualisierung bestehender Medien zur Abduktion, einer spekulativ-sprunghaften Emergenz komplett neuer Kommunikationsrhetoriken, die den chamäleonartig flexiblen Möglichkeiten des Digitalen überhaupt erst wirklich gerecht wird. Der Designer wird sich, zugespitzt, loslösen von der mechanistischen Selbstwahrnehmung eines Uhrwerkers oder Schreiners und sich als sozialer Mediator und Katalysator begreifen, als Auslöser, Begleiter, Psychologe, Sozialarbeiter, Futurologe, Geschichtenerzähler und so weiter.

A New (Design-)Deal
Natürlich ist es ein weiter Schritt von der charmanten Abnutzung von Leder oder Metall hin zu solchen kommunikativen Idee von Design, das nicht mehr dem Paradigma des einsamen Autoren folgt, sondern die Benutzung zum integralen Bestandteil des Entwurfsprozesses macht, in dem Ästhetik nicht mehr einseitig vorgegeben ist, sondern spielerisch erarbeitet wird. Aber für angewandtes Kommunikationsdesign – also nicht nur in Form von Gedankenexperimenten über Software und Medien der nächsten Jahre, sondern right here, right now – ist die Vorstellung von einem Design, das erst beim Nutzer reift, zentral. Denn abgesehen von dem Bereich des entstehenden «künstlerischen» Grafik-Designs, der sich in der nahen Zukunft mehr und mehr in Richtung Kunstmarkt und Galerien bewegen wird, wird es für ein sozial orientiertes, auf Wirkung bedachtes Kommunikationsdesign entscheidend sein, den Nutzer nicht zu bevormunden und zu lenken, sondern zu antizipieren, zu motivieren, zur Interaktion einzuladen.
Beausage im abstrakten Sinne eines teleologischen Designansatzes, der den Sinn und Zweck des Designs – die Benutzung, die Abnutzung, den Lebensprozess – und weniger die oberflächliche Ästhetik in den Mittelpunkt stellt, ist insofern möglicherweise die nächste große Hürde unserer technologisch und geschmäcklerisch in einer Art übersättigten Fin-de-siècle-Agonie liegenden Branche, die sich zwischen Zitaten und (selbst zum Zitat gewordenen) Anti-Designs quält. Zugleich liegt hier der Ausweg aus dem bedeutungslosen Konsum-Kuscheldesign, das nur noch Kaufimpulse schaffen soll und die Tätigkeit des Designers zunehmend unter ein sozial negatives Vorzeichen stellt.
Erst wenn wir versuchen, die Vorstellung von Ehrlichkeit, die gutes Leder von billigem Polyester unterscheidet, kann sich Design als relevante gesellschaftliche Wirkungskraft freischwimmen, die einen sozialen (und nicht nur ökonomischen) Mehrwert schafft. Der Begriff der Beausage würde sich dann von einem rein materiellen Begriff in einer immateriellen Welt wandeln und etwas über die Intentionen und die Offenheit eines Designangebotes-Aussagen, über seine Bespielbarkeit, Formbarkeit, Entwicklungs- und Ausbaufähigkeit, Reaktivität, nicht zuletzt über die Frage, ob ein gestalterischer Ansatz «billig» wird oder gut altert, an Schönheit gewinnt. Dazu gehört natürlich auch die Chance, über die Vorstellung von «user-driven» Design eine Form von Designkritik, also überhaupt erst ein Instrumentarium für die Bewertung von Design jenseits von «Cool» und «It sucks» zu erarbeiten. Hier liegt die Möglichkeit für die im digitalen Interface verschmelzenden diversen Design-Subkategorien, aus der geschmäcklerischen Ecke der Dekorateure hinauszukommen und soziale Relevanz zu gewinnen. In einer digitalen Simulacra-Welt, in der eben alles gestaltet ist, können die Gestalter die Verantwortung für die Bedeutung und Folgen ihrer Arbeit selbstbewusst tragen.
Wobei der Weg zu diesem Ziel selbst immer ja nur als Spiel, als Reise, als Forschung mit allen Erfolgen und vor allem Irrläufern zu sehen ist – und insofern mehr Spaß als Arbeit sein sollte. Insofern: Game on.

14. März 2011 21:14 Uhr. Kategorie Design. Tag , , , , , . Keine Antwort.

Ordnung ist das halbe Leben…

Jetzt, wo die sechste Design-Made-In-Germany raus ist, kommt die letzte Vorsicht-Glas-Kolumne hier kurz ins Archiv:

Vorsicht Glas 4:
Ordnung ist das halbe Leben… die andere Hälfte ist Unordnung

Kommt man auf das Thema Ordnung, scheint es oft nur schwarz und weiß zu geben. Die Welt teilt sich in Ordnungsfanatiker und Chaoten plus natürlich jene Chaoten, die gern Ordnungsfanatiker wären (seltsamerweise gibt es kaum Ordnungsfanatiker, die gern chaotisch wären, der Ordnungsfimmel scheint also gesellschaftlich Zielcharakter zu haben). Ich habe das nie verstehen können, schon weil es »Ordnung« nicht gibt, sondern nur die Annäherung daran. Kaum mit dem Aufräumen fertig, sammelt sich schon wieder Staub und Detritus, kaum ist die Mailbox entrümpelt, kommt neuer Spam, auch ein sortierter Bücherschrank ist nur von kurzer Dauer, bis die neuen Titel sinnvoll einsortiert werden müssen und der Platz zu eng wird usw. Jeder Ordnungsakt trägt also schon den nächsten in sich. Ordnung ist demnach kein Endzustand, sondern ein Prozess, kein Ziel, sondern eine permanente Methodik des Auslesens, Bewertens, Sortierens. In der digitalen Welt lassen sich Ordnungszustände tatsächlich in Form von Archiven als »Ziel« mittelfristig stabil erreichen, aber auch hier ist jede kleine Veränderung der Struktur, jeder Neuzugang, jede Erweiterung von Parametern eine Herausforderung – weswegen viele IT-ler in großen Firmen Veränderungsprozessen meist konservativ gegenüber stehen. Jede neue Ordnung ist für sie nämlich zunächst eine Unordnung in der Datenstruktur.

Ordnung als Prozess ist der alltägliche Kampf gegen Erosion und das schleichende Gift der Broken-Window-Theorie, nach der die inkrementale Ansammlungen schleichender kleiner Unordnungen irgendwann zum Chaos führt. Zu ernst genommen, kann dieser Prozess aber zu einer paranoiden Furcht vor jeder Form von Veränderung und Restrukturierung führen, alles, was das gewohnte System verändert, ist wie ein Virus abzuwehren.

Im Spannungsfeld jenseits der Extreme von Messie-Syndrom und Waschzwang findet sich ein dynamischer Kreislauf von Aufbau, Veränderung, Zerfall, Re-Iteration, ein nicht enden wollender Lebensprozess. Endgültige Ordnung wäre in einem solchen Kreislauf starre Stagnation. Wer Ordnung als Endziel betrachtet, hat gute Chancen, unglücklich zu werden, an dem zu hohen Ziel zu scheitern, zum Kontrollfreak zu mutieren, »ungemütlich« zu sein. Entspannter lebt, wer versteht, das Unordnung Teil des Seins ist, nahtlos zu »Ordnung« gehört. Beide sind nicht Antipoden, sondern ein Integral.
Das hat nicht nur mit der Frage zu tun, wie der eigene Schreibtisch aussieht – sondern auch mit Design als Vorgang des »Ordnens«. Designer – wie Architekten, aber anders als »echte« Künstler – sind mit Lösungen, Wirkungen und dem sinnvollen Gliedern von Elementen verschiedenster Art befasst, angefangen mit Typographie, die die Welt in Buchstaben zerlegt und sie von oben nach unten, links nach rechts in eine scheinbare »Ordnung« bringt. Designer haben deshalb in ihrer Arbeit oft den Blick auf Ordnungssysteme als anzustrebender Endzustand. Ein Corporate Design ist für sie oft ein gefrorener Zustand, in einem Manual, einem Regelwerk, festgehalten. Und wehe, da macht jemand Unordnung und benutzt nicht die Hausschrift oder macht das Logo kleiner als 1/21tel der Seitenbreite. Der Designer kämpft immer (ohnmächtig) gegen die Windmühlen der Entropie, die von allen Seiten an seiner perfekten Ordnung zerren. Das Marketing will einen Störer, die Sekretärinnen gestalten selbst einen Newsletter in ComicSans, der CEO ist etwas älter und will eine größere Schrift, die nicht ins Raster passt. Uns Designer bringt das zum Verzweifeln – denn wir sind gewohnt (wenn wir sauber arbeiten) von der ersten Sekunde an zu gliedern, zu rationalisieren, Entscheidungen zu treffen, den Optionen-Dschungel zu reduzieren und Klarheit zu generieren. Nach den ersten Skizzen legen wir meist schon das Regalsystem eines Rasters an, damit alles einen »Sinn« hat und jedes Bausteinchen am rechten Ort liegt – und die digitale Arbeitsumgebung unterstreicht dieses Gefühl, Ordnung herstellen zu können. Und wie jeder Sammler, der in seiner Vitrine sorgsam alle Objekte ausgerichtet und abgestaubt hat, werden wir unfroh, wenn da jemand auf einmal alles anfasst und zerzaust. Die Folge ist, dass heute zu viele Corporate Designs wie Powerpoint-Templates wirken, austauschbar und ein wenig langweilig, vor allem bei größeren Unternehmen, weil sie mit einfachsten Strukturen versuchen, die Unordnung in den Griff zu kriegen, Design zu schaffen, das auch der dümmste anzunehmende User noch handhaben kann. So herablassend und gleichförmig sieht es dann aber natürlich auch aus. Am Ende solcher Prozesse stehen antiseptisch saubere Informationsarchitekturen, – clean wie Küchen, in denen alles glänzt und blitzt, in denen man aber nicht essen kann (geschweige denn zu kochen wagt), weil man Angst haben muss, Fingerabdrücke zu hinterlassen. Ich habe CD-Prozesse erlebt, in denen Geschäftsleiter laut überlegten, ob man nicht gleich einen unternehmensweiten unzweideutigen Dresscode festschreiben solle – der neurotische Wasch- und Ordnungszwang ist also nicht nur bei Designern verbreitet, sondern auch bei Arbeitgebern, die sich natürlich erst recht alles steuer- und kontrollierbar wünschen (auch den Designer selbst). Diese Form von »Ordnung« ist nur leider das Ende jeder Innovation – und zudem nervenaufreibend für alle Beteiligten.

Ob im Alltag oder im Design – es hilft, Ordnung nicht als festen, materiellen Zustand auf Dauer zu begreifen, sondern als flüchtiges Ziel, als Blaue Blume. Zentral ist, dass die Unordnung ein integraler Bestandteil, sogar ein Sinn der Ordnung ist. Wir spülen nicht, um saubere Teller für immer in den Schrank zu stellen – sondern, um davon essen zu können. In diesem Zweck des Tellers ist das nächste Schmutzig-sein unabwendbar eingebaut. Der Teller muss sowohl dreckig als auch sauber sein dürfen, um als Teller zu funktionieren. Ein nur sauberer Teller ist Wanddekoration, ein nur benutzter Teller ist zum Essen zu unhygienisch. Design, verstanden als bewusste Balance von Ordnungs- und Unordnungszuständen, kann das verstehen und anstelle einer toten (latent faschistoiden) »Endordnung« auf ein kybernetisches, navigatorisches System setzen, das permanent Ordnung und Unordnung, die Energie von zerstörerischen Kräften und von systemischen Selbstregelungsvorgängen, neu austariert.

Im Idealfall heißt das, dass du als Designer langfristig mit einem Kunden zusammen arbeitest und – vor allem – sein Vertrauen genießt und nicht nur als Architekt eines Systems fungierst (womit unweigerlich jedes Design anfängt), also eine eigene gestalterische »These« umsetzt, sondern mittelfristig das selbstgeschaffene System offen für äußere Einflüsse hälst. Das heißt, dass du nachfragst, Feedbackschleifen ermöglichst und mit Schumpeterscher Zerstörungsfreude zum Advocatus Diaboli der eigenen Arbeit wirst, die selbstgeschaffene Ordnung in Frage stellen und durch eine Antithese redefinieren kannst. Um so in der Synthese, also durch das Beibehalten guter Elemente des Systems-Eins und durch die Aufnahme neuer Einflüsse und Unordnungsfaktoren, die mit der Zeit emergieren, zu einem System-Zwei kommt.

Die evolutionäre Balance zwischen einer systemischen, wiedererkennbaren Identität und dem Verhindern von Stagnation ist die Hauptaufgabe eines guten, lebendigen Corporate (und natürlich auch Editorial) Designs. Übrigens auch im Web, wo diese Prozesse schneller und leichter stattfinden als jemals zuvor, weil die Feedbackpotentiale erhöht sind. Hier ist das »Aushandeln« von Nutzbarkeit und Design zwischen Anbieter und Nutzer bereits weiter etabliert. Im Web gibt es keine gefrorene Ordnung mehr, sondern eine permanente Adaption an Entropieeffekte durch Updates und insofern ein klares Verständnis dafür, dass Designer und Programmierer langfristigen Service bieten, ideal durch einen Rahmenvertrag. Der Übergang vom Designverständnis weg von einer punktuellen »Putz« Maßnahme hin zu einer langangelegten kultivierenden »Gärtner«-Tätigkeit ist hier bereits einen Schritt weiter, selbst wenn der Kunden Inhalte selbst via CMS einpflegt.

Diese Sicht von »Ordnung« nicht als Zustand, sondern als Prozess bzw. von »Unordnung« (also dynamischen, unberechenbaren Input) als kreativen, unverzichtbaren Bestandteil von Kommunikation ist also ein Paradigmenwechsel für Corporate Design, der allein durch den zunehmenden Umzug auf fluide (und auch soziale) Medien unverzichtbar wird. Der Weg führt uns von mechanistischen und manipulativen Ordnungs- und Lernmodellen, die den Nutzer/Empfänger als passives Element einplanen, zu einer kybernetischen und organischen Idee von Design als DNS und Hyper-Kohärenz eines Unternehmens/Vorhabens, bei dem Mitarbeiter und Kunden zu wichtigen Schaltmomenten in einer Art komplexen Spiel werden … und nicht länger als »Unordnung« missdeutet werden.

Gute Nachrichten für uns Designer – denn die Zusammenarbeit wird hierdurch im Idealfall intensiver, offener, vernetzter und spannender… und wir alle sind befreit vom virtuellen Ordnungswahn der letzten Dekaden. Der Designer wandelt sich von der Putzkraft zum Organisationspsychologen.

20:54 Uhr. Kategorie Design. Tag , . 2 Antworten.

Pieter Nooten: Here is Why

hd schellnack

Und noch ein Lebenszeichen aus den 80s: Pieter Nooten ist nicht nur Kopf der um 1985 spannend gewesenen Clan of Xymos, sondern hat vor allem 1987 mit dem kanadischen Ambient-Musiker das phantastische Album «Sleeps with the Fishes» unter dem 4AD-Label veröffentlicht, eine bis heute hinreissend vorsichtige, sich herantastende Einspielung, die ganz wunderbar im Gegensatz zum Waverock von Xymox steht und die Jahre deutlich besser überlebt hat. Sein 2010er Album «Here is Why» knüpft an diesen Klassiker sehr direkt an und lässt Nootens Liebe zu This Mortal Coil in frischem Glanz erscheinen, gebrochen durch die Ambient-Entspannungsmusik-Ästhetik, die Nooten jahrelang verfolgt hat. Insofern ist «Here is Why» oft einen Hauch zu Chill-Out, zu sehr wie ein warmes Bad – aber sei’s drum, andererseits fällt Nooten nie in die Falle, wirklich nach aufgewärmten 80s zu klingen, sondern einen durchaus modernen introspektiven Sound zu fahren, der nicht so sparsam ist wie etwa James Blake, der aber durchaus mit sanftem Minimalismus auskommt, mit einem Moll-Schauer nach dem anderen. «Here is Why» ist kein abwechslungsreiches Album, und die glockigen Synthwolken gehen einem in ihrer Perfektion nach einer Weile auch gern mal auf die Nerven, weil einfach alles zu weich, zu formlos, zu schwebend ist – aber genau diese Trance ist natürlich auch Ziel der Musik, eine Art Suche nach einer hypnotischen Schönheit, einer Art schimmernden Perfektion. Tatsächlich ist Nooten das auf «Fishes» einen Hauch kantiger, unsicherer, unsauberer und insofern natürlich besser gelungen, die Fehler gehören zur Perfektion – paradoxerweise klingt «Here is why» runder und perfekter und genau das ist der Makel des Albums, es ist zu selbstgewiss, es tastet sich nicht mehr im Dunkeln voran, es steht bereits im Licht. Da ist kein Sound zu laut oder leise, kein Gesang im Keller vernuschelt, alles ist geschliffen und digital-genau. Wo er es auf «Fishes» meist geschafft hat, seine Sounds ein bisschen zeitlos klingen zu lassen, erwischt man sich bei «Here is Why» sicher dabei, dass man den Künstler im Studio oder vorm Laptop sitzen sieht und überlegt, welche Soundmodule wohl im Einsatz waren. Abgesehen davon ist «Here is Why» ein sehr fluides, sehr angenehmes Stück Musik, ein geschlossenes und gelungenes Werk, das man sicher nicht in jeder Lebenslage hören kann, so wenig wie einem immer der Sinn nach grünem Tee steht, das aber ohne weiteres geeignet ist, dich aus der Welt zu ziehen, wenn du es brauchst, in Nootens Little Slumberland. Und mehr muss ja vielleicht gar nicht sein.

16. Februar 2011 19:34 Uhr. Kategorie Musik. Tag . Keine Antwort.

The Legendary Pink Dots: Seconds Late for the Brighton Line

hd schellnack

Vom Neo-Goth zum alten Gothic – die Legendary Pink Dots um Edward Ka-Spel gehören, 1980 gegründet, haben eigentlich nie wirklich aufgehört, mit ihren Veröffentlichungen in immer wieder wechselnder Besetzung die Grenzen experimenteller Musik auszuloten und irgendwo zwischen New Wave und zutiefst introvertierten, fast krautigen Soundexperimenten ihr Feld zu beackern. Obwohl die Dots in den 80ern sicher zu den New-Wave/Goth-Bands gehörten und mit dem Tear-Garden-Projekt ja sogar recht eindeutig einen Klassiker des Genres produziert haben, sind sie nie in die Falle geraten, ihren alten Sound aufzukochen, sich retro zu verpuppen oder sich nach den «alten Tagen» zu sehnen, sondern sind immer einfach Vehikel der Reisen und Wanderungen von Ka-Spel gewesen. Wie gut das sein kann, beweist «Seconds Late for the Brighton Line», das mit dem 13-minütigen Schlußtrack «Ascension» eine fast harmonische Seite der Dots zeigt, eine Nummer wie aus einem Filmscore. Und überhaupt fühlt sich das Album wie ein Soundtrack an, introspektiv, traumwandlerisch, mit Ka-Spel als Führer durch die schattigen Gärten seiner Neurosen, mit dem gewohnt halb gesprochenen, halb fistelnd hingeflüsterten Texten, Brüchen, Klangexperimenten, fast ohne Beat. Etwas schade ist, dass einen Hauch zuviel mit Synth gearbeitet wird – «Hauptbahnhof 20-10» etwa fehlt ein wenig die Authentizität von einem Song wie dem grandiosen «The Lovers» von 1984, weil das Piano einfach zu schlecht klingt – so sehr der Song ansonsten daran erinnern will oder soll. Abgesehen von solchen Details, der vielleicht einen Hauch zu glatten Produktion, die den Dots etwas die Naivität, die Einfachheit, nimmt – es klingt alles zu gewollt, zu gekonnt, es ist zu sehr am Rechner entstanden, es gibt keine Fehler, Zufälle, Brüche – ist das Album durchgehend gelungen. «No Star too far» zeigt, dass die Dots zwar inzwischen ganz schön elektronisch und «ambient» klingen, aber dennoch immer noch in der Lage sind, Schmerzgrenzen auszutesten oder mit minimalistischen Mitteln einen wunderschönen Song zu erzeugen. Tatsächlich hat «Seconds Late…» oft den Appeal eines Best-of und verbindet Ansätze, die von den Pink Dots kennt, hier ein Hauch von Lisa’s Party, dort ein Anflug von «Geisha Mermaid» oder der kindergeburtstagsartige Gesang à la «Louder After 6», hier ein simpler Appregiator-Groove, der aus «Love Puppets» hätte kommen können, nicht zuletzt sogar eine Textzeile, die «15 Flies in the Marmelade» zitiert. Was keine Kritik ist, sondern nur zeigt, wie bei aller Vielseitigkeit homogen und nach wie vor relevant das Werk der Legendary Pink Dots ist. In diesem Sinne ist «Seconds Late for the Brighton Line» ein mehr als gelungenes Lebenszeichen.

19:14 Uhr. Kategorie Musik. Tag . Keine Antwort.

Zola Jesus: Stridulum II

hd schellnack

Noch einmal die Rubrik «Verhallter Frauengesang» (die ich ja sehr schätze), aber eine ganz andere Sorte als der Dreampop von Bee’s Garden. Zola Jesus a.ka.Nika Roza Danilova wirkt deutlich verkopfter, die Stimme nicht hingehaucht, sondern in Siouxie-Stimmlagen hochgeschraubt und viel näher an der Ästhetik von Eben This Mortal Coil und Consorten, näher am der Goth-Geste, und nicht ohne Grund mit dem Knife-Soloprojekt Fever Ray auf Tour gewesen. Striudulum II ist ein ambitioniertes Album, das alles andere will, als einlullen. Danilova singt sich nicht selten ihren Schmerz aus dem Körper, über Klanglandschaften, die an XiuXiu oder Bat for Lashes erinnern, aber kühler, entfernter sind, einsamer wirken. Bei der Britin Natasha Khan ist da eben eher ein Hauch von Sehnsucht im Spiel, bei der aus Russland stammenden Danilova eher Schmerz, Einsamkeit, Dunkelheit, Verzweiflung. Stridulum ist entsprechend eine intensive Platte, die nie wirklich «unangenehm» oder unhörbar wird – im Gegenteil, das Album wächst mit jedem Hören -, die Musik wird nie so frostig wie Cold Cave oder Blessure Grave, die 80s-Anklänge sind auch deutlich erträglicher. Es gibt einige echte Höhepunkte auf dem Album, wie etwa Manifest Destiny, und einige etwas nichtsagendere Tracks – «Sea Talk» oder «Tower», die sich zu sehr in Dark-Wave-Synthiewolken verlieren und etwas langweilig hinschleppen, müde sind -, aber alles in allem ist Stridulum eins der besseren NeoGoth-Alben, offensichtlich inspiriert (und nicht immer ganz an das Original heranreichend), aber mit dem Herz am richtigen Fleck.

18:45 Uhr. Kategorie Musik. Tag . Keine Antwort.

Tricky: Mixed Race

hd schellnack

Jedes neue Album von Tricky wird von der Presse als «jetzt ist er aber wirklich wieder gut» gefeiert, da geht es dem Londoner in etwa wie Prince. Wobei wir doch alle wissen, dass er nie wieder so gut sein wird wie auf den ersten beiden Alben. Trotzdem ist «Mixed Race» eine sehr gelungene Platte, die positiver und vielseitiger klingt, weniger introspektiv und moody als die letzten paar Signale aus Trickys Höhle. In der Wundertüte sind tatsächlich einfach nervige und seltsame Tracks, wie etwa «Come to me» oder der schluffige Dancehall «Murder Weapon», Anklänge früherer Grandezza («Ghetto Stars») und durchaus ganz neue Klänge wie «Time to Dance» oder «Bristol to London». Ein Teil des Albums klingt richtungslos, als würde Tricky jeden nur denkbaren Groove aus seiner Plattensammlung durchgehen – etwas Hiphop, etwas Dancefloor, einen Hauch Triphop und seltsame Jazz-Blues-Classics… was ja vielleicht zu einem Album passt, das «Mixed» im Titel trägt. Der Sound ist insgesamt klarer, heller, sehr unmittelbar, wenig verhallt, die Guestvocals holen Tricky aus dem Solipsismus, der sonst oft mal durch seine Alben weht. Trotzdem ist es seltsam, wenn ein Track plötzlich wie eine armselige Kanye-West-Variante klingt oder wenn wirklich miese Raps auf einer Tricky-Plate erscheinen. Also: «wirklich wieder gut» ist das auf keinen Fall, andererseits ist es auch spannend, wenn ein Act, der so lange dabei ist, sich nicht einfach nur immer wieder selbst wiederholt, sondern so beherzt neue Dinge probiert, dass unweigerlich auch mal Müll dabei sein muss. Ich muss leider zugeben, dass ich den düsteren, verhangenen Poeten Tricky mehr mochte als den «Hey, ich hab da noch einen total coolen Track auf meinem iPod, den MUSST du dir anhören» Typen, der hier durchblitzt. Mixed Race will zu viel und erreicht dabei irgendwie zu wenig.

14. Februar 2011 08:05 Uhr. Kategorie Musik. Tag . Keine Antwort.

Tron: Legacy

hd schellnack

Eigentlich wäre «Tron» kein Film, den ich mir tatsächlich ansehen würde. Tron war die gegen die eigenen Fehler siegende, überraschend erfolgreiche Sorte käsiger Disney-Filme, die sich an damalige SF-Konzepte anhängten, wie «The Black Hole» ja auch – gegen Black Hole (das der «Tron»-Regisseur übrigens lustigerweise als nächstes Remake angeht) allerdings konsequenter, einer der ersten «digitalen» Filme mit vielen digital generierten Sequenzen und entsprechender Bedeutung im Cyberpunk-Umfeld 1982, nicht zuletzt durch die Tatsache, dass Moebius und der spätere «Blade-Runner»-Meister-Art-Director Syd Mead die Gestaltung des visuell einzigartigen Films übernahmen. Irgendwie war «Tron» einer dieser 80er-Jahre-Filme mit übler Handlung, schlechten Dialogen und digitalen Effekten, die aussahen wie Bildschirmschoner, während die Backlit-Effekte aus heutiger Sicht geradezu unfassbar antiquiert wirken, gegen die Fritz Langs «Metropolis» (an dem sich Tron nicht selten visuell orientierte) fast herausragend frisch wirkt. Historisch und durchaus auch ästhetisch ist «Tron» ein Momument seiner Zeit, ein wirscher Mix, der Musikvideo- und Gaming-Visuals vorwegnimmt und gleichzeitig an die Stummfilmzeit deutschen expressionistischen Films erinnert. Ein seltsamer Mix aus ambitionierter Videokunst und kommerziellem Kino – mitunter so schlecht wie «Rasenmähermann», dann wieder großartig. Will man sich – zwei Dekaden später – eine Art zweiten Teil ansehen?

Wagner to the rescue
«Tron: Legacy» ist ein atemberaubendes Sequel, dass dem mitunter ja auch peinlichem Charme des Originals ebenso gerecht wird wie den (seinerzeit) atemberaubenden Aspekten. War der alte Film ein neo-expressionistisches Stück Camp, eine Art verquere Antwort auf die Frage, was passieren könnte, wenn Fritz Murnau amerikanischen Science Fiction machen würde, so ist «Tron: Legacy» viel deutlicher ein «normaler» Film, der keineswegs so verstörend und anders ist wie das Original. Vielleicht auch, weil heute CGI einfach längst ein recht normaler Teil der Kinoerfahrung geworden ist in einem Maße, das in den frühen 80ern noch undenkbar war. «Tron» ist sozusagen frühe Kraftwerk, «Legacy» eher moderner Post-Dubstep. Der ästhetische Bruch ist nicht mehr so grundlegend für den Betrachter, wie die ersten groben Vektor-Grafiken und kaleidoskopischen Lineinmuster es 1982 gewesen sein müssen. Dennoch wirkt «Tron: Legacy» keineswegs wie jeder andere Spezialeffekt-Film der letzten Jahre, liefert ganz nicht die üblichen aufgebretzelten Bilder, sondern brilliert in einer ganz eigenen Ästhetik, die weder durch das Original allzu gehemmt ist noch sich an bestehenden Vorbildern orientiert. Kosinskis Lösung ist ein Film, der immer noch campy sein kann, immer noch im doppelten Wortsinn etwas «gay» wirkt, immer noch unfassbar schlechte Momente hat und der sich strukturell fast wie ein Remake anfühlt – der aber wie ein Schwamm vollgesogen ist mit der SF-Kinokultur der letzten Dekaden und dabei nicht zuletzt einen Mythos herbei zitiert, der an Wucht und Grandezza am ehesten Wagner erinnern will. «Legacy» ist kein echter Film und folgt auch keine Sekunde der Logik eines herkömmlichen Films, sondern wir sitzen hier eher in einer postmodernen Art von Spektakel-Oper – das Libretto muss dabei nun einmal keinen Sinn machen, solange die Gefühle nur stimmen, solange die Bilder und die Musik ein Ganzes ergeben.

Daddy was a Rolling Stone
Insofern ist nur logisch, dass die Handlung – oder was man so nennen mag – sich zu einem relativ ironiefreien Mythos-Brei entfaltet, der wahrscheinlich auch nicht ganz unfreiwillig an den Erlöser-Vater/Sohn-Standard erinnert, wie man ihn nur zu gut aus «Star Wars» kennt. Das uramerikanische Motiv der Suche des Sohns nach seinem «verlorenen» Vater, von Anklage und Verzeihen, dominiert die Handlung. Seltsam modern wirkt dabei, dass die stets im Mittelpunkt der US-Films stehende «heilige» Familie hier aus einem Vater besteht, der im Wortsinne ganz und gar in seiner Arbeit verschwunden ist und aus einem Sohn, der gegen den abwesenden Vater einerseits rebelliert, andererseits sein Werk fortsetzen und retten will, dem Schatten des Vaters gerecht zu werden versucht. Fast beiläufig – vielleicht für einen dritten Teil aufgehoben – taucht Edward Dillinger Jr. auf, eine andere Sohn-Figur, die als negative Folie für den «guten» Sohn Sam Flynn dient, der die Firma sabotiert, deren eigener Vorstand er ist, der ziellos wirkt, bis Bruce Boxleitner, der gealterte Alan Bradley, ihn einen Weg zu seinem Vater zeigt. Frauen finden in diesem Film nur als Beiwerk – als «Sirenen», in deutlicher Anlehnung an Homer – statt, oder als posthumanes, androgynes Wesen, das nicht wirklich Mensch, nicht wirklich Programm ist, sondern in jeder Hinsicht zwitterartig wirkt, eine Figur des kommenden Erlösers wie Neo in «The Matrix» oder Luke Skywalker in «Star Wars»- was Jeff Bridges/Kevin Flynn zu Morpheus bzw. Joda machen würde, was dessen Kostüm am Ende des Films tatsächlich auch so widerspiegelt, wenn Bridges als eine Mischung aus Jediritter und Matrix-Zenmeister auftritt. Was andere Filme nur andeuten, wird in der Wagner-Inszenierung von «Legacy» ohne jedes Augenzwinkern mit dem Holzhammer in den Kopf getrieben, wenn Vater, Sohn und Heiliger Geist durch den zur Hölle geworden Himmel fliehen und der Vater seinen Sohn zur Erde schickt. «Legacy» ist die ganz große Mythosmaschine, will ein ganzen Universum bauen wie Lucas und die Wachowski-Brüder auch, nicht zuletzt, weil in solchen Mythologien das große Geld steckt, Franchise-Material für Filme, Bücher, Comics, Videospiele, Merchandise. (Und nichts anderes sollte man von Disney erwarten). Entsprechend wirsch ist mitunter die Handlung, die oft nur den Zweck hat, uns Betrachter in die nächste opulente virtuelle Setbau-Optik zu tragen, die mal vor Symbolismus kaum aufrecht gehen kann – und gerade das erinnert mitunter anstrengend an die letzten beiden Matrix-Teile, die ja auch eher pures Erlebniskino als Kopfkino waren (anders als der erste Teil).

Light and Magic
Aber was für ein Erlebniskino das dann ist. Wie kein Film – eben auch nicht Matrix, auch nicht Star Wars, nichts – seit langem umgeht Tron den Verstand. Wenn Sam Flynn wie Alice durch das Rabbithole in der Welt hinter den Mattscheiben verschwindet und der Film von 2D zu (durchaus angenehm zurückhaltendem, sich nie aufdrängendem) 3D mutiert, zieht es uns Zuschauer ähnlich aus der Wirklichkeit wie es der erste Tron-Film schaffte, nur nicht mehr in eine kalt-minimalistisch-abstrakte und zuweilen unfreiwillig komische Kunstwelt, sondern in eine hyperrenderte Welt, die nur aus Licht und Farbe zu bestehen scheint, das in dem edel monochromen Umfeld Akzente setzt wie LEDs auf einer mattschwarzen Hifi-Anlage. Die «Un-Wirklichkeit» des Films erinnert an eine Pink-Floyd-Lichtshow, ist zu ausnahmslos jeden Moment, jeder Sekunde, jedem Augenblick auf Überwältigung angelegt – dieser Film will dich nicht mitreißen, er will dich zu Boden reißen, er hört nicht auf mit visuellem Overkill auf dich niederzuprasseln, bis du post-orgiastisch aus dem Kinosaal schleichst. «Legacy» ist die pure Achterbahnfahrt, sobald man begreift, dass die Handlung nur ein Potemkinsches Dorf ist, und sich endlich entspannt den Bildern und Tönen hingibt, die wie selten bei einem Film pulsierend und hämmernd aufeinander eingespielt sind. «Legacy» ist ein Konzert, eine Oper – und die massiv an Hans Zimmer erinnernde Bombast-Zuckergußschicht über den einfachen digitalen Riffs von Daft Punk ist, bei aller kompositorischen Einfachheit, in der Lautstärke und zu den Bildern, ergreifend. Wenn am Ende eine digitale Neufassung der legendären Luftkampfsequenzen von Howard Hughes «Hell‘s Angels» als blauorange Lichtorgie die Leinwand in Besitz nimmt, eingebettet in gigantische Sequencer-Streicher-Wogen, erreicht der Film sein reinstes Format, seine reine Existenz als hypnotische Flut von Eindrücken, als sich auftürmendes, aber doch nie ein Zenith erreichendes Monument digitalen Bildzaubers. War «Tron» eher ein Fest der fremdartigen Kargheit früher Computergrafik, stellt sich der Nachfolger als Leistungsschau einer Technologie dar, die bis unterhalb der Wahrnehmungsgrenze operiert, die jedes Pixel unserer Weltansicht perfekt manipulieren kann, die längst die Grenzen der Überprüfbarkeit und eigenen Spürbarkeit überschritten hat. In anderen Filmen ist die hohe Kunst des Trickeffekts, möglichst unsichtbar zu sein, möglichst «real» zu wirken (was immer noch oft misslingt), hier kann das Metier der virtuellen Setbauer aber seine Muskeln spielen lassen und das tun, was es am besten kann: Kunstwelten schaffen, an deren Surrealität Philipp K Dick seine wahre Freude hätte haben dürfen. «Legacy» ist CGI on steroids, ein Feuerwerk von Schaueffekten – und man tut gut daran, sich diesem Rausch der Farben und Klänge einfach hinzugeben und nicht weiter über die Philosophie oder gar die Logik der Handlung des Films nachzudenken. Da kommt man nur auf dumme Gedanken, wenn man sich etwa fragt, warum der Film «Tron» heißt, wenn der Charakter bestenfalls als Nebenfigur auftaucht. Oder hinterfragt Handlungsfetzen, die wahrscheinlich als Vorbereitung für einen nächsten Filmteil implementiert sind. Oder ärgert sich über das abrupte und flache Ende. Die beste Strategie ist, sich einfach der Oper hinzugeben.

A Design for Life
Denn wenn Tron eins liefert, dann das perfekte Design – alles an diesem Film ist trendy, bonbonbunt und trotzdem irgendwie cool, neonschwül und kalt zugleich. Es ist kein Zufall, dass Daft Punk für den Soundtrack gewählt wurden – die Ästhetik des Films ist, als wäre sie direkt aus den Köpfen von Homem-Christo und Bangalter geschält worden. Von Manga bis Bessons «Fifth Element», von Bowie bis Blur, von Kubrick bis Slemane, es ist alles da – so haarscharf an der Grenze von Kitsch und Klassik wie der Soundtrack selbst. Die Fembot-Sirenen, die Barszene, das überstilisiert-weiße Ambiente in Kevin Flynns Haus – das alles könnte so oder ähnlich auch aus Wallpaper, von ungezählten Plattencovern kommen, es ist nicht SF, es ist die Popkultur der Gegenwart. Dass «Legacy» so scheinbar beliebig nahezu jeden kommerziellen SF der letzten drei Jahrzehnte zitiert, ist kein Zufall, sondern ebenso Teil des «oh, it‘s all so postmodern»-Ansatzes des gesamten Films. Die Musik, irgendwo zwischen Justice und Batman-Soundtrack, das Design, die Handlung – alles hat den Touch von Remix, von déjà vu, es ist die filmgewordene Manifestation von Pop heute, die endlosen Stilandeutungen, der Zitatewust, die Selbstreflektion, der Narzissmus, die Tatsache, das mit viel Aufwand unglaublich wenig gesagt wird…. «Legacy» treibt all das auf die Spitze, es ist nicht nur der Triumph des Designs über die Narration, sondern direkt über die Realität an sich. Die beste Popwelt ist die, die komplett aus dem Rechner kommt, im Rechner lebt – nur hier ist die Sorte Perfektion denkbar, die Kunstwesen wie die Pet Shop Boys oder Kylie Minogue überhaupt denkbar macht, die perfekte Fassade, die Illusion, die nahtlose digitale Lüge, die kein Paparazzi mehr zerstören kann.
Wie kein Film seit langem bewegt «Tron:Legacy» das Kino zurück in den Bereich, den Hollywood wie nichts anderes liefern kann: Glamour. Diesmal aber nicht als Starglamour, die Darsteller sind vergleichsweise unwichtig, sondern als Glamour/Magie des digitalen Bildes in Reinkultur, das sich als pures, von nichts mehr beeinträchtigtes Design entfalten kann.

Mirror Mirror
Es ist ja kein Zufall, dass sich Jeff Bridges in diesem Film zweimal begegnet. Da ist einmal der echte, gealterte Bridges, der hier eine seltsame Variation des Hippie-Themas von «Männer, die auf Ziegen starren» gibt, einen cannabis-relaxten Zen-Pazifisten, der sich in der perfekt weißen Designerwelt cocoont, während sein Alter Ego Clu draußen mit kalter neoliberaler Effizienz das «System» optimiert. Clu, gewissenloser digitaler Replikant, Subroutine, kann es nicht besser wissen, ist der in die Kunstwelt entlassene Flaschengeist, den Flynn rief und nun nicht mehr los wird und zu dessen Vernichtung natürlich nur das quasi kathartische Selbstopfer führen kann. Abgesehen davon, dass es fesselnd ist, zu sehen wie grandios die CGI-Puppenspieler Bridges um 30 Jahre verjüngen (mit der gleichen Technologie, die schon in Benjamin Button zum Einsatz kam), ist beachtenswert, dass die kleinen Mängel dieser Technik hier ideal ihren Zweck erfüllen – dass es nicht wirklich glaubhaft ist, die Muskulatur seltsam unwirklich, surrealistisch wirkt, macht Clu erst zu einer so reizvollen Figur, vor allem wenn er im Film Angesicht zu Angesicht mit seinem Schöpfer kommt. Clu ist hier natürlich eine Art Bruder von Flynns «leiblichem» Sohn Sam, der digitale Klon als Sohn-Ersatz, als Kainsversion, zugleich die erschreckende Begegnung mit dem jüngeren Selbst – «das war ich einmal?» – des gereiften Flynn, der so wenig mit dem arroganten Typen gemein hat, den Bridges 1982 gespielt hat. Im Grunde steht hier eine gottähnliche Figur, die aus dem Himmel ihres weißen Appartements herabsteigt, dem Menschen gegenüber, der eigenen Schöpfung, die fehlerhaft und rebellisch ist und nicht funktioniert – oder aber zu gut funktioniert. Flynn erlebt hier in einer an Stanislaw Lem erinnernden Metapher sich selbst im Verhältnis zu seinem Programm Clu, wie sich Gott gegenüber Flynn fühlen muss, der ebenso kopflos durch die Schöpfung hetzt und auch nur versucht, sein «Bestes» zu geben. Wie immer bei solchen Filmen, die beherzt in die Klischeekisten religiöser Motive greifen, wimmelt es in «Legacy» von daumendicken Symbolklötzen, unter denen aber eben umso signifikanter der Subtext hervorlugt, den man aber in dem visuellen Wust des Films vielleicht erst nach dem zweiten, dritten Sehen richtig wird einschätzen können.

Der zweite Teil von «Tron» ist – wie das Original – ein unfassbar schwacher Film mit einer unfassbar grandiosen Ästhetik und der Unterschied zwischen beiden Filmen sagt viel aus über das, was in der Zwischenzeit mit dem Kino, mit uns passiert ist. Kosinski gelingt es, den Grundideen des ersten Teils treu zu bleiben, ohne albern oder antiquiert zu wirken und es gelingt ihm, einen grandiosen Blockbuster aus einer Kult-Anekdote der Filmgeschichte zu machen, eine Art Mutation des Kinos in den Mainstream zu ziehen. Mag sein, dass dies gelingt, weil die Zukunft von «Tron» I längst von uns überholt wurde und wir mehr denn je in einer Videogame-Welt leben, weil die digitale Revolution, die der erste Film noch unbeholfen-futuristisch verklärte, längst Teil unseres Alltags geworden ist. Aber vielleicht ist das auch schon zu viel nachgedacht über einen Film, der in erster Linie Sound and Fury, Schall und Rauch, Nebel und Licht, Donner und Blitz sein will und den man getrost einfach als Drogentrip ohne Nebenwirkungen genießen darf.

11. Februar 2011 18:45 Uhr. Kategorie Film. Tag . Eine Antwort.

Janelle Monáe: The ArchAndroid

hd schellnack

Man kann sicher darüber streiten, ob die etwas kopflastige Concept-Story hinter «ArchAndroid», dem 2. und 3. Teil der Metropolis-Suites der jungen Performerin Janelle Monáe dieses Album nun musikalisch besser oder schlechter machen. Faszinierend ist es schon, wenn eine Musikerin sich eine komplette und komplexe Story ausdenkt, die sich nicht zuletzt schon vom Namen her bei Fritz Lang bedient und eine ganze Story rund um die Figur der Androidenfrau Cindi Mayweather erdichtet. Wo andere Künstlerinnen das Fembot-Thema nur visuell und diffus zitieren, und dabei selten weiter kommen als zum schwachen Zitat des dekaden-alten und immer noch überlegenen Björk-Videos von Chris Cunningham, baut Monáe das Thema zu einem ganzen Epos aus, das – fast wie die Handlung eines Musicals – die Texte und Kompositionen prägt. Ein R&B-Konzeptalbum, wer hätte das erwartet? Und tatsächlich hat «ArchAndroid» mit Genres nichts, aber auch gar nichts mehr am Hut. Mit ihrer zweiten Platte hüpft Monáe über Pop, Epos, Soul, Hip-Hop, Rock, 80s-Retro, 60s-Sweetness, Jazz und zig andere Genrehügel, zitiert hier und dort einen Stil, bleibt sich dennoch immer absolut treu und produziert einen zwar konsumierbaren, aber nie zu glatten Sound, der von smarten Harmoniewechseln, starken Refrains, detailfreudiger Produktion und ihrer phantastischen Stimme geprägt ist. Das Album ist, um es höflich zu sagen, überwältigend und lässt andere zeitgenössische Soulsängerinnen unglaublich blass und armselig aussehen, zumal Monáe es überzeugend schafft, vertraute Elemente in neue Kontexte zu rücken und zu verjüngen. Wenn bei ihr Philly-Sounds und Hornsätze auftauchen, dann so wirsch und in neue Kontexte geprügelt, dass man als Hörer permanent das Gefühl hat, etwas absolut bekanntes und doch völlig Neues zu hören. Es ist ein Meisterwerk an Recycling, das mit so vielen Quellen rotzig jongliert und dabei so selten ins Stolpern gerät. Selbst wenn man den kongenialen SF-Mythos, den die Künstlerin ihrem Werk verpasst, beiseite lässt, ist das Album auch rein musikalisch ein «piece of art», das sich selbst überraschend wenig ernst nimmt und aufs wunderbar-postmodernste nur zu spielen scheint. Es ist fast unsinnig, auf einzelne Songs eingehen zu wollen, zu verschieden und zugleich zu kohärent ist das Album, das aufs sympathische die halbe Musikgeschichte zu umarmen versucht und nahezu keinen Stil auslässt – und perfiderweise dabei immer und immer überzeugt. Wenn Monáe etwa bei «Mushrooms & Roses» plötzlich psychedelisch wird, gelingt ihr das so überzeugend, dass das nur 5 Minuten lange Stück wirkt, als dauere es eine halbe Stunde. Wenn Sie mit «Tightrope» den Dancefloor ins Auge nimmt, darf Beyoncé mal dezent über einen Karrierewechsel nachdenken. «Come Alive» ist eine hektische Miniatur-Oper, «Say You’ll Go» zeigt eine meditative (Fast-)Acapella-Vokalistin, die auch ohne dichte Arrangements Magie entwickelt. Die aus allen denkbaren Richtungen kommenden Gastmusiker wie Saul Williams, Big Boi oder Of Montreal zeigen die Bandbreite, die Monáe abdeckt – «ArchAndroid» ist das ein Crossover-Projekt, das zeigt, das HipHop davon lebt, sich an immer neue Stile und Richtungen anzudocken, diese zu durchdringen, zu verändern und zu besetzen. Selten gelingt das so umwerfend wie mit diesem atemlosen, furiosen, übereifrigen, unwiderstehlichen musikalischem Juggernaut.

28. Januar 2011 18:45 Uhr. Kategorie Musik. Tag . Keine Antwort.

Broken Bells

hd schellnack

Und noch einmal der Danger Mouse Brian Burton, diesmal nicht mit Sparklehorse sondern mit dem Shins-Sänger James Mercer, und ähnlich wie bei «Dark Night of The Soul» ist das Ergebnis eine Mischung aus naiv-minimalistischer Electronica, perfekter Produktion und psychedelischem Folk, die überraschend wenig nach «dem» Danger Mouse Sound klingt, sondern eher nach eine Fortführung des brütenden, introspektiven Sounds der Sparklehorse-Coproduktion, nur homogener, vielleicht auch nicht ganz so depressiv-introspektiv. Wo «The Ghost Inside» nahezu Hitqualitäten hat, sogar stark an die Gorillaz erinnert, gibt es etwa mit «Citizen» ein verschlepptes, melancholisches Stück Traurigkeit – und dieser Stimmungsmix zeichnet das Album insgesamt aus. Es ist unweigerlich etwas sonniger als «Dark Night», aber ebenso unweigerlich doch ein Herbstalbum, zu dem die Regentropfen hörbar gegen das Glas schlagen. «Broken Bells» zeichnet sich durch eine feinere Melancholie aus, in der wie Drogenflashbacks die gute Laune der Beach Boys hinein blitzen kann, wie alte Super-8-Filme aus der Kindheit, so wie sich immer seltsame Retro-Momente in den fast nahtlosen, wunderbar naiven und doch perfekten Mix aus elektronischen und akustischen Sounds mischen. Broken Bells, wenn man so will, ist die Light-Version des «Congratulations»-Album von MGMT, es geht zur gleichen Quelle, kommt aber mit einem leichteren Gebräu zurück. Das Paradoxe an diesem Album ist, dass Trauer selten so mitnehmend und eingängig klang – wo «Dark Knight» dich im Wortsinne wirklich ins tiefste Dunkel führt, bringt dich «Broken Bells» eher auf einen verstaubten Dachspeicher, wo seltsame Spielzeugpuppen und seltsame Kisten liegen, in die dich die Musiker immer mal wieder hineinblicken lassen. Hier ein Orgelsound, dort ein Gesangsfetzen, ein Drumcomputerbeat – irgendwie klingt vieles auf vertraute Art unvertraut, auf eine innovative Art Vintage, was eine zeitlose Melange ergibt, ein Album, das schwer zeitlich festzunageln ist. Die Schattenseite davon ist, das kein Track auf dem Album wirklich mitreissend, wirklich frisch oder mutig klingt, bei aller schönen Poesie kein Klang, keine Harmonie, kein Nichts, was dich vom Stuhl wirft und begeistert. «Broken Bells» plätschert ungemein gekonnt, hochgradig ausgefeilt und wunderschön vor sich hin und stirbt in dieser Schönheit auch ein wenig. Es ist Folk auf Valium, Pop auf LSD, es ist ein großartiges Album, wenn du es hörst und danach bleibt seltsamerweise wenig zurück – nicht einmal ein Kater.

15:10 Uhr. Kategorie Musik. Tag . Keine Antwort.

Danger Mouse and Sparklehorse: Dark Night of the Soul

hd schellnack

Nach etlichem Hin und Her 2010 endlich auch offiziell veröffentlicht, nachdem mit Mark Linkous im März des letzten Jahres eine Hälfte von Sparklehorse verstarb, ist «Dark Night of the Soul» genau das, was der Titel verspricht: Ein nur von wenigen Lichtscheinen («Little Girl», «Angel’s Harp» und «Pain») durchbrochener Trip in die schwarzen Untiefen eines Musikers, dessen Freitod deutlich macht, dass grandios traurige Musik eben auch einen hohen, einen unter Umständen ultimativen Tribut fordert. Das mit zahlreichen namhaften Folk- Psychedelia- und Indiestars eingespielte Album liefert den Soundtrack zur Introspektion, verletzte und verletztende Musik, denen man die lange Produktionszeit anhört und die dennoch spontan und frisch wirken. Das sicher beeindruckendste Stück des Albums ist der letzte und zugleich namensgebende Track, gesungen von David Lynch, der klingt, als hätte man die Essenz aller Lynch-Filme (und aller Lynch-Soundtracks) auf einen einzigen, schleppenden Song konzentriert, der so dunkel und so schwer ist ein ein Schwarzes Loch. Schleppende Gitarren, elektronisches Ambient-Gekratze und die stellaren Gast-Vokalisten machen dieses Album zu einem absoluten Must-Have, und es überraschend, wie kohärent diese mitternächtliche Anthologie trotz der so unterschiedlichen Sänger klingt, wie homogen das Ganze zusammenkommt. «Dark Night» ist wie ein Sammlung von Kurzgeschichten verschiedener Autoren, die mal härter, mal weicher schreiben, aber sich doch so stilistisch auf ein Thema konzentrieren, dass man nie ganz sicher weiß, wo Einflüsse beginnen und enden, wo das Eine in das Andere fließt, wer Steuermann und wer Ruderer ist. Es ist etwas schade, dass ein so dunkles und doch so erhebendes Album nun nur Nachruf zweier großartiger Musiker sein kann und Mark Linkous der Trick nicht gelungen ist, sich an seiner eigenen Kreativität aus dem Sumpf der Depression zu ziehen…

13:14 Uhr. Kategorie Musik. Tag . Keine Antwort.

Black Swan

hd schellnack

Mirrorball
Es ist beinahe banal, sich auf die Symbolik von«Black Swan» zu stürzen. Darren Aronofsky macht es dem Suchenden nach Bedeutung in seinem Film fast zu leicht – symbolschwanger schwingt er die Subtextkeule, integriert Spiegel in nahezu jede Einstellung (eine Herausforderung für die Kameraarbeit), liefert oft hölzerne Bilder für das Coming-of-Age seiner Protagonistin und versteigt sich im Zenith des Film zu einem Trickeffekt, der subtil wie eine Neutronenbombe daherkommt. In unfähigeren Händen wäre dieser Film zu Recht ein Fiasko geworden. In denen von Aronofsky entsteht ein poetisches, melodramatisches kleines Juwel, das all die Übertreibungen nicht nur verträgt, sondern absolut braucht.

Das Spiegelsymbol etwa ist zwar einerseits heavyhanded eingesetzt, andererseits in dieser fast manischen, aufdringlichen Dichte auch wieder perfekt. Denn natürlich ist Ballett eine spiegelfixierte Welt – die Übungen vor den gigantischen Spiegeln, der Körperkult, die permanente Selbstkontrolle. Der Film lädt zu allerlei Assoziationen ein – Alice hinter den Spiegeln, die düstere Mirror-Mirror-Doppelgänger-Welt von Star Trek aus den Sechzigern, Tennyson’s «Mirror Cracked»-Gedicht («The curse is come upon me») und so weiter. Ob die Spiegel in der Wohnung der Tänzerin Nina Sayers, im Ballett, ob Spiegelkugel in der Disco, ob Glasreflektionen oder der Effekt des unendlichen Spiegels – mit den Spiegeln stellt sich die Frage nach Identität, nach Ich-Suche, nach einer Bodenlosigkeit im Wesen, nach Eitelkeit und Unsicherheit. Es ist nur bezeichnend, dass Nina ihre Gegenspielerin / sich selbst mit einer Spiegelscherbe umbringt und in diesem Regen zerbrochenen Glases sich endlich «fallen lässt», sich einerseits ihrer dunklen Seite hingeben kann, andererseits zu sich findet. Der Spiegel als Traumsymbol, der uns Botschaften aus dem Unterbewusstsein sendet und zugleich als etablierte Metapher für eine hinter den Spiegeln wartende dunkle, böse Version der eigenen Persönlichkeit – die Idee ist beileibe nicht neu, aber selten so gekonnt umgesetzt wie hier. Black Swan ist angereichert mit Traumsymbolen der verschiedensten Art und ist vom allerersten Moment an eine Kafkaeske Fabel über Paranoia und Gier, Unsicherheit und Isolation, Wachstum und Untergang, ohne dass der Betrachter für eine Sekunde nur die «Realität» kosten darf. Ab der ersten Einstellung sind wir in Ninas Phantasien und Ängsten, ihre Gegenspielerin Lily schon im ersten Moment als bedrohliche Doppelexistenz, als Verunsicherung, als Störung der Routine definiert. Es scheint, als wisse Ninas Körper schon vor ihr, was für eine Verwandlung bevorsteht und treibt dieser ungeduldig entgegen. Noch bevor wir wissen, dass Nina die Schwanenkönigin spielen wird, bricht der Schwan bereits aus ihr heraus, als habe er nur geschlafen.

Dreamscape
Aronofsky hat es sich als Flmemacher irgendwo zwischen Kubrick und Lynch mit diesem Film gemütlich gemacht, irgendwo im Niemandsland zwischen «The Shining» und «Mulholland Drive». Rätselhaft, psychotisch, mit Deutungsangeboten angereichert, intensiv und oft genug tatsächlich auf verschiedene Ebenen erschreckend, ist «Black Swan» ein Film, der aufs beste auch an VanSant (»Elephant»), Polanski («Rosemary’s Baby»), Cronenberg («The Fly») oder DePalma («Femme Fatal» und «Carrie») erinnert – und doch eine ganz eigene Nische beansprucht. Aronofsky gelingt ein geradezu unverschämt gut aussehender Film mit atemberaubender Kameraarbeit, die Natalie Portman immer wieder intimst nahe kommt, fast in ihre Figur hineinkriechen will, die aber auch auf der Bühne wirkt, als würde die Kamera Teil des Ballets sein, mitwirbeln, über die Bühne gleiten – die schwindelerregenden Bilder zeigen Tanz, wie man ihn selten zuvor gesehen hat und lassen die vertrauten Posen und Gesten von Schwanensee neu und energiegeladen wirken. Der Regisseur zieht uns förmlich den sicheren Boden unter den Füßen weg und stürzt uns in einen Abgrund von Affekten, bis im Rausch der Verwandlung alle Fragen, alle Rationalität weggewischt wird und man sich als Zuschauer auf die phantastisch fehlende Logik der Traumstruktur des Films einlassen kann. Wir stürzen mit Portman ab in eine Welt von Zeichen, die wir kaum verstehen, Handlungen, die doppelbödig und bedrohlich wirken. Wie Rosemary in Polanskis Verfilmung sind wir in einem paranoiden Alptraum gefangen, in dem nie klar ist, ob wir nur panisch sind oder die Welt sich nicht vielleicht wirklich gegen uns verschworen hat – jede Figur scheint dichotomisch zu sein, zerschnitten in eine beängstigende Hälfte und eine vertraute, freundliche Seite. Da ist Lily, Ninas Nemesis und Konkurrentin um die Rolle der Schwanenkönigin, die so eindeutig den schwarzen Schwan in sich trägt, wie Nina der unschuldigere, weiße Schwan ist. In der unsicheren, wackeligen Freundschaft zu Lily entdeckt Nina ihre eigene dunkle Seite – und doch ist der Freundin nie zu trauen, die hinter ihrem Rücken Drogen in Drinks schüttet, den Choreographen verführt, Nina selbst verführt, um am nächsten Morgen ihre Rolle einzunehmen – und nie ist dabei ganz klar, was Nina sich nur einbildet und was real ist, wo paranoide Phantasie beginnt oder endet. Auch Ninas Mutter erscheint uns als Wiedergängerin von Sissy Spaceks Figur Margaret, die Mutter von Carrie White in de Palmas Verfilmung – verklemmt, prüde, das personifizierte Über-Ich. Sie ist die übliche Mutter, die ihre eigenen gescheiterten Träume am eigenen Kind auslebt und dieses gnadenlos auf Karriere trimmt, dabei manipuliert wie eine Puppe. Es ist verblüffend, wie Portmann, die an anderen Stellen des Films mit streng gerafftem Haar müde und ausgebrannt wirkt, als sei sie jenseits der 40, in den Szenen mit ihrer Mutter, das Haar offen und verletzbar-weich, plötzlich zur 16-jährigen wird, die wie ein Teenager zwischen Stofftieren in einem rosafarbenen Mausoleum ihrer Jugend gefangen ist. Die Rebellion gegen die Mutter ist ein erwartbarer Moment des Films, aber Mutter Erica (grandios geliftet gespielt von Barbara Hershey, eine Mumie von Verfall und Vergangenheit) überrascht uns, indem sie mit tatsächlicher echter Zuneigung und Sorge reagiert, nie der eindimensionale Hausdrache ist, den man womöglich erwarten könnte. Wie in Träumen ist keine Figur sicher, jeder Charakter ist ein Treibsand.

Dream within a Dream
Was Vincent Cassel im Film als Choreograph Leroy verspricht, nämlich die Re-Interpretation und Dekonstruktion des allzu vertäuten Balletthemas von Tschaikowski, erfüllt in Wirklichkeit der Regisseur des Films, der die recht einfache Handlung des Librettos bricht, modern rekonstruiert und zu einem allegorischen Film strickt. Natürlich kann ein Film, der im Kern auf einer Märchensage basiert, nur im begrenzten Rahmen einen Hollywood-tauglichen Plot entfalten – statt dessen konzentriert sich Aronofsky gelungen darauf, eine moderne Fabel zu konstruieren, die von Andeutungen und Gefühlen lebt, weniger von einer linaren, nachvollziehbaren Handlung. An der Hand des Regisseurs gleiten wir durch ein Spiegelkabinett in einen Film, der so real und gritty einerseits das Leben des Balletts zeigt und sich andererseits zu einem fabelhaften surrealistischen Crescendo hocharbeitet, dem man nicht einmal das etwas aufdringliche CGI etwas anhaben kann. Aber wo Lynchs Traumwelten inzwischen waberig und unsicher sind, nur noch aus Bildangeboten bestehen und keinerlei narrativen Gehalt mehr zu haben scheinen, einen erzählerischen Auflösungsprozess abzeichnen, behält Aronofsky sein Ziel bei aller Doppelbödigkeit und Verunsicherung immer im Auge – die Klarheit und emotionale Wahrheit seiner Geschichte droht zu keinem Moment unter der Flut von Bildern zusammenzubrechen. «Black Swan» ist ein wunderbarer magical realism, ein an Jonathan Carrolls Romane erinnernder Verschnitt von Realität und Phantastik, wobei der Autor immer unklar hält, was nur in Ninas Psyche stattfindet und was real sein könnte, da wir den Film fast ausschließlich durch die Augen der in jeder Szene präsenten Natalie Portmann wahrnehmen. Swan ist ein Film des Individuums, dessen Seele unter dem Leistungsdruck des Balletts zusammenbricht und das im Suizid gegen Ende die höchste Verwirklichung findet und zugleich den Ausbruch aus dem System, das es im letzten Moment der Freiheit gemeistert hat.

Bodysnatchers
Aronofskys Film ist bei allem Hang zum Surrealen fest in der Realität verankert, was die Einbrüche des scheinbar Unwirklichen in Ninas Wahrnehmung umso beklemmender macht. Die Wirklichkeit des Balletts wird en detail gezeigt, die Körperlichkeit auf Schmerzhaftestes gezeigt. Die blutigen Zehen, die knackenden Gelenke, die spekatkuläre Rückenmuskulatur, die unter der Haut wie Wasser zu wogen scheint, die Belastung von Muskeln, die Wirklichkeit der Körpermaschine hinter der scheinbar leichten Grazie des schwerelosen Tanzes – selten hat ein Film dieses Thema so martialisch ins Bild gesetzt wie hier. Portman spielt die Rolle an der Grenze zur Anorexie, die Rippen ein Vogelkäfig, Ringe unter den Augen, ausgemergelt wie Christian Bale in «The Machinist». Die Ballettschuhe werden modifiziert, um die Belastung für den Fuß zu minimieren, zum Frühstück gibt es eine halbe Grapefruit, Freizeit findet nicht statt – und wenn man lang genug im Kreis getanzt ist, so zeigt die Figur von Winona Ryder, wird man bedingungslos ins Off geschoben, als ausgebrannt, verbraucht und zu alt auf Abstellgleis gestellt. Im Film bleibt unklar, ob Ryder im Verlauf nur zufällig durch einen Unfall verkrüppelt wird oder ob Nina (oder das, was in Nina entsteht) in irgendeiner Form damit zu tun hat – so oder so zeigt die Tänzerin Beth Macintyre auf, wie die Karriere endet, bitter, einsam, umgeben von Blumen der Vergangenheit, der Körper ein Wrack. Gnadenlos geht Aronofsky mit dem Tanz ins Gericht, zeigt ihn als federleicht und glorios und als Körperfresser zugleich. Diese Körperlichkeit rutscht nicht selten in den Horrorfilm ab – etwa, wenn Ninas blutige Füße und Finger, ihr zerkratzter Rücken aus den Fugen geraten und ihre Zehen zusammenwachsen, Schwimmhäute zu kriegen scheinen und ihre Beine brechen und schmerzhaft zu Vogelbeinen deformieren, wenn aus ihrem Hang zur Selbstverletzung etwas viel Grundsätzlicheres hervorzubrechen scheint. Der Tanz als Körperbrecher setzt sich in der Seele fort, nicht nur die Zehen bluten, sondern auch Ninas Seele – und ab einem bestimmten Punkt im Film bleibt unklar, ob da etwas aus der geplatzten Eierschale hervorbricht oder ob Nina einfach nur a little crazy wird.

The Bird behind the Curtain
Das Großartige an «Black Swan» ist, dass er den physical horror von Filmen wie Shining und Carrie, bei denen das Mystische tatsächlich Manifestation familiärer und seelischer Zustände ist, also real stattfindet, ins Innere kehrt. Es ist lange unklar, ob in Nina wirklich eine Art «böse Macht» heranwächst, die ihrer Vorgängerin, der Diva Beth, die Beine bricht und ihre Konkurrentin, der wilden Lily, Spiegelglas in den Bauch rammt. Diese Unsicherheit macht Swan zu einem Film, den zweimal zu sehen sich auszahlen dürfte, wenn man versucht, zu entschlüsseln, was real ist und was nicht, wann Nina in die Psychose abrutscht (ich denke, von Anfang an) und woran man es festmachen kann. Es ist in dieser Mischung ein phantastisch vielseitiger Film, der Thrillerelemente à la Hitchcock aufgreift, dabei aber kalten Blickes hinter die Kulisse der des Körperwahns schaut und uns einen intensiven, suizidalen Überlastungstrip, der zugleich eine Art Selbstbefreiung ist, präsentiert. Wie am Ende von David Lynchs Twin Peaks irren wir durch die roten Vorhänge dieses Films und erhaschen Blicke auf Teile, die sich nur scheinbar nicht zu einem ganzen fügen wollen, die tatsächlich aber nahezu monolithische Qualität haben. «Black Swan» ist eine Film-Novelle erster Güte, ein phantastischer, kluger, tiefgehender Horrorfilm, ein Tanzfilm, ein Psychothriller – ein über alle Genre hinwegtanzendes schwarz glänzendes Biest, das der auf jeder Ebene erschreckend gut funktioniert. Und es ist eigentlich traurig, wie selten solche Filme geworden sind.

27. Januar 2011 13:36 Uhr. Kategorie Film. Tag , . Eine Antwort.

Von Spar: Foreigner

hd schellnack

Bei von Spar ist einfach jedes Album eine Überraschung. War ihr Debüt frischer und relevanter Indie-Disco-Pop-Punk, haben sich die Kölner nach dem Weggang von Thomas Mahmoud fast unzugänglich auf die Reise ins Ich gemacht und ein Album herausgebracht, das Klaus Schulze gut als Alterswerk zu Gesicht gestanden hätte. Und «Foreigner» zeigt wieder eine Verwandlung, eine erneute Umstrukturierung der Band und vielleicht das endgültige Wachstum zum «Projekt». War «Von Spar» ein Experiment in klanglicher Geduld, eine Zeitlupenaufnahme, eine Studie in Bernstein, macht Foreigner wieder deutlich mehr Spaß. Natürlich, das Album ist eine unverhohlene Verneigung vor der frühen deutschen Elektro- und Krautrockszene, es klingt wie ein «Best of» von Winfried Trenklers «Rock In» oder «Schwingungen». Aber neben Tangerine Dream, Grosskopf, Can, Grobschnitt, Schulze, Göttsching schimmern auch Pink Floyd und Jarre durch – überhaupt scheint «Foreigner» auf durchaus wohltuende Art eine Fusion modernen Postrocks und alter elektronischer Musik zu sein… und einer Band aus Köln steht das ja auch bestens zu Gesicht.

Dabei ist «Foreigner» trotz aller sofortigen Vertrautheit alles andere als Recycling und Wiederaufkochen bereits gehörter Musikfragmente. Natürlich ist die erste Reaktion, nach der generellen Verblüffung, nach Vorbildern und Bezugspunkten zu suchen, diesen Drumsound wiederzuerkennen, jenen Arpeggiator. Aber in Wirklichkeit mixen Sebastian Blume, Jan Philipp Janzen, Christopher Marquez und Phillip Tielsch so munter so verschiedene Einflüsse zusammen, dass das Endergebnis eher eine Art Bogen, eine Cinemascope-Gesamtschau elektronischer Musik wird. Einflüsse von Rock, Techno, Kraut, konkreter Musik, 80s Quietschiepop – was du willst, du wirst es finden, wunderbar produziert und programmiert, liebevolle Soundfrickelei und keine Sekunde langweilig. «Foreigner» ist die Sorte Album, die man gedacht hatte, nicht mehr zu hören. Es ist keine elektronische Musik, die sich dem Zeitgeist nett macht, es ist aber auch keine Vangelis-artige Wellness-Scheiße, keine elektronischen Billigsoundwolken, es ist nicht Laptronica, kein Schlafzimmerpop – es ist völlig seriöse, ernsthafte Suche nach Musik, in vollem Wissen um die Wurzeln und ohne klares Ziel, Hauptsache die Reise macht Spaß. Und die macht eine Menge Spaß, trotz der Düsternis, die das Album durchnebelt.

Von Spar dürften mit diesem dritten Album die ausnahmslos beste deutsche Band sein. Mit dem Debüt haben sie ein Genre übertroffen, ein neues geschaffen und dieses auch gleich wieder als Scherbenhaufen für alle Epigonen und Wannabes zerstört, mit dem Zweiten haben sie eine Ernsthaftigkeit und Innerlichkeit gefunden, die man eher aus Skandinavien erwartet hätte und jetzt produzieren sie ein staatenloses, zeitenloses Album, das zugleich unfassbar klar verortet klingt, das sofort vertraut ist, dich sofort eingefangen hat, und doch smart genug ist, um mit jedem Track wieder zu überraschen. Das Album ist, ohne jede Frage, ein Monolith, eine Platte, die man immer und immer wieder hören kann, ein Ding für immer, eine große Liebe, mit der du Autofahren oder Spazierengehen wirst, damit einschlafen oder dich in langen Dialogen damit unterhalten wirst. «Foreigner» ist eins der absolut besten Alben des letzten Jahres – und man kann nur hoffen, dass die nächste Platte eben wieder ganz anders wird.

19. Januar 2011 12:22 Uhr. Kategorie Musik. Tag , , . Eine Antwort.

Geduld

geduld.jpg

Der wunderbare Schnee der letzten Wochen hat etwas, was lange brodelt, seltsamerweise nicht abgekühlt, sondern zum Kochen gebracht – den Volkszorn. Die Bürger empören sich darüber, dass die Städe trotz Haushaltssperren und schließenden Theatern die Straßen nicht picobello freihalten, nicht genug Streusalz verwenden, nicht oft genug die Straßen wie einen Döner abschaben, dass Müllfahrzeuge sich nicht durch Straßen zwängen, durch die kleine Kfz schon kaum noch sicher kommen und der Müll mal zwei oder drei Wochen liegt. Klaus Kunze, Chef der Essener Entsorgungsbetriebe, gibt in seinem Interview mit Der Westen einen Einblick in die vielen Parameter, die er zu jonglieren versucht – durchaus sympathisch -, und wird in den Kommentaren (der hysterisierten Form des Leserbriefes) dafür angegeifert und persönlich beschimpft. Die Bürger fangen sogar an, Klagen gegen die Entsorgungsbetriebe verschiedener Städte vorzubereiten.

Wegen etwas Schnee, wohlgemerkt.

Zugegeben, um Weihnachten ist etwas dumm, wenn Müll liegenbleibt, weil gerade da viel Papier anfallen kann (obwohl das ja auch schön den Überkonsum verdeutlicht und uns einen Geschmack des eigenen Giftes gibt). Zugegeben, Autofahrten um den 24.12. waren nahezu undenkbar und haben meist mehr als doppelt so lange gedauert und waren oft von der Angst geprägt, in irgend eine Leitplanke zu schliddern. Aber haben wir uns schon so weit von der Natur entfernt, dass wir mit dem Wetter auf Kriegsfuß stehen? Den Sommer bekämpfen wir mit Klimaanlagen und ruinieren dabei unsere Gesundheit, im Winter verlangen wir offenbar, dass ad hoc ein Normalzustand wieder hergestellt wird. Meine Nachbarn haben im Grunde ganztägig gegen den Schnee angefegt und geschippt, damit ihr Teil der Straße (und auch nur ihrer) bitte immer noch so aussieht, als sei Frühling, als sei gar kein Winter. Gut, dafür gab es dann vor ihren Häusern keine Parkplätze mehr, weil sich irgendwann meterhohe Schneeberge am Straßenrand auftun, aber der Bürgersteig als solcher war blitzeblank. Immer. Die Tatsache, dass man auf gefallenem Schnee an sich ausgezeichnet gehen kann – im Wald fegt ja auch niemand und man kann dort bestens unterwegs sein – spielt bei diesem Fegewahn keine Rolle. Es geht nicht um die Begehbarkeit der Straße oder um gesetzliche Vorschriften. Es geht um den Kampf gegen die Natur. Es scheint auch niemand auf die simple Idee zu kommen, sich zusammenzutun und die Straße einfach gemeinsam selbst vom Schnee zu befreien, wenn die Entsorgungsbetriebe die Seitenstraßen nicht streuen. Soviel Anonymität muss selbst in Wohnvierteln sein, wo jeder Nachbar alles über den anderen weiß.

In den USA wäre das übrigens undenkbar. Dieses paternalistische Staatsverhältnis – ich zahle Steuern, dafür musst du mich rundum verwöhnen. Es ist in einem Land wie Amerika vielleicht einleuchtender, vielleicht ticken die Menschen auch nur anders, dass der Staat sich nicht um die Weite des Landes, um jedes Detail kümmern kann. Also machen die Leute es, ganz dem Let’s-Do-It-Mythos einer Nation verpflichtet, die den Wilden Westen erobert hat, einfach selbst, adoptieren Autobahnabschnitte, fegen die eigene Straße, beschneiden die eigenen Bäume. In Deutschland scheint aber schon die Vorstellung, einen Müllsack zum Recyclinghof selbst fahren zu müssen, eine Zumutung zu sein.

Vor allem aber auffallend ist die Ungeduld mit der Natur, die einfach daherkommt und sich in die Planbarkeit des Lebens einmischt. Wer über beheizbare Gehwege sinniert, hat sich endgültig für ein Leben entschieden, das ebenso gut unter einer Plastikkuppel über der Stadt stattfinden könnte, die Regen, aber auch zu viel Sonne, Wind und Schnee, einfach abhält. Mit anderen Worten mutieren wir zu Terrariums-Tierchen, die neurotisch reagieren, wenn ein Parameter der künstlichen Umwelt zu stark variiert wird. Die Wirklichkeit macht uns nervös. Ein zwei Tage ist der Schnee ein Ah-Ereignis, danach manifestieren sich nur noch Ärgernisse, weil der Terminplan derangiert wird. Wenn das Leben ein Güterbahnhof ist, darf uns eben keine höhere Macht die Logistik verhageln. Und da wir in einer Welt leben, in der selbst die Freizeit per Terminplaner organisiert wird (und per Facebook dokumentiert), ist das Leben nun mal ein Güterbahnhof, sorry, lieber Schneemann.

Es ist verblüffend. Die gleichen Bürger, die sich sonst permanent um den eignen Burn-Out zu sorgen scheinen (dem gefühlten Buch- und Pressethema Nummer Eins derzeit), sehen den Schnee nicht als naturverordnete Auszeit, sondern burnen noch ein wenig intensiver dagegen an, wutschäumend. Anstatt Termine zu reduzieren (eine Ausrede hätte man ja), zu Hause zu bleiben, vorm Schneefenster mit etwas Heißem in der Tasse ein gutes Buch zu lesen oder unter der dicken Decke zu kuscheln, wird in den Leserbriefen ein Kryptofaschismus der eisfreien Straße deklamiert, das totale Schneefrei gefordert. Dahinter steckt nicht nur eine unfassbare Entfremdung von der Natur und ihrem Rhythmus, sondern auch eine Ungeduld, die uns alle erfasst hat und der die Realität als solche total egal geworden ist.

Und in der Tat, wir sind verwöhnt. Alles hat sich beschleunigt. Gute Zeiten, um ein fußwippender Ungeduldsmensch zu sein. Amazon liefert nicht mehr nur binnen 24 Stunden, was an sich ja schon verblüffend genug ist, sondern binnen eines Tages bis 18 Uhr. Downloads, die vor zehn Jahren noch den ganzen Tag gebraucht hätten, sind heute ohne Kabel in wenigen Minuten auf dem Rechner. Man kocht nicht mehr stundenlang, sondern blitzdingst sich in Minuten ein Essen aus der Microwelle. Auch im Restaurant denken wir uns anscheinend nichts dabei, wenn Sauerbraten, ein Fischgericht und ein Schnitzel seltsam schnell, seltsam gleichzeitig aus der Küche kommen, selbst wenn die Teller wärmer sind als das Kartoffelpüree – die Frage, wie ein Sauerbraten ernsthaft in 5 Minuten halbwegs seriös gemacht sein soll, stellt man besser nicht. In den Fast-Food-Ketten warten entsprechend schon viele Gerichte verpackfertig vorbereitet auf uns, damit man sie direkt am Autoschalter ordern kann, whambam, von der Bestellung zum Dinner in 2 Minuten, das Herabschlingen braucht kaum länger. Wir tippen nicht mehr mit der fehlerhaft-langsamen Mechanik einer Schreibmaschine, sondern direkt mit Rechtschreibkontrolle eingebaut, verschicken keine Post mehr über zwei drei Tage, sondern eMails im Sekundentakt, Gigabytes davon im Jahr (wären es Postbriefe, wir würden jedes Jahr Schränke von Aktenordnern mit dem ganzen Hin und Her füllen). Wir teilen unsere impulsiven Gedanken unserem Freundeskreis in Echtzeit mit, just in time, kein Warten mehr, es der Freundin morgen am Telefon zu erzählen, sie hat es schon bei Facebook gelesen. Abgeordnete twittern Abstimmungsergebnisse, bevor wir sie aus den Zeitungen lesen, die mit einem Tag Verspätung gegenüber der Newsflut in unseren RSS-Readern sowieso furchtbar lahm wirken. Navigationssysteme bringen uns schnell uns sicher ans Ziel, kein minutenlanges Kartenwälzen mehr vor der Fahrt, kein Verfahren, reinsetzen und losfahren und jederzeit im Blick, ob man es noch pünktlich schafft oder nicht. Notizen schreiben wir nicht mehr ab, eine Software macht das für uns. Medien konsumieren wir nicht mehr in Ruhe, wir zappen zwischen den Kanälen und Angeboten, schnell gelangweilt, wenn eine Handlung oder Information zu langsam kommt, keine neuen Impulse auf uns eindonnern. Dass manche Prozesse einfach physikalisch und mechanisch sind und Zeit brauchen wollen wir zunehmend nicht mehr hören. Für uns Designer bedeutet das oft, dass ein Kunde nicht versteht, warum die 100-seitige Broschüre nicht doch in einem oder zwei Tagen gedruckt werden kann – und oft werden Termine so gebaut, dass man sich wirklich eine Art Digitaldruck in hohen Auflagen wünschen muss. Bei Korrekturen wird, kaum sind die Mails angekommen oder kaum die Änderungswünsche durchgegeben, kaum eine Stunde später nachgefragt, wo die neuen Fassungen bleiben. Egal, wem du heute eine Mail schreibst, wenn sie eine gewissen Länge erreicht und Dinge erklärt, beschleicht dich schon beim Absenden das Gefühl, niemand wird sie wirklich lesen – nicht ohne Grund gibt es ja längst Software, die dem Empfänger den eingehenden Text in eine Kurzfassung zusammenschnürt. Und dass Ideen und Kreativität sich in keinerlei Zeitplan pressen lassen und einfach auch etwas Ruhe brauchen, ist nahezu eine Tabu-Aussage geworden.

Jeder hat es eilig, wenn er nicht gerade als Kind oder Rentner außerhalb des Systems steht und sich das Irrenhaus-Treiben amüsiert anschauen darf und wie Hans-Jochen Vogel amüsiert-schockiert die SMS-Sucht der Kanzlerin aus dem Altersheim heraus kommentieren kann, als zugleich etwas befremdlich wirkendes Symbol einer vergangenen Ära von Schreibmaschinen und Aktenordnern. Aber selbst die Pensionäre, man sieht es in Stuttgart, haben keine Geduld mehr, sich die Umbaumaßnahmen für einen Bahnhof anzusehen, den sie nie mehr nutzen werden. Das gleiche Gefühl, das sich gegen den Winter positioniert – bitte keine Störungen in der Komfortzone – ballt sich hier gegen Bagger und Kräne. Es mag Sachgründe für und gegen S21 geben, aber im Kern geht es um die Frage, wie viel Geduld und Veränderungs-Elastizität wir noch aufbringen können. Selbst die Integrationsdebatte lässt sich auf Ungeduld reduzieren, leider – es scheint, als brächten Sarrazins Jünger den muslimischen Einwanderern nicht die Geduld entgegen, sich langsam in eine Balance zwischen Identität und Integration zu finden. Obwohl dieser Prozess Dekaden braucht und durchaus erfolgreich läuft, scheinen wir als Gesellschaft die Energie zur Hilfe, die Ruhe und Reife für diesen Prozess nicht mehr aufzubringen und zucken nervös zwischen Realitätsverschleierung einerseits und hysterischen Überfremdungsängsten andererseits. Die Wutbürger wippen nervös mit dem Fuß, als wäre ein generationenüberspannender Vorgang ein zu spät kommender Zug, der unser Effizienzkorsett zum Platzen bringt. Wir haben keine Zeit für gesellschaftlichen Wandel, also lehnen wir ihn ab.

Längst sind wir nicht nur ungeduldig, wir fiebern der Zukunft entgegen. Trailer, Leaks und Websites verraten uns Details von Büchern, Filmen und Serien bevor sie überhaupt fertig geschrieben oder gedreht sind, neue Alben kursieren im Web, während die Musiker noch im Studio stehen, Apple stellt Software vor, die erst in einem Jahr überhaupt erscheint – wir werden permanent mit einem Hunger auf das nächste kommende Ding, das nach der nächsten Ecke auf uns wartet, aufgeladen. Wir sind nie mit dem zufrieden, was jetzt ist, sondern hecheln ungeduldig schon der nächsten Etappe entgegen. Ich bin da keine Ausnahme, habe schon als Kind zuerst das Ende vom Krimi gelesen und mag bis heute Spoiler über alles – dieser präkognitive Blitz, der ja immer nur ein Teil des Ganzen ist und der erst Sinn macht, wenn man dann das Buch tatsächlich liest oder den Film sieht. Mein Hang zu Multitasking und Ungeduld ist so alt, wie ich zurückdenken kann – aber wenn solche ADHS-artigen Eigenschaften in der gesellschaftlichen Psyche massenhaft aufblühen, sind es nicht mehr unbedingt positive Features, im Gegenteil.

Wir entwickeln uns nicht nur zu einer hektischeren und oberflächlicheren Gesellschaft, wie von zahlreichen Autoren oft etwas kurzsichtig prognostiziert (wie in Schirrmachers unsagbar schlechtem Buch), sondern vor allem zu einer permanent wütend-ungeduldigen. Witterungsbedingte Verspätungen und Verkehrsengpässe lösen bei vielen Menschen offenbar Gefühle aus, die aus dem Anlass heraus nicht zu erklären sind. Es mag daran liegen, dass in ohnehin unsicheren Zeiten die Bürger angesichts der großen Unwägbarkeiten bei den kleinen, alltäglichen Chaos-Momenten überzogen reagieren, sich sozusagen blitzableitern am Entsorgungsunternehmen, wenn es in Wirklichkeit um die Großbanken geht, die Deutsche Bahn für die Terrorismus-Angst und Wirtschaftskrise büßen muss. Es mag auch sein, dass wie in so vielen Dingen 40% besser zu ertragen sind als 90% – je besser es uns geht, umso schärfer nehmen wir die immer kleiner werdenden Restunterschiede war. Unsere Welt ist schneller geworden, die Befriedigung eines Wunsches nahezu aufschubfrei… umso schlimmer ist vielleicht, wenn doch einmal etwas nicht so läuft, wie man es gewohnt ist. Wo sich unsere Großeltern von Krieg und Wiederaufbau nicht haben beirren lassen, scheint uns schon eine vereiste Autobahn aus der Balance zu bringen.

Natürlich kann es kein Zurück zur Ruhe geben, und ich wäre der letzte Mensch, der das propagieren würde. Die Welt wird schneller und das ist in der Natur unserer Evolution, nicht erst seit einigen Jahren, sondern seit Anbeginn der Geschichte. Eskalation ist menschliche Natur. Dennoch darf man nicht vergessen, das Muße, Ruhe und Nichtstun entscheidende Lebensfaktoren sind. Es ist erwiesen, dass Ideen eine Inkubationszeit brauchen. Informationen sammeln, nachdenken, drüber schlafen, Ideen kommen lassen, das ist die Mechanik der Kreativität -, und das gleiche gilt für das Leben als solches. Es sollte hyperaktive Phasen geben, aber auch Abschaltphasen, Anspannung und Entspannung, Dehnung und Erschlaffung, in sinnvoll-weichen Sinusbewegungen. Ein Gummiband, das immer nur gedehnt wird, reißt nun mal. Das hat nichts mit Burn-Out-Moden zu tun, sondern ergibt sich aus dem Kreislauf der Natur, wo wir solche Wellen immer wieder sehen, das Auf- und Absteigen, Anwachsen und Zurückgehen, Ebbe und Flut. Es schadet also nicht, diese Gegensätze als gut zu sehen und Hemmungen wie Schnee oder verspätete Züge entspannt als Gang der Dinge, als unweigerlichen Bestandteil des Seins zu begreifen, nicht als Hindernisse, die es zu bekriegen gilt. Es ist gut, wenn es schneit und wir langsamer werden müssen. Es ist okay, wenn Müll mal ein paar Wochen länger liegen bleibt – umso mehr wissen wir zu schätzen, wie unsichtbar und reibungslos die Infrastruktur normalerweise läuft. Erst durch das Ausbleiben des reibungslosen Funktionierens wird das uns umgebende Versorgungssystem spürbar, sichtbar. Erst wenn die Bahn zu spät kommt, verstehen wir die Logistik, die dieses Netzwerk normalerweise vorantreibt. Im Scheitern wird also auch die Schönheit eines bestehenden Systems spürbar. Wer den Schnee nicht genießt, sondern sofort manisch solange fegt, bis wieder der Asphalt sichtbar wird, hat vielleicht tatsächlich ein Problem, die Welt zu genießen. Und ist es nicht eigentlich ein tolles Abenteuer, über Schnee und Eis zu schliddern auf der Autobahn, nachts um Drei – kann man das bei aller Panik um das schöne Blech nicht auch mal genießen?

Liebe Leserbriefschreiber und Straßenfeger, liebe Armbanduhrchecker an den Flughäfen, liebe Schlangenvordrängler – ich bin ja genau so ungeduldig wie ihr, genauso übertaktet, genauso unfähig mal ein paar Stunden ohne Twitter oder RSS, ohne Mail oder Medien klarzukommen. Ich verstehe euch ja. Aber es gibt Situationen, da ist es gut, den inneren Kontrollfreak in den Schrank zu stellen und das Leben nicht als Fließband misszuverstehen. Es gibt Brüche, Pausen, Unwägbarkeiten unter der ja nur scheinbar glattgezogenen Zivilisationsfassade, und die kleinen alltäglichen Störungen können als Erinnerung daran dienen, wie fragil die Balance unseres Alltags ist und wie groß der Luxus, den wir genießen. Wir erleben meist keine Orkane, keine Sturmfluten und noch hat uns niemand Hochhäuser weggesprengt – lasst uns verschneie Straßen und rutschige Gehwege, Warten am Bahnhof und unklimatisierte Züge als homöopathische Dosen der Risiken wahrnehmen, die wir gebändigt haben.

Auf keinen Fall aber sollten wir uns nach einer 100%ig kontrollierbaren, klimatisierten, beheizten Welt sehnen, in der es keine Überraschungen mehr geben kann und alle Züge immer pünktlich fahren, alle Briefe immer zeitig eintreffen, es wäre die langweiligste aller Existenzen.

12. Januar 2011 11:46 Uhr. Kategorie Stuff. Tag , , . 13 Antworten.

Martina Topley Bird: Some Place Simple

hd schellnack

Martina Topley Bird ist eine der besten Stimmen der letzten zwei Dekaden, mit ihrer glasig-sandigen Stimme nicht umsonst regelmäßiger Gast bei Tricky, Massive Attack und anderen Bands, aber ihre Soloprojekte scheinen nie richtig Fuß zu fassen. Was vielleicht daran liegt, dass Sie – ob aus Experimentierlust oder Orientierungslosigkeit – auf nahezu jedem Album ihren Sound weitestgehend ändert. War «The Blue God» von 2008 eine eher konturlose Pop-Einspielung, die die Sängerin in eine zu glatte Überproduktion einwickelte, ist «Some Place Simple» das genaue Gegenteil. Dem Namen gerecht werdend, liefert das Album minimalistische Fassungen bestehender Songs und eine Handvoll neuer Kompositionen. Das Album wirkt wie eine Vorbereitung auf eine Unplugged-Tour, diese Sorte Singer-Songwriter-Platte, die uns nur Stimme und ein absolutes Minimum an Instrumentierung liefert. Dabei ist MTB nicht so radikal wie etwa Lou Rhodes – an ihrem schlichten Ort lässt die Musikerin durchaus Schlagzeug, E-Gitarre und einige Keyboard-Sounds zu -, aber dennoch ist es spannend, «Sandpaper Kisses» so reduziert und unterproduziert zu hören. Es ist fast unwirklich, dass die Sängerin nach dem moderaten Charts-Erfolg des letzten Albums nun zu Tönen greift, die das Pop-Publikum eventuell vergraulen dürften, aber das Ergebnis ist mehr als hörenswert und Zeugnis ihrer Suche nach einer eigenen Identität. Bei aller Reduktion sind die 15 Tracks des Albums abwechslungsreich und niemals langweilig, die eher schlecht wirkende Produktion unterstreicht eher die Intimität des Albums. Man darf sich fragen, warum eine Musikerin auf ihrem dritten Soloalbum das Bedürfnis hat, weite Teile der beiden vorhergegangen Alben neu einzuspielen (zumal die Quixotic-Tracks eigentlich hervorragend sind), vielleicht fühlte sich Topley Bird unter der reichen Produktion vergraben. Warum auch immer, sie schmiergelt ihre Songs mal sanft mal brutal aufs nötigste Minimum herab, legt Muskeln und Knochen frei und zeigt fragile Kompositionen, die auch nach teilweise acht Jahren frisch wirken. Bemerkenswert ist, wie sehr die drastischen Unterschiede zwischen dem Debut Quixotic und dem von DangerMouse überproduziertem Blue God in diesen Versionen verschwinden – obwohl die beiden Alben kaum unterschiedlicher sein könnten, wirken die Songs hier wie aus einem Guß. Überhaupt ist dies das erste Album von MTB, das einen durchgehenden, einen homogenen «Sound» hat. Wo sie sich früher auszustrecken scheint, mal einen Trip-Hop-, mal einen Pop-Song produziert, die ganze Palette ihres Könnens und ihrer musikalischen Interessen auszutesten scheint, wirkt «Some Place Simple» klar und luzide, reduziert, verortet. Auf ihrem dritten Album, so scheint die Botschaft, weiß MTB, was sie will, sucht nicht mehr nach Zielgruppen, hat ihre alten Songs für sich zurückerobert und klarer, lyrischer gemacht. «Some Place Simple» klingt wie eine Rückbesinnung auf die eigenen Qualitäten gegen den Burn Out der Musikindustrie: Weniger, aber besser. Das Photo auf dem Plattencover scheint gegenüber dem Motiv von «The Blue God» ein Versprechen zu sein, dass die Musikerin sich selbst gibt. Wo auf dem Album von 2008 eine Art Diva im Lichternebel der großen Stadt posiert, eine photogeshoppte James-Bond-Retro-Göttin, präsentiert sich MTB auf dem neuen Cover mit einem spontan wirkenden Photo aus einer Studiosession – etwas angeblitzt, nicht in die Kamera schauend, bei sich – eher ein Facebook-Photo als ein glamouröses Albumcover einer Pop-Sängerin. Topley Bird, so die Botschaft, scheint die Masken abgelegt zu haben, nicht mehr Ziehkind von Tricky und Co zu sein, aber auch nicht die Grande Dame, die die Plattenfirma aus ihr machen wollte, sondern nur noch Sängerin und Musikerin. Eine gute Basis für das nächste Album, auf das Tracks wie das fröhliche «All Day» und das atmosphärische «Orchids» einen herausragenden Vorgeschmack geben.

4. Januar 2011 11:15 Uhr. Kategorie Musik. Tag . Keine Antwort.

Deftones: Diamond Eyes

hd schellnack

Es ist natürlich ein Problem für jede Band, das eine perfekte Album schon längst herausgebracht zu haben. Oasis oder auch Bloc Party hätten nach dem Debut eigentlich schon aufhören dürfen, und die Deftones haben mit «White Pony» sicherlich ein im Grunde nicht mehr zu überbietendes Album herausgebracht. Auf ihrem sechsten Studioalbum zeigt sich die Band aber durchaus nach dem etwas mauerem letzten Album vor fast drei Jahren wieder gewillt, den eigenen Gipfel noch einmal erklimmen zu wollen. «Diamond Eyes». Nachdem die Band das im Grunde fertig eingespielte «Eros»-Material mit dem 2008 verstorbenen Bassmann Chi Cheng ins Regal stellte und ein ganz neues Album einspielte, scheint es einen Befreiungsschlag gegeben zu haben. Obwohl der Titeltrack sehr nach dem epischen Pop-Metal der Deftones klingt, entfaltet das Album eine Bandbreite, die der Vorgänger einfach nicht hatte und kann mit CMND/CTRL zumindest für die Strophe sogar wieder richtig Biss entwickeln. Aggressiv, wütend, traurig, episch, mit Blick für das ganz kleine Sounddetail ebenso wie für die bandtypische große Geste, schlagen die Deftones hier eine Brücke zwischen Melodie und Wucht, die im Metal seltener geworden ist. Das Problem der Band – die große Selbstähnlichkeit der meisten Songs, die immer wieder ein ähnliches Thema zu variieren scheinen – löst «Diamond Eyes» natürlich nicht, aber das Album klingt frischer und lebendiger als etwa «Saturday Night Wrist», und zeigt die Band absolut in Kontrolle des eigenen Klangs, dem immer wieder neue Nuancen abgetrotzt werden. Obwohl es immer wieder Momente gibt, die ein wenig vertraut klingen, ist andererseits auch immer wieder spürbar, wie neues Territorium erobert wird, wie Riffs und Sounds einen deutlichen Tick härter werden, wie die Band ihr Melodrama mit mehr Wut ausstattet. Chino Morenos Vocals fliegen wie immer über die Klippen und Abgründe der Metal-Landschaft unter ihm, die selten so zerklüftet und harsch war wie bei «Rocket Skates», dem zweifellos bestem Track des Albums, das insgesamt einen mitreissenden Trip durch eine ebenso unbewohnbare wie hinreissende Landschaft bildet. Man hört, dass dieses Album schneller entstanden ist als der Vorgänger, mehr gemacht als gedacht ist. «Diamond Eyes» ist kein experimentelles Album, sondern eher eine Definition des eigenen Sounds, eine Rückversicherung, ein Beweis der eigenen Lebensenergie, die Reaktion auf Chengs Koma, die Konsolidierung als Reaktion auf einen externen Schock. In einem Moment, in dem dem die Band sich gepflegt hätte auflösen können, findet sie in ihrer reinsten Form neu zusammen, ohne den eigenen Sound zu hinterfragen, ohne sich kaputtzudenken – und das Ergebnis ist ein Album, das «White Pony» nicht nur das Wasser reichen kann, sondern es zumindest streckenweise fraglos übertrumpft.

29. Dezember 2010 18:45 Uhr. Kategorie Musik. Tag . Eine Antwort.

Chemical Brothers: Further

hd schellnack

Ohne große Gäste und mit bescheidenerer Geste sollte dieses Album ausfallen, mehr Dust Brothers-Feeling, weniger das Cinemascope-Soundfeeling, das man auf den letzten Alben von Tom Rowlands und Ed Simons kannte, dafür aber mit einem künstlerischen Gesamtkonzept durch die beiden Videoartists Adam Smith und Marcus Lyall ausgestattet. Nun, das Videomaterial hilft einem nicht durch das Hören des Albums, also muss die Musik für sich bestehen, und das tut sie nur mit etwas Widerwillen. Es mag sein, dass die hypnotisch wirkenden Loops, mit denen die Brothers hier arbeiten, perfekt zu den Bildwelten von Smith und Lyall passen, als reines Audioalbum entfaltet sich mitunter einfach auch mal etwas Langeweile. In den guten Momenten ist «Further» ein atemberaubendes Album, das ein durchgehendes musikalisches Konzept verfolgt und geschlossener wirkt als vieles, was die beiden in den letzten Jahren hervorgebracht haben, klarer, reduzierter. Jenseits üblicher Genredefinitionen entwickeln die Chemical Brothers hier ihren typischen Sound aus, schaffen ein elektronisches Crescendo nach dem nächsten, lassen die Tracks zusammenbrechen und liefern mit «Escape Velocity» sicher einen ihrer besten Tracks ab, eine wunderbare Klangarchitektur, die Klaus Schulze und Tangerine Dream schreiend und kreischend ins 21. Jahrhundert zerrt. Wie immer bei den Brothers kann auch mal gepflegte Langeweile aufkommen, wenn die Pattern einen Hauch zu lange vor sich herschwurbeln oder die Beats zu bombastisch sind, das Tempo aber zu lahm ausfällt, die Sounds zu glatt ausfallen, das Duo zu sehr durch verschiedene Klangwelten hopst. Alles in allem aber ist «Further» der Fortschritt in der Rückkehr, eine Rückbesinnung nach vorn. Anstatt auf große Namen zu setzen, singt Rowlands die meisten Tracks selbst, der Sound klingt hingegen fast wie eine Retrospektive durch das eigene Gesamtwerk, eine rund 50-minütige Reise durch das eigene Oevre, ein geschlossenes Set, das keinen klassischen Hit mehr produziert, sondern wie eine makellose DJing-Session daherkommt, wie eine Miniatur-Disco-Oper. Eingängig ist dabei im Grunde kein Track mehr, fast sperrig wehrt sich das Album gegen die Einvernahme durch den Hörer, der sich auf die technopsychedelischen Cyberstrukturen der Musik einzulassen hat, in denen Rowlands und Simons immer wieder mit endlos langgezogenen Steigerungen die Geduld strapazieren. Das Statement scheint klar: Weg mit der Orientierung an den Charts und am Pop, raus aus dem System, zurück in die Nacht. Das gelingt nicht immer so maßlos überzeugend wie bei «Escape Velocity», aber durchgehend genug, um «Further» zu einem flächendeckend magischen Album zu machen.

18:15 Uhr. Kategorie Musik. Tag . 3 Antworten.

Elisabeth Rank: Und im Zweifel für dich selbst

hd schellnack

Wer Elisabeth Rank als Bloggerin kennt, dürfte von diesem Debut der Autorin wenig überrascht und doch überrascht sein, denn obwohl der Sound ganz eindeutig der gleiche ist, gelingt ihr das nicht zu unterschätzende Kunststück, ihren sensiblen Stil, der von der Vignette, dem oft hingehauchten und geheimnisvoll-alltäglichen lebt, auf rund 200 Seiten zu strecken, ohne dass es sich nach «Extended Club Mix» anfühlt. Wer die Intensität ihrer Kurzform kennt, den wird nicht verwundern, dass «Und im Zweifel für dich selbst» ebenso sensibel wie wuchtig ist, einerseits fast zerbrechlich, so dass du fast behutsam umblätterst, mit diesem Gefühl von Vorsicht, dass man vielleicht aus Kirchenbesuchen kennt, andererseits brutal in dem Versuch, Gefühl zu kommunizieren.

Durchbrochen von Rückblenden und Vignetten, erzählt Rank eine Art Roadmovie über Tonia (die Ich-Erzählerin) und ihre Freundin Lene, deren Freund Tim bei einem Autounfall gestorben ist und deren Leben verrutscht ist. In diese Coming-of-Age-Struktur ist eine Art Beziehungskrise von Tonia eingewebt, die auf der Reise, im Schutz von schlechtem Handyempfang und Abgeschiedenheit entdeckt, dass sie nicht bei ihrem Freund Friedrich Verständnis und Hilfe sucht, sondern bei Vince. Drum herum webt Rank kleine Erlebnisse und Begegnungen, Miniaturen, die oft alleinstehend stark sind, oft etwas bemüht den generellen emotionalen Tonus des Buches metaphorisch ummanteln und unterstreichen sollen/wollen. Was mitunter schade ist, denn das braucht es kaum. Rank erzählt auch so erfolgreich die Gesichte einer Entrückung, die schwer zu greifen ist. Unwillkürlich erinnert das Buch an Joss Whedons Buffy-Folge, in der die Mutter der Serienfigur stirbt, in der Whedon den Mantel von humorvollem Teenie-Drama-Abenteuer-Fantasy rigoros abstreift und unerwartet eine ernsthafte, phantastisch Lynch-esque Episode produziert, die von schrägen Kameraeinstellungen, surrealem Ambiente und einem tiefen Gefühl der Unwirklichkeit durchzogen ist, als sei die Welt, die Serie als solche, mit dem Tod von Buffy Summers Mutter völlig aus der Bahn geworfen und entglitten. Ähnlich entschieden wirft Rank ihre Figuren aus dem urbanen Alltag und es ist nicht ganz sicher, ob die Autorin wirklich die Flucht an die Küste wählt oder ob sie fast amüsiert beobachtet, dass ihre Figuren diese etwas klischeehafte, dem Kino entliehene «Flucht» als Lösung wählen. Vielleicht muss auch einfach nur etwas passieren, um die Handlung loszutreten, die an sich nur eine Ausrede, ein McGuffin ist, um in die Gefühlswelt von Tonia und Lene einzutauchen, um die Verarbeitungsprozesse der trauernden Freundin und ihres Umfeldes mitzuerleben.

Die eine, verzeihbare, Schwäche des Buches ist, dass es unbedingt etwas sagen will. Einem Debut-Roman, zumal dieser Qualität, darf man ein bisschen Sturm und Drang einfach verzeihen, aber es ist glasklar, dass Rank es eigentlich nicht nötig hätte, so viel Rücksicht auf ihre Leser zu nehmen. Auf verschiedensten Ebenen bemüht sie sich, symbolisch, metaphorisch, direkt und indirekt, Bedeutung zu schaffen, große Gefühle durch Beschreibungen und Simile herbei zu schreiben. Und da Rank phantastisch schreiben kann, gelingt ihr das auch meist. Ihr kurzer, mitunter auch sparsamer Stil, der plötzlich eruptiv-ausufernd werden kann, das glaubhaft wie aus dem Moment geschrieben wirkende, der zwar mitunter etwas an die Neon, aber insgesamt sehr aus der Gefühlswelt heutiger Twens kommende Klang – all das funktioniert wunderbar. Und gerade weil das so ist, würde ich mir manchmal etwas weniger wünschen. Ein Stück mehr Ray Carver oder Amy Hempel, ein Stück Wortdiät (sagt gerade der richtige, ich weiß). Wenn Hempel über das Sterben schreibt, reichen ihr wenigste Zeilen, das nackteste sprachliche Gerüst, um den Leser zu zerquetschen, wenn Carver vom Tod einer eingeschlafenen Beziehung schreibt, reichen drei Striche, eine hingehauchte Skizze, ein scheinbares Nichts an Handlung, um alles gesagt zu haben. Ganz an dieser Sparsamkeit ist Rank nicht, muss sie vielleicht auch nicht sein, wird sie vielleicht auch nicht sein, aber während des Lesens gibt es immer so Stellen wo du denkst: Lass das, das ist zu viel, streng dich weniger an, ich habs ja auch so kapiert. Vielleicht liegt es auch nur daran, dass ich generell mit deutschen Büchern immer etwas probleme habe, sie zu direkt finde, zu aufdringlich – der Filter des Englischen hilft ja manchmal, das kennt man von Liedtexten, Enzensbergers Erkenntnis, dass Love immer noch anders klingt als Liebe, gilt ja nach wie vor. Das alles ist also eine vorsichtige, schwache Kritik an einem Buch, dessen teilweise Angestrengtheit du sofort vergisst, wenn Rank einen dieser phantastischen Sätze raushaut, die einfach völlig perfekt dastehen und die du zwei, dreimal lesen und jedesmal gut finden kannst.

Und im Zweifel für dich selbst ist ein herausragend geschriebenes Buch, das erfolgreich die Episoden und Miniaturen der Blog-Autorin auf die größere Bühne des Romans transferiert und hoffentlich den Auftakt einer Karriere als Schriftstellerin markiert, ich würde nämlich nur zu gerne lesen, wohin es Rank in ihrem fünften, sechsten, siebten Buch treiben mag, wenn sie mit weniger Arbeit den gleichen emotionalen Impact zu erreichen versteht.

7. Dezember 2010 11:47 Uhr. Kategorie Buch. Tag . Eine Antwort.

GUM

hd schellnackhd schellnack

Es liegt schon eine ganze Weile, inzwischen etwas zerlesen, auf meinem Schreibtisch und obwohl Daniela es schon vor einer ganzen Weile photographiert hat, komme ich erst jetzt dazu, es vorzustellen, dafür aber umso überzeugter: Das GUM-Magazin der FH Bielefeld ist in der elften Auflage unter der Führung von Dirk Fütterer komplett überarbeitet und zu einem über 200 Seiten starken Portfolio mutiert ist. Von einem Magazin darf man kaum reden – auch wenn ja alle FH-Lookbooks sich so nennen -, es ist vielmehr eine Reise durch photographische und gestalterische Arbeiten der letzten Jahre, auf den inzwischen etwas unvermeidlichen rosa Kopierpapier-Look-Seiten von Text begleitet, ansonsten aber primär visuell, der begleitende Text zu den Arbeiten ist entlang der Lesbarkeitsgrenze versteckt.

hd schellnack

Das etwa A4 große Paperback ist natürlich traumhaft schön anzusehen, arbeitet es doch größtenteils mit atemberaubend gelungenen Photomaterial, dass die drei Designer frei flottierend auf den Seiten verteilen, über den Rand laufen, auf die folgende Seite umschlagen lassen. Das offen schwimmende ist Gestaltungsprinzip der GUM, und es schafft den selten Sprung, dass man die Gestaltung einer reinen Portfolio-Publiktation an sich überhaupt wahrnimmt. Mitunter ist das begeisternd, wenn man als Leser das Gefühl bekommt, sozusagen auf einer unendlich großen Leinwand herumzukrabbeln, die nur für die Publikation zerschnitten wurde. Ein Effekt, der absolut neugierig auf das macht, was da oben und unten am Rand «verschwindet». Manchmal, keine Frage, kann es aber auch nerven, wenn das Design so offensichtlich vor den Inhalt tritt und sich vielleicht einen Hauch zu wichtig macht, oft auch auf Kosten der Präsenz der Materialien, die in dem großzügigen und zugleich doch unruhigen Weißraum oft nicht richtig wirken, mehr Ruhe hätten gebrauchen können. Das Design wirkt insofern einen Hauch zu zeitgeistig, diese kleinen schwimmenden Bilder, die pinken Seiten, vermeidet aber die wirklich krassen Nachäffereien und schafft alles in allem einen enorm wertigen Auftritt durch das feine Papier, die zurückhaltende Typographie und das unruhige Raster, das das sehr heterogene Material eben einen Hauch «gleicher» wirken lässt und auch den ansonsten schwierigen Bruch zwischen Photoarbeiten und Designarbeiten sehr gut abfedert, eine Technik, die es ja zum Teil auch schon in der Bielefeld-Publikation «Gibt es die Welt auch ohne Mich» gab, allerdings von größeren Aufnahmen durchbrochen.

hd schellnack

Es ist manchmal erschreckend – und beflügelnd – welchen Unterschied eine einzige Person an einer FH, in einem Fachbereich, machen kann. An allen FHs, die ich so kenne, gibt es diese ein oder zwei oder drei Dozenten und den dazu gehörenden Kreis engagierter Studenten, die Projekte anschieben, die auf der Höhe der Zeit in Sachen Design denken, die wirklich gute Sachen anschieben. Und plötzlich entstehen da Publikationen, Veranstaltungen, Projekte, Workshops und die FH, die du vorher vielleicht nie auf dem Radar hattest, produziert in Kette beachtenswerte Sachen und wirklich gute Designer, die ohne Frage einen Footprint hinterlassen werden. Fütterer – zumindest wirkt es so auf mich – ist so einer von diesen Leuten, einer dieser Katalysatoren, der als Professor an der FH Bielefeld sogar fast beschwingter und leichthändiger, essentieller, wirkt als in seinen eigenen Arbeiten als Designer, als würde die Loslösung von einem konkreten Kunden in ihm frische Energien freisetzen, entfesseln. Es macht Spaß, diesem Prozess von Energiegewinnung in der GUM zuzuschauen, die Fütterer nach sechs Jahren Dornröschenschlaf wieder wachgeküsst hat. Ich jedenfalls freue mich auf die weiteren Ausgaben!

hd schellnack
(weiterlesen …)

3. Dezember 2010 18:55 Uhr. Kategorie Design. Tag . Keine Antwort.

Harry Potter und die Heiligtümer des Todes

hd schellnack

In vielerlei Hinsicht ist dieser Harry Potter Teil der vielleicht beste der Serie. Und das trotz der Tatsache, dass die Dialoge unglaubwürdig, die Charaktere papierdünn, die Handlung sprunghaft-unlogisch ist, trotz der Tatsache, dass der Film streckenweise lähmend langweilig ist und die Trickeffekte bestenfalls routiniert-uninspiriert umgesetzt sind. Fast nichts an diesem Film ist bemerkenswert oder gar spannend, streckenweise fühlt er sich an als habe man sich in eine alte Folge einer beliebigen ZDF-Kinderserienversion eines Enyd Blyton Buches verirrt. Mit Ausnahme zweier Details ist der Film an sich wenig bemerkenswert.

Und wer hätte auch mehr erwarten wollen? Das letzte Buch der Potter-Reihe, an sich eines der kürzeren,, ist hier in zwei Teile geschnitten, dabei wurde es kaum einen rechtfertigen. Während das Buch, das eine Zweiteilung gerechtfertigt hätte – Band 4 – auf die übliche Spielfilmlänge eingedampft wurde, wird das Finale herausgezogen wie ein Kaugummi, und so entsteht ein seltsamer Vorspiel-Film, eine Atempause vor dem Finale. Und obwohl Drehbuch und Regie mit der schwachen, blutarmen Vorlage zu kämpfen haben, erzeugt dieser Break einen seltsamen, mitunter fast hypnotischen Effekt in einer Filmreihe, die von Hektik und absurder Verkürzung geprägt ist – es scheint, als sei Potter 7.1 einfach gar nicht Teil der Serie. Tatsächlich wirken die Szenen, die sich noch am ehesten nach den normalen Potter-Filmen anfühlen seltsam deplaciert, surrealistisch, gemessen an der Tranquilität der Aufnahmen von weiten Landschaften, durch die drei Teenager wandern.

Natürlich steckt hinter dem siebten Kapitel von Rowlings Buch eine wenig getarnte Coming-of-Age Geschichte, in der Potter und seine Scoobies Hogwarts verlassen haben, keine Autoritätsfiguren mehr haben, auf sich alleine gestellt sind. Sie sind auf einer Backpacker-Tour (die ein wenig an Alex Garlands The Beach erinnert), aus denen David Yates Bilder zaubert, bei denen man nicht überrascht wäre, wenn ein dezentes «präsentiert vom Britischen Ministerium für Tourismus» am unteren Bildrand erschiene. und ob beabsichtigt oder nicht – gegenüber der bildgewaltigen Realität der Naturaufnahmen wirken die Studiobauten und Trickeffekte der «magischen» Welt blass, unwirklich, lächerlich. Und selbst wenn die echten Konflikte von Harry, Hermione und Ron ein bisschen zu konstruiert, zu «emo» sind, die langen Brennweiten und weichgezeichneten Hintergründe ein wenig zu sehr an «Twilight» erinnern – all diese Teeniebop-Konflikte wirken immer noch tausendfach überzeugender als die abstrakte, schleppende Suche nach Horcruxen oder tödlichen Heiligtümer, denen das Trio der unsinnigen Logik von Telespielen folgend hinterherzujagen hat.

Da die Kids der Gefahr jederzeit durch Teleportation entkommen, wirken die Konflikte nur zusätzlich unwirklicher – sprunghaft wechseln wir von den monoton-introspektiven Zeltszenen zu seltsam selbstähnlichen Scharmützeln, deren Handlung und Figuren der Film kaum erklärt, sich darauf verlassend, dass ohnehin jeder Zuschauer die Bücher kennt, bestenfalls skizzenhaft erläutert. Wie glaubhaft können diese Sequenzen wirken, wenn zentrale Charaktere offscreen, fast beiläufig sterben oder die Scoobies fast sprunghaft wieder in die «Muggles»-Realität zurückgeschleudert werden?

Harry Potter and The Soft Machine
Keine Frage, in diesem Teil ist die Welt von Hogwarts und Co nicht mehr der harmlose eskapistische Traum des kleinen Waisenkindes, das unter der Treppe wohnt, keine harmlose Phantasiewelt mehr – sie ist ein Drogentrip geworden. Als würde William S. Burroughs uns persönlich an Bord des Nova Express begrüßen, begegnet Harry multiplen Versionen seiner selbst, verwandelt sich in andere Menschen, erlebt, wie ihm sein Gesicht wegschmilzt und hat böseste Halluzinationen, wird paranoid und vertreibt seine besten Freunde. Und kein Wunder flüchtet Harry in Drogenphantasien, er hat ja genug Traumata zu verarbeiten – Eltern und Ersatz-Vaterfigur umgebracht, von der Schule geflogen und in einer Welt, die sich so feindselig und zukunftslos anfühlt wie für jeden durchschnittlichen 18jährigen. Und dass Harry ein Young Adult geworden ist, macht Yates uns mit dem Holzhammer klar, indem Daniel Radcliffe mehrfach seinen nackten leicht behaarten Oberkörper zeigt.

Und so mutiert der Film – wahrscheinlich ungewollt – zu einer phantastischen Drogenfarce, einem bizarren Fiebertraum, was vielleicht nur beweist, dass gerade dann Subtext entsteht, wenn es eigentlich keine wirklich Handlung entsteht, dass das menschliche Gehirn eben Muster in der Schwärze der Nacht sehen will. Denn nur wenn man diese Drogenallegorie entdecken will, macht der Film auf morbide Art Spass. Dann werden Zauberstäbe geteilt wie HIV-verseuchte Spritzen, hängen die Kids nachts in siffigen Cafés auf der Suche nach Stoff, jagen verfolgt von einer anderen, älteren, fieseren Gang, dem nächsten Schuss hinterher. Die Tatsache, dass die Scoobies von Anfang an unglaublich verschattete Augehaben und Rons Augenringe gegen Mitte des Films sein halbes Gesicht auszumachen scheinen, wirkt so nur folgerichtig. Als Zuschauer wundern dich dann eben auch neonfarbene Bambis nicht mehr oder nächtliches Nachtbaden, geschweige denn die Tatsache, dass Harry Potters Brillengläser verschiedene Grössen zu haben scheinen und diese auch noch permanent wechseln. Und dann öffnet sich die Tür zur Deutung von Potter als grosser Eskapismusliteratur, in der Hogwarts und Hagrid, Butterbier und goldene Flügelbälle nur kleine Fluchten eines Waisen sind, der bei seinen Pflegeeltern untergebuttert ist, eingepfercht und freu(n)dlos in ein grellbuntes Phantasieuniversum entflieht, das er sich aus Versatzstücken von Tolkien, Gaiman und Internatsromanen patchworked. Harry Potter goes Trainspotting. Man muss Yates dankbar sein, dass er in seiner hilflosen Art, einen schlechten Stoff umzusetzen, diese hermeneutische Perspektive überhaupt erst eröffnet, wahrscheinlich unbewusst subversiv die gesamte Franchise in eine düstere Parabel über die Kinder vom Bahnhof King’s Cross verwandelt. In diesem Sinne ist der Film nicht trotz sondern gerade wegen seiner enormen Schächen und Schwachsinnigkeiten phantastisch und, richtig gesehen, von fast an David Lynch erinnernder Strahlkraft.

Harry Potter in the Interzone
In dieses Deutungsschema passt auch der zweite rettende Faktor des Films – die atemberaubende Animationssequenz von Ben Hibon, die die Ursprungsgeschichte der drei Deathly Hallows erzählt. Graphisch reduziert und zugleich in opulentem 3D springt Hibons Kurzfilm in die blässliche Filmwelt von Yates wie einst die Manga-Sequenz in Tarantinos Kill Bill, strahlender und fesselnder überraschender Bruch der Realität. Was bei Tarantino nur kongenial war, hebelt hier den gesamten Film aus, ist so maßlos dem mauen Rest überlegen, dass man sich fragt, wieso niemand merkt, wie sinnlos und müde der Film wirkt, nachdem die Animationssequenz vorüber ist, wie unerträglich wenig magisch der Realfilm im Vergleich wirkt. Wenn es noch eines Beweises bedurfte, dass der Animationsstil für Fantasy einfach viel besser geeignet ist, wenn man ihn nur jenseits müden Zeichentricks denkt, hier ist er. Für kurze Minuten erdrücken und ersticken dir Bilder nicht die Phantasie, sondern beflügeln sie, gerät die Verfilmung nicht zur Beleidigung der (ohnehin schwachen) Vorlage, sondern gewinnt eine eigene künstlerische Note, die über das Mummenschatz-Laienspiel hinausgeht, an das uns die bisherigen Potterfilme und ihre Artverwandten doch so gewöhnt haben. Nur aus Schatten und Texturen besteht plötzlich die Geschichte, die Charaktere fast unkenntlich und doch präsenter als die menschlichen Hauptdarsteller, wunderbare Camera Obscura, zittrig flickende Bilder an der Höhlenwand, ein Faustscher Teufel, der nur aus Rauch und Mythos zu bestehen scheint. Wie banal und popelig wirkt dagegen der Rest des Films, mit den schlecht weggeschminkten Bartstoppeln und dem Tod des Hauselfs Dobby, der berührend sein soll, aber doch nur eine alberne deutlich erkennbare Gummipuppe und ödes Computergedöhns bleibt. Wer will schon wegen einiger Pixel weinen? Wenn schon Computer, dann doch bitte nicht so armselig und klein wie bei Dobby oder der putzigen Magie in Harrys Welt, sondern so mythisch und zeitlos, so im besten Sinne an Dave McKeans dunkel glühende Bilder erinnernd, wie in Hibons Einschub. Es ist selten, dass ein Film sich die Freiheit nimmt, ein Element einzubauen, dessen Güte den gesamten Rest noch schlechter aussehen lässt als ohnehin schon – und dafür sollten wir dankbar sein. Denn während bei ausnahmslos allen Filmen der Reihe immer die gewisse Lustlosigkeit der Mietarbeit mitschwang, selbst bei begabten Regisseuren, selbst bei Englands besten Darstellern, die sich hier verheizen lassen, während sonst doch immer allzu leicht spürbar war, dass es nur um Merchandiseinahmen, Lizenzen und verlaute HappyMeals ging – so zeigt Hibons kleiner Ausflug, was möglich gewesen wäre, wenn nicht nur zehn Minuten der acht Filme mit Leidenschaft, Kreativität und Freude gemacht worden wären. Nicht auszudenken, wie gut eine Filmserie gewesen wäre, die so, wie Hibon aus der öden «Be careful what you wish for»-Moralgeschichte Rowlings einen visuellen Parforceritt gemacht hat, den gesamten Stoff mit Energie und Feuer re-interpretiert hätte.

Und so führt uns Yates am positiven Beispiel, am leuchtenden What-if vernichtend vor, wie atemberaubend öde, anämisch und seelenleer die gesamte Potter-Franchise ist, die zu eng an der Vorlage klebte und dieser doch in ihren wenigen guten Facetten nie gerecht werden konnte, die keine eigene Vision hat. Hibon zeigt und in zwei drei Minuten komprimiert die Ästhetik eines Fantasyfilms, der nicht auf den visuellen Stenographien und Klischees von Potter, Narnia und Co. kleben bleibt, dem immer gleichen Look all dieser Filme, sondern etwas neues und eigenes auf die Leinwand zaubert und damit eben wirklich auch verzaubert. Und dich, am Rande des Einschlafens im Angesicht des Vakuums der Handlung, für drei Minuten hellwach macht wie ein Koffeinschock, wunderbar mitreißt und begeistert, bevor er dich am Ende der Fahrt wieder in die graue Ödnis von Yates Film entlässt, der unfreiwillig davon erzählt, wie Potter genau diese Art von Magie mit dem Erwachsenwerden verliert…

Es mag Subtext sein – und meine überaktive Phantasie, die die lastwagengrossen Löcher der Filmhandlung kreativ missbraucht -, aber es ist für eine parasitäre Franchiseproduktin ein bemerkenswerter Subtext, der die eigene Existenzgrundlage so grell ausleuchtet.

Harry Potter rides the Nova Express
Es ist zu befürchten dass nach dieser Fermate in nächsten Teil wieder Business as Usual vollzogen wird, der pornographisch pyrotechnische Endkampf von Gut und Böse, der darin endet das eine Peter-Pan-artig ewig junge Fiktion von Potter und seiner Crew auf immer in Hogwarts bleibt, in einer Endlosschleife, ohne Fluchtmöglichkeit in die Realität, no Escape from the Escapism. Und wer weiß, vielleicht bedeutet das nur, dass der echte Potter – ganz wie in einer alten Folge von Buffy – aufgegeben hat, seinen Geist verloren hat, schlichtweg irre ganz in seiner Phantasiewelt aufgegangen ist, sich für immer in die Happygolucky-Welt seiner Kindheit eingekerkert hat, verkapselt in seinem kindlichen Alter Ego Albus Potter.

Insofern ist HP 7.1 der vielleicht schlechteste und beste der Potter-Filme, denn er zeigt den Versuch eines Ausbruchs in die Wirklichkeit, in der der Autist Potter kaum weiß, wie er ein Getränk bestellt, in der er nicht funktioniert der er schon zu weit entwachsen ist. Es ist eine seltsame Drogenparabel, eine wirsche und vielleicht deshalb seltsam schwerelose Geschichte von der Sinnlosigkeit des Erwachsenwerdens. Er zeigt uns, wie armselig und sinnlos die Flucht von Potter (und damit auch der Leser und Zuschauer) in die Halluzinogene Fantasywelt ist, enttarnt die Fans als Rowlings-Junkies, die sehnsüchtig auf den nächsten, gestreckten Schuss warten, die mit dem letzten Trash abzuspeisen sind, weil sie ihren Fix brauchen. Und einen Schuss gibt es ja auch noch, dann ist Schluss – bis in zehn Jahren die Potter-Saga als Fernsehserie aufgearbeitet wird (oder worin immer dann Serien laufen) und Daniel Radcliffe einen Gastauftritt als sein eigener Vater haben wird.

Burroughs hätte das sicher gemocht.

19. November 2010 01:18 Uhr. Kategorie Film. Tag . Keine Antwort.

The Foals: Total Life forever

hd schellnack

Der brillante Trick des zweiten Albums der britischen Ausnahmeband ist, dass sie alles gleich und zugleich alles anders machen. Weil sich der schnelle, komplexe Sound von «Antidotes» ja bereits auf dem Debutalbum schon zu wiederholen drohte, nimmt «Total Life forever» konsequent den Druck raus und wendet sich der großen emotionalen Geste zu. Der Bruch ist nicht so hart wie zwischen dem ersten und zweiten Album von The Cure, von fröhlichem Gitarrenpop zu introspektiver Melancholie, aber so wie Yannis Philippakis Gesang hier seltsam an einen weniger nörgeligen Robert Smith erinnert, so ist auch hier ein fast exponentieller Wachstumssprung greifbar, ein fast schlagartiges Verschwinden von Naivität. Zugleich, anders als bei The Cure, verlieren die Foals nicht ihre Unschuld, im Gegenteil, TLF klingt harmonischer, weicher, weniger militärisch als der Vorgänger, hat insofern auch deutlich mehr Mainstream-Appeal (obwohl die Auskopplungen aus dem Erstling in den UK-Charts erfolgreicher waren). Wo «Antidotes» allerdings ein durchweg starkes Album hatte, ohne einen einzigen Durchhänger, gibt es aus TLF durchaus Tracks, die mittenmang etwas Müdigkeit entwickeln, nicht richtig aus dem Quark kommen wollen, die die Band nicht ohne Grund live mit deutlich mehr Energie spielt. Man merkt bei manchen Songs, dass sie sich im Studio zu sehr im technisch machbaren, im Sound an sich, in der Hallsuppe, verirrt und verwabert haben und eigentlich eine Energydring-Infusion bräuchten. Andere Songs, «Spanish Sahara» und «This Orient» sicher mit großem Abstand vorneweg, haben eine Emotionalität, einen Aufbau, eine Energie, die auch ohne großes Tempo auskommt und die zum Weinen schöne Moment haben, weil die Band nahezu mühlelos Dynamikwechsel, Crescendi, das atmende Auf- und Ab eines Songs beherrscht und dabei auch noch Harmoniewechsel und dichte kompositorische Layer abliefert, dass dir die Luft wegbleibt. Während die eher straighten Einspielungen wie «Black Gold» und «Miami» eben eher zeigen, dass lineare Stücke nicht die Stärke der Band sind, die normale Pop-Komposition zwar funktioniert, aber der Experimentierfreude der Briten nicht genug Freiraum gibt. So wirken manche Songs unnötig kommerziell und brav und unter diesem Oberflächeneindruck geht fast verloren, wie grandios die Gitarrenarbeit von Jimmy Smith ist, wie perfekt Bass und Schlagzeug funktionieren, wie makellos und doch nie langweilig die Truppe aus Oxford arbeitet. «Total Life Forever» klingt schwüler, wärmer als Antidotes, flirrend vor Hitze und zugleich ein wenig träge, relaxt, wie ein Nachmittag am Strand. Es ist sicher kein Zufall, wenn Anspielungen wie Miami oder Spanien oder Orient auftauchen – die Platte wirkt internationaler, größer, erfahrener als der Erstling, sie klingt im Verhältnis zu «Antidotes» wie The Police’s «Zenyatta Mondatta» zu «Regatta de Blanc» – aufgeräumter, abgeklärter, durchaus auch kommerzieller, irgendwie an der Schwelle zu etwas Anderem und Neuem. Da darf man nur hoffen, dass die Foals nicht auf diesem Hängematten-Soundtrack des zweiten Albums kleben bleiben, so schön er ist, sondern uns auch mit dem dritten Album mit einem neuen, wieder gewandelten und erneut gewachsenen Sound begeistern.

6. November 2010 16:43 Uhr. Kategorie Musik. Tag . Eine Antwort.

The Knife feat. Mt. Sims: Tomorrow, in a Year

hd schellnack

Im Auftrag der dänischen Theatergruppe Hotel Pro Forma ist «Tomorrow, in a Year» von The Knife entstanden, das vorsichtig gesagt eher untypisch für das Oevre von The Knife oder Karin Dreijer Andersson ist, wenn auch das Melodrama, das die sonst eher elektronische Musik von Knife und Fever Ray auszeichnet, hier höchst gelungen in einen klassischeren Kontext gerückt ist. Thema des Stückes ist Darwins Evolutionstheorie, das The Knive mit zahlreichen Gästen, darunter Matthew Sims, Janine Rostron, Kristina Wahlin, Lærke Winther oder Jonathan Johansson plus zahlreichen Instrumentalisten umsetzt. Das Ergebnis ist weder Pop noch Oper, weder tanzbar noch Hochkultur, sondern eine Art Hörspiel-Cutup, eine auditive Erfahrung, die mal anstrengend, mal mitreissend ist, aber zu jedem Moment – vor allem intensiv unter Kopfhörern gehört – faszinierend. Die Platte ist so anders zu allem, was die Dreijers bisher produziert haben, dass man sich unwillkürlich fragt, wie die beiden danach jemals wieder zu normalem Pop zurückfinden wollen, ohne dass es ihnen zu einfach vorkommt. Sperrig, schmerzhaft einerseits, orchestral-grandios andererseits ist Tomorrow, In A Year ein Lynchesquer Soundtrack, der auch ohne die Bildinszenierungen und Tanzperformances dazu in eine eigene Welt entführt, in der es blubbert, quietscht, hämmert und dröhnt, in der die Mechanik des Lebens zu einem pumpenden Maschinenpark wird, durch dessen dunkel beleuchtete, schwach fluoreszierende Eingeweide uns die Musiker führen. Mitunter wird das auch etwas zu lautmalerisch, wie etwa in «Letter to Henslow», andererseits schafft ein Track wie «The Height of Summer» eine durchaus stabil begehbare Brücke zum bisherigen Output der Geschwister. Herausragender Track und nicht umsonst als «Single» ausgekoppelt ist «Colouring of pigeons», eine elfminütige, wunderbar gelungene Fusion aus klassischen Elementen und Popattitude, aus einer an die kanadische Band Moev («Crucify Me») erinnernden Basslinie, KDAs Gesang, dem Mezzosporan von Kristina Wahlin, und einer hyperaktiven Percussion. Ambitioniert, verrückt, gekonnt ist «Tomorrow, in a Year» ein mutiges Konzeptalbum, das den scheinbar unstillbaren Hunger der Dreijers nach Experiment, Ungeschliffenheit, Andersartigkeit unterstreicht und die vielleicht bisher beste Arbeit der beiden darstellt.

15:53 Uhr. Kategorie Musik. Tag , , . Keine Antwort.

Scott Pilgrim gegen den Rest der Welt

hd schellnack

Da sag noch einmal jemand, man könne Comics nicht verfilmen. Scott Pilgrim gegen den Rest der Welt beweist das Gegenteil und hat als einzigen Mangel eigentlich den fehlenden Mut der Produzenten, die auf einen Film setzen, wo zwei oder drei sinnvoller gewesen wären. Denn das Comic des Kanadiers Bryan Lee O’Mallay ist auf sechs Bände von Manga-Umfang verteilt, wobei der letzte Band, «Scott Pilgrim’s Finest Hour»,mit 250 Seiten noch einmal extradick ist. Nun ist der seltsame Manga-US-Crossover der sechs zwischen 2004 und 2010 erschienenen Comics durchaus wie viele mangaesque Comics so langgestreckt, dass man keine sechs Filme braucht – aber eine Trilogie hätte dem Stoff sicher gutgetan. Zumal Teenie-Comedy ja auch ganz gut mit Fortsetzungen leben kann. Auch hier wäre vielleicht eine Fernsehserie besser gewesen, denn der erste Teil des Films, der sich mehr Zeit gönnt, ist deutlich besser als das Finale, das schon verdammt aufs Gaspedal drücken muss (dadurch aber auch einige Längen und Ziellosigkeiten des Comics vermeidet). Die Geschichte des Slackers Scott, der erst mit der 17jährigen Knves Chau anbändelt, bevor ihm Ramona Flowers mit pinkem Haar und Rollerblades durch den Traum schießt und er sich in sie verliebt, woraufhin er gegen ihre sieben teuflischen Ex-Liebhaber antreten muss, ist zu Beginn des Films so detailversessen und liebevoll erzählt, dass man sich unwillkürlich fragt, wie sich wohl ein Autor fühlen muss, wenn seine Charaktere und Handlungen so zum Leben erweckt werden.

Der zweite Teil des Films versucht, vier Bände in unter eine Stunde zu pressen und scheitert daran leider etwas. Dennoch gab es selten eine Teenie-Komödie, die so furios und schnell, so cool und surreal daherkam wie Scott Pilgrim. Obwohl der Grundplot – True Love conquers all – im Comic wie im Film leider arg einfach ist, ist die Geschichte, die darum rankt, oder die Geschichten im Fall des Buchs, so detailreich, so texturiert, so unwirklich und doch absolut greifbar, dass es eine Freude ist, zu sehen, wie phantastisch Trash sein kann. Der Film brilliert als Übersetzung des Medium Comics, indem er mit seinen Klischees arbeitet und diese noch zusätzlich phantastisch um um Gaming-Klischees anreichert. Von der in 8bit umgesetzten Universal-Titelmelodie über Kampfsequenzen im Konsolenspiel-Look über Soundwords, die dreidimensional zu Glas zersplittern und den Rest der Szene am Boden liegen, ist Scott Pilgrim so liebevoll umgesetzt wie eins Finchers Fight Club, sogar mit einer direkten Hommage an die berühmte Ikea-Szene, die nahtlos die Brücke zum Comicbook schlägt.

So entsteht eine wilde und wirsche Coming-of-Age-Geschichte, die zeigt, das Comics mehr denn je eine wahre Goldgrube für Hollywood sein können, vor allem, wenn es eben nicht um Superhelden geht, sondern um andere, filmaffinere Themen. Während Whiteout und RED offenbar ziemlich vom Originalmaterial weggehen und dadurch nicht stärker werden, hat Hot-Fuzz-Regisseur Edgar Wright sich auf den Stoff eingelassen, ihn durchdrungen und für ein anderes Medium adäquat aufgearbeitet, aus einem Nerd-Comic einen Nerd-Film gemacht. Der Film gibt dem Comic mehr Textur, Sound (phantastischer Soundtrack, der die beiden getrennten Alben dazu wirklich rechtfertigt), kann mit winzigen Details im Hintergrund und einer Gaming-Ästhetik seinen eigenen Look entfalten und so anstelle einer platten 1:1-Umsetzung eine tatsächlich kongeniale Re-Interpretation werden. Scott Pilgrim ist einer jener Filme, die an sich wenig wollen und von denen man wenig erwartet und die es dann aber umso überraschender in sich haben, der rührend, absurd, saukomisch und mitreißend und zu keinem Moment dumm ist – und der dich begeistert, selbst wenn du die Story an sich ja schon kennst. Scott Pilgrim ist kein tiefgehender Film, aber einer der das Lebensgefühl zwischen Slacking und Träumen einer Generation – nämlich der von O’Mallay – auf den Punkt bringt, die Ängste und die Posen, und das in einer Sprache, die schnell und modern ist und in Schnitt und Komposition unfassbar surreale Momente von Beschleunigung entwickeln kann, in denen die Ästhetik einer virtuellen Welt nahtlos mit der Realität verschmilzt. Und dieser Effekt ergibt die subjektive Wahrnehmung von Pilgrims Welt, die den Regeln eines Videogames zu folgen scheint und auch wie eine solche aussieht, in der gegen Endbosse gekämpft wird und jedes Geräusch ein Soundword hat, in der die Realität vor- und zurückgespult werden kann, in der Türen ins Nichts führen. Das ist die Welt, in der wir heute leben, in Phantasmagoria, in einer Wahnwelt, in der wir die Welt in Metaphern und Mustern deuten, die aus Comics, TV-Serien, Filmen, Plattenalben und Konsolenspielen stammen, die sich wie eine zusätzliche Schicht auf die «Wirklichkeit» legen. Scortt Pilgrim lässt das, was sonst nur in unseren Köpfen stattfindet, in die «Realität» unseres Helden springen, entführt uns wie selbstverständlich in eine Welt, in der Comicästhetik und Gaming-Level-Logik so natürlich scheinen wie Sonnenlicht oder Wind. Und das geht im FIlm tatsächlich, überraschend, überzeugender als im Comic. Wo beim Superhelden-Comic-Film der Einbruch des Phantastischen in die Realität eher albern oder falsch wirkt – wenn Superman in seinem zu grellen Kostüm in einem realen New York zu landen scheint oder Batman gegen seine Gegner kämpft, sich aber offenbar in seinem Kostüm kaum bewegen kann -, gelingt Wright hier makellos, Scott Pilgrim ist ein Musterbeispiel für einen modernen magic realism, der genau deshalb so überzeugend ist, weil er beiläufig, wie selbstverständlich stattfindet, in den Nischen und Details steckt und erst gegen Ende im durchgeknallten Finale etwas aufgesetzt und nervig wirkt. Zu Beginn aber erweitert Wright leichtfüßig die Ausdrucksmöglichkeiten modernen Films um einige wichtige und grandiose optisch-narrative Ergänzungen, die so wunderbar in die Story passen, dass man erst beim Nachdenken bemerkt, was da eigentlich gemacht wurde.

Schade ist dabei eigentlich, dass man nicht von vornherein auf eine Trilogie gesetzt hat, denn der Stoff würde es hergeben. Wird der Film ein Erfolg, gibt es jetzt eigentlich kein Material für ein Sequel, aber natürlich ist es im Falle eines Misserfolges besser, alles aus einem Guss zu haben und nicht mit einem Fragment leben zu müssen. Durch die unfassbare Hektik am Ende kommt einiges unter die Räder, die Entwicklung von Scott und seiner Crew wird in der Kürze der Zeit etwas unglaubwürdiger als im Comic, aber andererseits ist diese Komprimierung sicherlich ein Grund, sich den Film mehrfach ansehen zu können. Es wird sich lohnen.

27. Oktober 2010 12:34 Uhr. Kategorie Film. Tag . Keine Antwort.

Cross the Line to feel…

crossline.jpg

14. Oktober 2010 20:04 Uhr. Kategorie Photos. Tag . Keine Antwort.

Wider die Masse

hd schellnack

Ob Stuttgart 21 oder GAP – es scheint, als lebten wir in Zeiten glorreicher direkter Demokratie. Da gehen Bürger auf die Straße, um einen teuren Umbau ihrer Stadt zu verhindern und da greifen Konsumenten in die Tastatur, um einer Bekleidungsfirma das neue, so schrecklich moderne Logo auszutreiben.

Ist Protest Dialog?
Wer das als tatsächliche Demokratie, als Dialog zwischen Einrichtungen und Bürgern empfindet, der irrt nur leider. Was sich auf den ersten Blick geeignet hervortut, um Manager oder Politiker aus dem Elfenbeinturm herauszulocken und mit der Außenwahrnehmung zu konfrontieren, entpuppt sich als Fata Morgana. Ebenso wenig wie 100 Kritiken auf Amazon ein Buch nun besser oder schlechter machen, so wenig wie 1000 Affen jemals jenseits der Statistik wirklich einen guten Roman schreiben würden, so wenig wie 100 Laien gemeinsam den einen Experten ersetzen (oder wer würde den Chirurgen beiseite schieben, um sich von 10 Krankenschwestern die Herz-OP machen zu lassen, die sich das gern auch zutrauen würden?)… ebenso wenig ersetzt Schwarmintelligenz und der medial geballte Ausdruck von Meinungen tatsächlichen Diskurs und Dialog, Abstimmungsprozesse und tatsächliche Entscheidungen.

Dabei geht es gar nicht um die Frage von Richtig oder Falsch, also darum, ob Stuttgart nun einen Kopf- oder Durchgangsbahnhof braucht oder ob nun das neue Gap-Logo besser war als das alte (beide sind ja nun einmal gruselig) und es geht nicht einmal wirklich um Argumente, die es auf beiden Seiten bei all solchen Anlässen in solch großer Zahl gibt, das man schon Experte sein muss, um in der Flut der Argumente noch den Boden zu sehen. Es geht vielmehr um die Frage, ob es wirklich so ist, dass die Vielen unbedingt Recht haben.

Und ich würde sagen: Nein.

Ist die Mehrheit die Mehrheit?
Das fängt bereits damit an, das insbesondere online die Frage berechtigt ist, was «viel» ist. Es ist erwiesen, dass sich via Twitter, auf Blogs, auf Foren, per Mail etc. eher eine kleine Online-Minorität lautstark (und gern multipel) hervortut, die keineswegs für eine reale Mehrheit sprechen kann. Da wird dann eine Fernsehserie gelobt, die aber mangels Einschaltquote eingestellt werden muss, oder aber ein Buch in Grund und Boden verdammt, das sich aber atemberaubend gut verkauft. Das gleiche Phänomen gibt es auch jenseits der virtuellen Beteiligung, wenn etwa bei dem bayrischen Volksentscheid zum Rauchverbot bereinigt eine erschreckend kleine Anzahl von Bürgern überhaupt teilgenommen hat und das prozentuale Ergebnis in Wirklichkeit so ist, dass man sich fragen muss, welche Legitimität ein solcher Entscheid mit 13,9% eigentlich haben kann, denn Mehrheiten sehen anders aus. Auch in Stuttgart nehmen – gemessen an der Anzahl der Betroffenen in Stadt und Land – prozentual so wenig Bürger an dem Protest statt (zumal gemessen an den Bürgern, die die Regierungen gewählt haben, die dieses Projekt seit zwölf Jahren ja nun alles andere als clandestin durch alle Institutionen vorantreiben). Nur weil es vor den Kameras nach «vielen» Menschen aussieht oder nur weil auf einer Site hunderte von Kommentaren eingehen, drückt sich hier in Wahrheit oft nur eine Minderheit aus, die nur suggeriert, ihre Meinung habe ein Mehrheitsrecht. Natürlich geht es in der Demokratie nicht um die «Mehrheit», sondern es geht (aus meiner Sicht) auch ganz ausgeprägt um den Schutz von Minoritäten, um die Abwägung und Aushandlung widersprüchlicher Interessen – aber es kann nicht um den Schutz einer Minderheit gehen, die in dem Selbstverständnis agiert, sie sei die Mehrheit und habe das Recht sozusagen qua Masse eingebaut.

Hat die Mehrheit Recht?
Dazu kommt, dass ich der Masse zutiefst misstraue. Die Masse kauft nämlich Musik in die Charts, die ich furchtbar finde, sieht Filme, die ich nicht mag, liest Bücher, die ich für Schundliteratur halte (wenn sie überhaupt liest). Wer einen Blick auf das Fernsehen wirft, das Medium des kleinsten geringsten Nenners, das schlimmste aller Massenmedien, kann keinen Zweifel am kollektiven IQ der Menschen haben – er ist gerade hoch genug für Supernannys und Soaps, die schwierigeren Angebote müssen in das Arte- und 3Sat-Ghetto verbannt werden. Die Masse, Pardon, hat keine Kultur. Das soll nicht arrogant klingen, so weitab vom Mainstream bin ich ja nun auch nicht und es geht nicht um die Frage, ob mein Geschmack nun besser ist. Aber wenn Lady Gaga zur größten globalen Künstlerin wird und Stephanie Meyers aseptische Vampire die Buchcharts anführen, dann kommen mir Zweifel am Verstand der «Masse». Die Masse, das ist der Mob beim Fussball, der nur noch in Sieg oder Niederlage unterscheidet. Die Masse, das sind die Leute, die in München dabeistanden, als 1938 die Hauptsynagoge abgerissen wurde und die dabei noch gejubelt haben. Ich habe ein Problem mit der Masse, die bei der kleinsten Gelegenheit mit Fackeln und Heugabeln vorm Schloss steht und will, dass das Monster verbrannt wird. Wenn es nach der Masse ginge, mit Verlaub, würden wir heute noch die Guillotine als Form der öffentlichen Unterhaltung haben und die Sklaverei wäre nicht abgeschafft. Die Geschichte würde stillstehen. Wer sich mit Organisationspsychologie und Massensoziologie befasst, weiß, das «Respekt vor der Masse» fast ausnahmslos als Angst gemeint ist. Die Loveparade hat tragisch und drastisch gezeigt, in welchen Pattern und Wogen sich Massen bewegen und wie rücksichtslos, wie wenig altruistisch oder am Gesamten, sondern wie kumuliert-egoistisch sie teilweise – durchaus auch ohne dies individuell zu wollen oder wahrzunehmen – agieren.

Woher hat die Mehrheit ihre Meinung?
Edward Bernays hat die Verführbarkeit der Mehrheit bereits in den zwanziger Jahren auf den Punkt gebracht: «Wir werden regiert, unser Verstand wird modelliert, unser Geschmack geprägt, unsere Vorstellungen werden vorgegeben weitgehend von Männern, von denen wir noch nie etwas gehört haben.» Was Bernays damals noch etwas unbefangen von den Machtstrategien seines späteren Bewunders Goebbels «Propaganda» nennen durfte, heißt heute anders, die Mechanismen allerdings haben sich kaum verändert, bestenfalls verfeinert. Wer heute sagt, dass Unternehmen und Einrichtungen auf die Mehrheit zu hören hätten, muss sich die Frage gefallen lassen, wie diese Mehrheit eigentlich ihre Meinung/en bildet und wie haltbar und belastbar dieser Boden ist, wie «richtig» die Meinung der Mehrheit ist, wie anfällig der Mob für Verführer und Demagogen ist. Hat Theo Sarrazin mit seinen absonderlichen biologistisch-gestrigen Thesen zum IQ schon Recht, nur weil sein Buch sich gut verkauft – oder haben die weniger selbstgewissen Kritiker recht, die auf die Löcher im fauligbraunen Käse seines Buches hinweisen? Stimmen Fakten, nur weil sie die Bild als auflagenstarkes Blatt druckt? Tatsache ist doch vielmehr, dass die Mehrheit der Menschen auf einfach(st)e Antworten, auf reduktionistische Ideen, auf Schwarzweißmalerei fliegt wie die Wespe auf den Sonntagskuchen – das uninformierte, dumpfe «Gefühl» ist der Aggregatzustand der Menge, das Erahnte, Faktenfreie, das Klischee. Es ist erwiesen, das den Menschen das langfristige Planen und Denken nicht liegt, sie agieren kurzfristig, nehmen spätere Nachteile in Kauf, um sich «jetzt» auszuleben – da ist es verständlich, wenn die akkumulierte Masse von Menschen dies besonders betreibt, und ohne Konsequenzen, Bedingungen, Vernetzungen und Unabwägbarkeiten zu argumentieren versucht, zurückgreift auf die einfachsten und damit falschen Argumente, die seltsam oft auf ein «Wir gegen Euch» hinauslaufen. Politiker sind korrupt, Beamte sind faul, Ausländer nehmen uns die Arbeitsplätze weg, Frauen gehören an den Herd, der Islam ist böse und und und… die Liste rassistischer und reaktionärer «Meinungen» des Mob ist so lang wie armselig. Es ist keineswegs so – so sehr man sich das wünschen würde – das in der Menge die Menschen zu einer abgewogenen und richtigen Entscheidung kommen (auch wenn «Wer wird Millionär» das suggeriert), sondern im Gegenteil: Nur das simpelste, primitivste Meme kann sich durchsetzen, der resistenteste und renitenteste Virus verbreitet sich am besten, je stumpfer desto besser. Es ist kein Zufall, dass ein Ex-Sponti und Grüner wie Joschka Fischer, kaum an die Macht gekommen, absolut gegen direkte Demokratie war – was auf den ersten Blick nach Wendehalsmanöver aussieht ist vielmehr die Erkenntnis, dass die Menge einfach nicht das Richtige will und jedes ambitionierte Projekt ausbremst.

Wohin geht die Mehrheit?
Nirgendwohin. Der Mob kann sich nur für 0 oder 1 entscheiden. Komplexe Sachverhalte überfordern ihn. Stuttgart zeigt sehr schön wie verschiedenste Partikularinteressen gebündelt ein großes «Nein» als einzige Option ergeben, von Protestlern, die den Bahnhof an sich okay finden, aber mehr Trassen und Finanzierungssicherheit fordern hin zu Komplettverweigerern ist jede Couleur dabei. Wer da als Politiker mit den Prostestierenden verhandeln will, dürfte angesichts des Kaleidoskops von Meinungen Freude haben. Am Ende bleibt von den Einzelstimmungen nur ein großes Verhindern über, ein Beharren auf den JETZT-Zustand. Am Ende ist dies das Einzige, worauf die Masse sich einigen kann – selbst wenn «Jetzt» auch alles als ideal sein mag, scheint es doch ausnahmslos besser als die Unsicherheit dessen, was kommen könnte. Jede Abweichung von der Normalität wird abgelehnt und wenn die Masse eins gelernt hat, dann, dass jede Veränderung ihr schaden könnte. Der Mob kann nur zwei Dinge: Nach Blutopfern rufen und den Stillstand bewahren. Es ist die Multiplikation des Sankt-Florians-Prinzip: Überall, bloß nicht bei mir. Die Leute wollen eine schnelle, effiziente Bahn – aber bitte keine Bauarbeiten in ihrer Innenstadt. Die Leute wollen grünen Strom – aber bitte keine Windkrafträder oder Hochleistungsstromleitungen in Ihrer Nähe. Die Leute wollen einen leistungsstarken Staat – aber niedrige Steuern. Jeder will ein König sein, keiner regieren. Und so kann die Masse ein neues Erscheinungsbild zwar schlechtreden, aber keinen schlüssigen Gegenentwurf formulieren, auf den sie sich einigen könnte. Die Masse, insofern, ist das ultimative Konsensdesign, das ultimative Gremiendesign, das sich selbst so zerredet, bis es nicht mehr stattfindet und man nur noch in der Geste des perpetualen Stillstands gefriert. A lot goes on, but nothing happens. Jeder Autor von Serienliteratur – ob Buch, TV oder Comic – kennt das Phänomen seines Publikums: Es beschwert sich, wenn nicht genug Wandel stattfindet, aber sobald sich dann tatsächlich etwas verändert, steht der Mob an den Toren und hämmert mit den Fäusten heulend aufs Holz. Das Ergebnis ist die sogenannte «Illusion of Change», die Illusion des Wandels, das Prinzip «Wasch mich, aber mach mich nicht nass». Jeder Designer, der mit Gremienentscheidungen zu tun hat, weiß nur zu gut, was das bedeutet: Wir brauchen ein neues Logo, aber kann es so aussehen wie das alte?

Gestaltet die Mehrheit Zukunft?
Nein, so leid es mit tut. Die Zukunft ist fast ausnahmslos gegen den Mob entstanden. Die Sklaverei, die der gute Cicero noch völlig okay fand, ist in Amerika nicht abgeschafft worden, weil die Masse schlagartig fand, dass diese Einrichtung barbarisch ist, sondern sie geht auf eine Handvoll Menschen zurück, die schließlich in Abraham Lincoln einen Fürsprecher fanden, der den 13. Zusatzartikel zur US-Verfassung nach mehreren Anläufen und nach dem Sezessionskrieg durchsetzte. Norbert Bolz hat einmal festgehalten, dass die Masse der Menschen nicht weiß, was sie sich (im Hinblick auf Produkte) an Innovationen wünscht – die Konsumenten selbst hätten niemals den Walkman erfunden, wahrscheinlich auch keine Mobiltelefone oder Computer. Jede politische und technologische Innovation geht von Individuen aus und hat sich erst mit der Zeit als «vernünftig», als neuer Status Quo, etablieren können. Bei fast jeder technischen Neuerung sagt der Mob: «Wozu brauch ich DAS denn?» Ein Telefon ohne Kabel, eine Kamera am Handy, ein Computer ohne Maus und Tastatur? Kunstdünger? Automobile? Genforschung? Alles neue, alles «fremde» wird abgelehnt und muss sich erst beweisen. Was an sich nicht schlimm ist – aber wer von der konservativen Masse, die alles allochtone prinzipiell ablehnt, tatsächlich Impulse, die nach vorne deuten erwartet, der kann aber lange warten. Und vergebens. Zukunft geht nicht vom Aggregat aus, sondern vom Individuum, vom Querdenker, vom Mutigen, vom Typus des Entdeckers. Von diesen wahnwitzigen Menschen, die neue Kontinente entdecken oder unter atemberaubenden Kosten und hohen Opfern Menschen zum Mond emporschießen. Die Bücher schreiben, die erst einmal keiner versteht und die sich nicht verkaufen, die Bilder malen, an denen keiner zeitlebens etwas verdient, die Theaterstücke schreiben, bei denen das Publikum empört den Saal verlässt, die sich ihre Instrumente selbst zusammenbauen und seltsam heulende Geräusche aus ihren Gitarren frickeln oder elektronisch-ungewohnte Klänge generieren, die mit einem Hüftschwung ganz Amerika empören, die mit einem Kleiderschnitt eine ganz Ära von weiblichen Rollenklischees beenden. Es sind die, die die Masse stets für «Spinner» hält, als Außenseiter deklariert, oft sogar massiv sanktioniert, die Kultur und Wissenschaft voranbringen, weil sie die Grenzen austasten und verschieben. Es sind kurzum Individuen, mit all ihren Fehlern und Träumen, die die Zukunft schmieden, nicht die amorphe Masse. Die Masse kann seine Impulse geben, sie kann sich auf keine Ziele einigen, sie kann nicht langfristig denken, sie kann nur stumpf reagieren und verneinen. Sie kann in Previews dafür sorgen, dass Filme zu einem Happy End umgeschnitten werden müssen, aber sie kann keine Filme machen. «Ich bin der Geist, der stets verneint! Und das mit Recht; denn alles, was entsteht, ist wert, dass es zugrunde geht; Drum besser wär’s, dass nichts entstünde» – so mephistophelisch ist die Mehrheit, die in toto nicht versteht, dass Stillstand aber unweigerlich Entropie bedeutet. Wer dem Mob die Zügel in die Hand gibt, bewegt sich dem Mittelalter entgegen. Die Menge der Deutschen wollte keine Rechtschreibreform (inhaltlich ganz zu Recht, wie ich fand und finde) – aber einige Jahre später zeigt sich, dass man damit ja doch ganz gut leben kann. Der Leidensdruck, ist die Veränderung einmal durchgeführt, sinkt ja doch immer wieder schneller, als gedacht. Wird in Stuttgart der Bahnhof gebaut (vielleicht sogar durch die Proteste etwas durchdachter, etwas weniger sparsam, etwas langfristiger geplant), so wird er in 10 bis 30 Jahren der neue Standard sein, die neue Normalität darstellen. Und wenn er in 100 Jahren durch einen neuen ersetzt wird, werden wahrscheinlich wieder die Bürger protestieren gegen diesen Umbau.

Ist die Mehrheit demokratisch?
Es ist ein Irrglaube, dass direkte Demokratie «demokratisch» ist. So falsch es auch ist, demokratische Teilhabe aus ein Kreuzchen alle vier fünf Jahre zu beschränken – und sich selbst dieser Teilhabe zu entziehen -, so falsch der Mangel an Möglichkeiten für den Einzelnen ist, sich in die Politik einzubringen und diese als Interessant zu erfahren, so unrichtig ist eben auch die Vorstellung, dass Volksentscheide und Protestaktionen etwas mit Politik zu tun haben. Einer gewählten Regierung eine demokratisch erarbeitete Entscheidung abpressen zu wollen, einem Unternehmen die Markenidentität endogen aufzudrücken – das ist nicht «Demokratie» und schon gar nicht Marketing oder Branding. In der Politik gilt, dass es eine gerade in Deutschland fein tarierte Machtstruktur der Instanzen gibt – Gerichte, Parteien, Land, Bund und so weiter – die in oft langwierigen Prozessen konsensuale Entscheidungen herbeizuführen versucht. Diese Prozesse versuchen bereits, Mehrheiten abzubilden und sind genau deshalb oft so melassig-langsam und schaffen keine wirklichen Reformen. Demokratie ist aber genau diese Ausverhandlung und Entscheidungsfindung, Checks and Balances, die am Ende ein immerhin halbwegs tragbares Ergebnis rechtfertigen und Peunalen für Fehlentscheidungen implementiert haben – per Abwahl oder Rücktritt. Aber dieser komplexe und schwierige Prozess ist von Mengen nicht zu leisten – welche Meinung hat denn eine Mehrheit zur Frage, ab welchem Alter Kinder in den Kindergarten sollen (und ist diese Meinung von Experten geteilt?) oder zur Energieversorgung unseres Landes in 50 Jahren (und ist diese Meinung technisch und finanziell realisierbar?) So mangelhaft die repräsentative Demokratie ist – die Alternative wäre ein Alptraum, das Regime des kleinsten gemeinsamen Nenners, des Gartenzaunanstreichers, des Nachbarns, der durch die Gardinen späht und überprüft, ob du deinen Müll auch säuberlich trennst. So traurig die gegenwärtige Politik ohne Visionäre, der Sachverwalter und Realisten, sein mag – eine Alternative, in der eine stumpfe Mehrheit über Theatersubventionen und Kunstprojekte, Bildungskanon und Sozialhilfe entschiede, wäre ein Grund, das Land zu verlassen.Denn die Diktatur der Vielen wäre keine Spur erträglicher als die Diktatur eines Einzelnen.

Machen Massen Marken?
Man könnte sich zu der Annahme verführen lassen, dass doch aber in der Welt des Massenkonsums die Massen sinnvoll die Zügel halten könnten. Die Abertausenden von Menschen, die bei IKEA kaufen, müssten doch am besten wissen, wie die Marke aussehen soll, oder? Es macht doch nur Sinn, wenn GAP jetzt zusammenklappt und binnen kürzester Zeit unter öffentlichem Druck ein Logo vom Tisch nimmt. Ehrlich gesagt, macht es ebenso viel Sinn wie auf die Forderungen von Erpressern einzugehen – man hofft auf ein kurzfristiges gutes Ende und etwas Ruhe, weiß aber, dass man sich langfristig ein großes Problem eingehandelt hat, weil man ab jetzt immer und jederzeit erpressbar ist. Natürlich ist es richtig – goldrichtig sogar – wenn du als Marke auf deine Marktpartner hörst und sensibel ihre Wünsche wahrnimmst. Darauf unweigerlich zu hören, ist aber schlicht und ergreifend Feigheit vor dem Freund. Ein Musiker, der ein mutiges, seinen bisherigen Sound verlassendes Album herausbringt, sollte nicht unbedingt zurück in alte Gewässer, nur weil die Umsätze zurückgehen, sondern weiter daran arbeiten, sich ein neues Publikum zu erarbeiten, das seine Experimente zu würdigen weiß. Ein Autor, der dem Publikum gibt, was es will – frei von Überraschungen -, wird es nicht lange glücklich machen, weil er langweilt. Die Kraft einer Marke ist ihre Autorität – und diese Autorität bedeutet, Entscheidungen aus einer inneren Überzeugung heraus zu treffen und zu diesen Entscheidungen dann zu stehen. Im Einzelnen Zugeständnisse, in der Sache auf Kurs. So wie von Guttenberg sich inzwischen zweimal mit dieser Methode Respekt verschaffte – Opel und neuerdings die überraschend einfach wirkende Abschaffung der Wehrpflicht -, so schafft sich auch ein Unternehmen dadurch Respekt, dass es auf Linie bleibt. Wer sein Logo nicht aus kurzfristigen Gründen ändert, sondern einer klaren inhaltlichen Linie für die Zukunft folgt, ist gut beraten, diese Linie auch durchzusetzen. Es ist ein Irrglaube, anzunehmen, dass die Masse eine starke Marke macht – tatsächlich zieht umgekehrt eine starke Marke die Masse an. Ein beliebter Politiker ist nicht der, der dem Volk nach dem Mund redet, sondern jemand, der einigermaßen glaubhaft seinem inneren Kompass folgt – und analog gewinnt eine Marke dadurch an Magnetismus, dass sie souverän und «cool» ist, autonom reagiert und den Weg führt. Unter diesem Aspekt ist es sehr richtig, dass Apple stets gründlich abwägt, wann sie dem Gegreine der Masse nachgibt (und etwa Bumper gratis verteilt) und wann sie die Marke gegen den Mob auf Spur halten. Denn es ist ja beileibe nicht so, dass Marken, die ihren Zielgruppen in den Hintern kriechen, erfolgreicher wären als solche, die dies nicht tun. Im Gegenteil. Stark sind Marken, die den Weg vorgeben und sich souverän darauf verlassen, dass die Herde größtenteils mitgehen wird und die Nörgler verstummen. Eine Marke, die «der Allgemeinheit» nachläuft, wird unweigerlich zu amorphem Mittelmaß degenerieren. Umgekehrt wird eine starke, individuelle Marke, vielleicht paradoxerweise gerade weil sie Ecken und Kanten hat, eine Gefolgschaft anziehen. Nicht zuletzt, weil sich jeder in der Masse ja nach «seiner» Individualität sehnt, nach einer Identität in der Konformität (siehe etwa NIKEID).

GAP erweist sich also im Zweifelsfall einen Bärendienst und wird es – nachdem es einmal ein Logo zurückgezogen hat – fast unmöglich schwer finden, einen Entwurf zu finden, mit dem die «Masse» dann auch zufrieden sein kann. Den einen wird jede Änderung des Bestehenden zu viel sein, den anderen wird das dann noch bestehende Quentchen Wandel nicht ausreichend sein – und letzten Endes auch den Relaunch nicht rechtfertigen. Es ist ein Zeichen schlechten Managements, nicht nur ein Logo herauszubringen, an das man offenbar selbst nicht glaubt und das intern nicht mehrheitlich getragen wird (und das, am Rande, auch einfach gut ist), sondern dieses auch noch beim erstbesten Gegenwind wieder einzukassieren. Es gibt grandiose und phantastische Wege, die Konsumenten und Partner in Entscheidungsprozesse eines Unternehmens einzubinden und ein soziales Geflecht in die Außenwelt zu etablieren – und ich bin der erste, der solche Prozesse der Verankerung in der Wirklichkeit goldrichtig findet -, aber wer sich von Neinsagern seine Markenidentität und das Design diktieren lässt, verliert seine Glaubwürdigkeit. Und nichts wäre für eine Marke wichtiger als die eigene Unanfechtbarkeit, Deutungshoheit, Wahrheitskompetenz. Deshalb müssen Marken den Dialog mit Individuen suchen – und fördern -, aber nicht zum Subjekt von Mehrheiten werden. Denn Marken sind Leuchttürme, keine Nichtschwimmer.

13. Oktober 2010 15:58 Uhr. Kategorie Stuff. Tag , , . 9 Antworten.

The Social Network

hd schellnack

Das Arschloch
Es ist vielleicht kein Zufall, dass der Soundtrack von Atticus Ross und Trent Reznor zu David Finchers neuem Film mitunter stark an Clint Mansells Score für «Moon» erinnert – irgendwie scheinen sich beide Protagonisten der Filme in einer ähnlichen Form von Einsamkeit und Isolation zu bewegen, meilenweit entfernt von dem nächsten menschlichen Kontakt, schwerelos treibend. Denn nichts interessiert Fincher weniger als die Hintergründe um die Entstehung von Facebook – ganz im Gegensatz zu seinem Drehbuchautor Aaron Sorkin, der hier seltsamerweise eine ganz andere Geschichte zu erzählen scheint als der Regisseur. Sorkin scheint es in der Tat um die Sache und um die Person Marc Zuckerberg zu gehen, er entfaltet mit meisterhaften Dialogen und kluger Montage von Zeitebenen die zeitlose Teenie-Comedy-Geschichte eines Nerds, der in die hippen Insider-Verbindungen von Harvard nicht hereinkommt, trotz seines Intellekts nicht gut genug vernetzt ist, nicht ausreichend charismatisch und gutaussehend ist, letztlich auch einfach nicht cool genug ist, um an der Eliteuni wirklich akzeptiert zu werden. Vielleicht auch, weil Sorkins Version von Zuckerberg beileibe kein Nice Guy ist, sondern stets etwas autistisch, abwesend, anderweitig beschäftigt wirkt und dazu noch entnervend arrogant ist. Sorkin strickt um diesen Geek eine Mär von fast Schillerscher Grösse, komplett mit den ganzen Intrigen, Rückenstechereien und verlorenen Männer-Freundschaften, die nun einmal dazugehören. Am Ende seiner Geschichte zeigt er uns den kleinen Jungen, der zum König wurde und doch allein blieb, immer noch an Zurückweisung und verlorener Liebe leidet und (offenbar vergeblich) darauf wartet, dass seine ehemalige Geliebte ihm verzeiht und ihn endlich bei Facebook, seiner eigenen Erfindung, added. Sorkins Zuckerberg ist ein aalglatter Aufsteiger, ein moderner Gordon Gecko, der offenbar seinen Erfolg nur braucht, um den Mädchen endlich heimzuzahlen, dass sie ihn haben abblitzen lassen – aus Sorkins Perspektive ist Facebook kaum mehr als eine Art Viagra.

Der Held
Fincher aber verfolgt mit dem Film ganz andere Ziele. Sein Zuckerberg steht in der Tradition des Serientäters in «Sieben» oder des schizophrenen «Fightclub»-Begründers Tyler Durden, ist so falsch in die Welt geboren wie Benjamin Button und muss sich deshalb seine eigene Welt formen, um bestehen zu können. Wie fast immer unter Finchers Händen mutiert der Soziopath zum grauschattierten Helden, den wir nicht rückhaltslos mögen, mit dem wir aber heimlich paktieren, dessen Triumphe uns zumindest ein Grinsen abringen. Sein Zuckerberg wandelt sich vom Streber, der gern dazugehören, in die Eliteclubs hinein möchte, zu einem autarken Player, der seine eigenen Regeln aufstellt, außerhalb der etablierten Grenzen Möglichkeiten findet, sein Talent einzusetzen, der das Spielbrett vom Tisch fegt und darauf tanzt. In einer fast prototypischen «coming-of-age»-Narration zeigt uns der Regisseur einen Zuckerberg, der an der einen großen Zurückweisung zu Beginn des Films seine Initialzündung findet und der im Verlauf des Films wächst, gegen alle Gewissensbisse den Erfolg sucht, und der seine Partner durchaus eben nicht unfair abschießt – Eduardo, den er vorher immer wieder warnt, mitzuziehen, weil er ein Bremser ist, Sean Parker, weil er den Ruf des Unternehmens gefährden könnte. Der Marc Zuckerberg, der am Ende vor den Anwälten sitzt, ist eine seltsame Mischung aus Asperger-Kandidat, Hypernerd und Rebell, gelangweilt von der Arroganz der Anwälte um ihn herum, in Gedanken bei wichtigeren Dingen. Es umweht ihn ein Hauch von Tragik, von Verletztheit, von der Einsamkeit des Genies, das in einigen Dingen so brillant sein kann, und an den einfachsten Alltagsdingen scheitert, etwa am Small Talk mit seiner Freundin, etwa am Umgang mit dem eigenen Erfolg, der eintritt, ohne wirklich verdient zu sein. «The Social Network» ist die alte Geschichte von der Revolution, die ihre Väter frisst – Fincher zeigt einen Milliardär Mitte 20, der alles erreicht hat und doch seltsam isoliert scheint, Freunde und sogar Vorbilder am Wegesrand zurückgelassen hat – und nun wie ein Gefangener der eigenen Success Story wirkt. Damit reiht Fincher ihn nahtlos in die Reihe seiner lädierten Sonderlinge und Aussenseiter ein, und ein Film, der visuell nur selten nach klassischem Fincher aussieht (bis man auf die Details achtet), wird so zu einem tatsächlich nahtlos passenden und wichtigen Bestandteil seines Oeuvres.

Der Nerd
Und Fincher wäre nicht Fincher, ginge es in seinem Film nur um das Sichtbare. Es gibt eine Moment, in dem Bill Gates einen Vortrag an Harvard hält und von einem Studenten nicht erkannt wird – die alte Garde des Computerzeitalters ist unwichtig geworden – und so schlägt der Film die Brücke zwischen drei Generation von Computer-Entrepreneuren. Gates, Parker und Zuckerberg verkörpern verschiedene Facetten des gleichen Phänomens, sozusagen an verschiedenen Alterspunkten der Kurve abgefangen. Gates ist der gereifte Geschäftsmann, der Elder Statesman, den man schon kaum noch kennt, die 80s. Parker ist der durch alle Ups und Downs gegangene Bluffer, ein oberflächlicher aber charismatischer Star-Verkäufer ohne Geld, die Dotcom-Blase der 90s. Zuckerberg ist der Vertreter der Nuller Jahre, hier geht es nicht mehr um Betriebssysteme oder Musik-Raubkopien, hier geht es um einen nicht mehr so klar greifbaren dafür aber viel umfassenderen Service, der eine wichtige soziale Funktion, den Kontakt zu Freunden, in den Äther des Webs verschiebt und so total neu definiert. Und wo Gates primär Geld verdienen wollte, Parker hedonistisch nur an Sex und Spass interessiert scheint, ist Zuckerberg eine neue Spezies von Nerd, beiden nahe und doch anders. Zuckerberg fremdelt auf den Parties, fremdelt mit Menschen generell, drückt seine Gefühle (dann aber völlig distanzlos) online auf… und scheint für sein Millionenvermögen wenig Interesse zu zeigen, trägt immer noch die gleichen Klamotten wie zu Beginn des Films. Er sitzt mitten im Trubel seiner eigenen Firma unter Kopfhörern und programmiert als sei er Praktikant, und ist zugleich doch Machtmensch genug, um genau die Sorte eiskalte Entscheidungen zu treffen, ohne die es keinen Erfolg geben kann. Es ist ein seltsamer, sehr privater Neo-Calvinismus, der den Otaku Zuckerberg antreibt, Erfolg um des Erfolgs willen, Erfolg, um jemand zu sein, Erfolg, um Anerkennung zu bekommen – und da ist auch die Enttäuschung greifbar, wenn bei allem Erfolg keine Anerkennung kommt, sondern im Gegenteil Anfeindung und Ausgrenzung zurückhallen. Fincher umrahmt den Film mit zwei Dialogen zwischen Zuckerberg und einer Frau (seine Freundin Erica Albright zu Beginn und die Anwaltsassistentin Marylin Delpy zum Schluss) und immer geht es um die Frage, ob er ein Arschloch sei – und am Ende wird klar, dass Zuckerberg nie ein Arschloch war, sondern immer nur ein einsamer Junge, der nicht weiß, was er mit sich anfangen soll und nicht weiß, wie er mit der Welt kommunizieren kann.

Der Soziopath
Fincher zeichnet anhand dieses weltfremden, modernen Mann ohne Eigenschaften den Übergang eines Wirtschaftssystems im Mikrokosmos ab – von der materiellen Produktion hin zur immateriellen Phantomwirtschaft des Web, in der unklar ist, wo überhaupt das Geld herkommt und was die geleistete «Arbeit» eigentlich generiert, wo Coolness und Image so wichtige Wirtschfaftsaktoren sind wie früher Boden und Kapital. Die Winkelvoss-Brüder, denen Zuckerberg die Idee zu einer Social-Network-Site zu stehlen scheint, verkörpern den Niedergang einer alten Garde, der alten Elite des bisherigen Systems. Die großgewachsenen, körperlich dominanten «Jocks» in ihren Insiderclub, die Zuckerberg herablassend nur in den Vorraum lassen, in ihm nur einen Programmierer, einen Serf, eine Arbeitsdrohne, sehen, werden von ihm vorgeführt und gedemütigt, an ihnen zelebriert Fincher stellvertretend die Rache der schmächtigen Stubenhocker an den neureichen Schönlingen und skizziert zugleich ein neues System, in dem die Stubenhocker das Steuer fest in der Hand haben, in der die ja ähnlich von «Kids» erfundenen Marken Twitter, Facebook, eBay oder Google die Rolle einnehmen, die früher Ölkonzernen, Autoherstellern, später großen Anwaltskanzleien oder Banken zukam. Von der klassischen Produktion bis in die siebziger Jahre über die Administration des Wirtschaftssystems in den achtziger und neunziger Jahren hin zur völlig der «realen» Welt entkoppelten Webwirtschaft, wie sie in den neunziger Jahren bis heute entsteht, entfaltet Fincher im Mikrokosmos seine Demontage den Old-School-Kapitalismus, ohne dabei den neuen Webkapitalismus romantisch zu verklären. Mit fast anthropologischer Kälte beleuchtet er das Phänomen Facebook stellvertretend für den Exodus in das Internet und dazu passt, dass Jesse Eisenberg seine Figur nahezu gefühlslos zu spielen scheint, nur ein Zucken des Mundwinkels hier, nur ein Zögern in den Augen dort, nur die Wut im Alkoholrausch, nur ein Blick aus dem Fenster überhaupt andeutet, was Zuckerberg empfinden könnte.

Das Ergebnis der Reibung zwischen Finchers Interesse an der Mechanik von Außenseitern und Sorkins politisch-moralischer Entrüstung verleiht «The Social Network» eine phantastische Schwebung, eine gewisse nicht-neutrale Fairness, eine interpretatorische Offenheit, die im Drehbuch eigentlich gar nicht angelegt ist. Obwohl Fincher sich als Regisseur weitgehend zurücknimmt und mit Ausnahme der Tilt-Shift-Optik beim Bootsrennen und der bei ihm üblichen digitalen, inzwischen nahezu unsichtbaren Kunstgriffe (Kamerafahrten durch Wände, die Montage der Zwillinge usw.) auf jegliche Magie verzichtet, trägt der Film eindeutig seine Handschrift und zeigt ihn als Filmemacher, der inzwischen dem Film dienen kann, der die Ästhetik in den Dienst der Aussage stellt und nicht mehr die Erzählung mit Design erschlagen muss. Es ist fast schade, dass dieser Regisseur sich als nächstes dem Remake der Millenium-Trilogie und damit einem Rückschritt zu «Sieben» widmen soll, anstatt auf seinem Weg als Autorenfilmer weiterzugehen, aber diese seltsame Balance zwischen Hollywooderfolg und eigenen Projekten zeichnet Finchers Arbeit ja seit jeher aus.

Der Einsame
Dabei dürfte auch «The Social Network» ein kommerzieller Erfolg werden. Das Marketingrezept zum Kassenknaller ist ja fast eingebaut, wenn nur jeder zehnte FB-Nutzer weltweit neugierig genug wäre, um den Film im Kino oder daheim sehen zu wollen. Ob die Zuschauer in dem Film dann eine Art Gerichtsthriller sehen, ein Freundschaftsdrama, einen Kommentar zum modernen Webkapitalismus, oder einen Horrorfilm über die Einsamkeit des Ausnahmetalents in einer nivellierten Gesellschaft, darf offen sein – denn all dies und wahrscheinlich noch mehr ist in der DNS dieses Films codiert und wartet darauf, entdeckt zu werden. Die Ironie des Films ist, dass er das Außenseitergenie feiert und ein Massenpublikum erreichen will und wird, das sich hier lediglich eine Art «Enthüllungsthriller» erhofft. Enthüllungen gibt es in der Tat, aber weniger über Marc Zuckerberg, als vielmehr über einen dramatischen Power Shift (und sei er nur kurzlebig) in der Art, wie unsere Wirtschaft, aber auch unser soziales Zusammenleben sich organisiert. Denn der Titel deutet ja über Facebook hinaus, verweist auf die neuen «Sozialen Netzwerke», die online entstehen und die alten Seilschaften und Netzwerke, für die Harvard fast symbolisch steht, auflösen. In diesem Mikrokosmos bilden Fincher und Sorkin ab, was es bedeutet, wenn wir fast beiläufig komplett neue Sozialstrukturen im Web aufbauen, raumzeitlich entfesselt, angesichtslos; eine komplett neue Form von Selbstdarstellung und Kommunikation, die alle bisherigen Formen ergänzt, diese zum Teil aber auch überschreiben wird. Eine Welt, die nicht mehr von Politikern oder den Winkelvosses dieser Welt kontrolliert wird, sondern von den Programmierern, halben Kindern, die ihre Hoodies hochklappen, Becks trinken und mit ein paar Zeilen Code Geschichte schreiben, die die neuen Rockstars sind und deren Vorlieben und Psychopathologien inzwischen wichtiger sind als die von Barack Obama oder von Angela Merkel. Und die nun einmal, so das Fazit des Films, kaum noch in der Lage sind, eine normale Beziehung zu ihrer Umwelt aufzubauen.   

09:23 Uhr. Kategorie Film. Tag . Keine Antwort.

bild.sprachen

101005_bildsprachen.jpg

Auch wenn das HD-Blog normalerweise nicht mehr für nodesign-Themen dient, kurz etwas in eigener Sache:

nodesign ist eine der acht für «vorbildliche Arbeit» ausgewählten Agenturen aus dem Ruhrgebiet, die auf der Photographiemesse bild.sprachen im Wissenschaftspark Gelsenkirchen als «die besten Beispiele des Umgangs mit Photographie» ausgestellt werden. Der Photograph und Pixelprojekt-Ruhr-Projektleiter Peter Liedtke hat sich für die Ausstellung das Projekt «Scene Ungarn» ausgesucht, und wir freuen uns sehr, dass die ausgezeichneten ungarischen Photographen der Scene hier noch einmal der Öffentlichkeit präsentiert werden. Auch wenn wir uns selbst nicht so sehr als reine Ruhrgebiets-Agentur definieren (unserere Auftraggeber kommen aus ganz Deutschland, nur zwei kommen aus dem Ruhrgebiet), ist es natürlich schön, hier gemeinsam mit Designbüros, deren Arbeit wir selbst sehr mögen, vertreten zu sein.

Die Messe beginnt am Donnerstag, 07.10.2010 um 11 Uhr im Wissenschaftspark Gelsenkirchen, Munscheidstraße 14 in 45886 Gelsenkirchen und endet am Freitag, den 08.10.
Die Ausstellung endet am 29.01.2011.

Da die Einladungen leider erst heute bei uns eintrafen, können wir keine persönlichen Einladungen mehr verschicken – freuen uns aber natürlich aber über jedes bekannte Gesicht, das es trotz des Wochentages zur Eröffnung morgen schafft… das Messeprogramm klingt auch so, als würde es sich definitiv lohnen, zur bild.sprachen-Messe zu kommen.

Photo: Alexandra Emese Lázár

5. Oktober 2010 11:35 Uhr. Kategorie Arbeit, Design. Tag , . Eine Antwort.

Alarms

alarms_screen.jpg

Aus Stefan Fürsts Mediaatelier kommt regelmäßig Software, die wunderbar gedacht und gemacht ist und mit stets superaktuellen Updates glänzt. Fürst ist eines der vielen Beispiele für kleine kreative Programming-Schmieden, die eben kleine, kreative und durchaus wichtige Software zu sehr fairen Preisen produzieren, kundennah arbeiten und ein wunderbares Gegengewicht zu Giganten wie Microsoft oder Adobe darstellen… und gerade die Apple-Plattform wimmelt ja von solchen kleinen Anbietern, die die Nischen und Lücken des OS perfekt füllen und es deutlich aufwerten.

Die neue Software von Fürst heißt schlicht «Alarms» und so einfach wie der Name ist das Programm – es ist ein in der MenuBar schlummernder Alarm, der den Tagesablauf begleitet. Man kann relativ einfach nahezu beliebige Dateien, Websites, Termine usw in die Menüleiste ziehen, Alarms klappt herunter und schon hat man sich selbst einen Termin gesetzt. Eine eMail, die man noch beantworten will, Software, die man sich vielleicht am Abend nochmal anschauen will, ein Memo von einem Telefonat landet so schwupps in Alarms und ein zwei Stunden später erinnert ein auffällig pulsierendes Alarmglöckchen daran, dass man doch noch was tun wollte. Auch manuelle Einträge sind mit einem Doppelklick in die Tagesübersicht schnell eingetragen, und wenn ihre Zeit gekommen ist, landen sie in der TODO Box.

Das Verschieben von Aufgaben ist dabei schick und einfach gelöst, und dazu bietet Alarms einen Snooze-Modus an, einfach viermal mit der Maus hin- und her, im Grunde wie ein Kopfschütteln, und die Applikation ist erst mal wieder still. Das Aufschieben ist also deutlich eleganter und einfacher als bei den meisten anderen Werkzeugen.

Als Alarms erschien, dachte ich: Nice, brauche ich aber nicht, ich habe ja OmniFocus. Tatsache ist, Alarms wäre deutlich besser, wenn es direkt mit Omnifocus kommunzieren könnte, wenn also eine erledigte Aufgabe in Alarms auch in OF abgehakt würde (hinthint)… aber da sich Alarms zumindest die am Tag anstehenden ToDos aus OmniFocus via iCal ziehen kann (OF mit Ical local synchronisieren und dann Alarms mit iCal), kann man die in OF geplanten Aufgaben für den Tag in Alarms noch einmal wundervoll über den Tag verteilen, verschieben und sich viel nervender (was ja gut ist) daran erinnern lassen als von OF. tatsächlich fühlt sich Alarms an, als wäre ein ideales Modul für nahezu jede GTD-App und nach einer Weile fragt man sich ohnehin, warum Apple diese Idee nicht in iCal integriert hat. Zumal Websites, Mails, PDFs usw sich direkt aus der Alarms-Leiste heraus öffnen lassen und man auch Notizen beifügen kann und damit die Fähigkeit, an iCal-Items Dateien und Anmerkungen anzuhängen, intuitiver und sinnvoller gelöst ist als in iCal selbst. Und während Omnifocus oder Things eher generell Aufgaben verteilen, sind sie sehr klobig, wenn es darum geht, diese Aufgaben am jeweiligen Tag noch mal auf der Stundenebene einzuteilen – und hier kann Alarms absolut glänzen. Morgens die anstehenden Aufgaben kurz auf den Tag verteilt, sieht man sofort, ob man sich zu viel oder zuwenig vorgenommen hat und kann es entsprechend ändern. Einziger Wunsch wäre eine nahtlose Fusion mit Omnifocus, so dass ich direkt aus Alarms die OF-ToDos verschieben und auf den nächsten Tag o.ä. legen kann und die OF-Todo sofort abgeglichen sind. Make it happen!

Wie bei Mediaatelier nicht anders zu erwarten, ist das Interface von Alarms so einfach wie grandios, es macht einfach Spaß, die Software zu benutzen. Leider ist die Software noch ein bißchen buggig, mal kommt die Leiste nicht so richtig heruntergefahren, mal bringt Alarms iTunes zum Stottern, wenn man etwas in die Menüleiste zieht. Aber wie ich Stefan Fürst kenne, wird es da bald Updates regnen, die die Software verbessern und stabiler machen. Aber selbst jetzt sind die derzeit 12 Euro für Alarms gut angelegtes Geld, wenn es darum geht, schnell und einfach den Tagesablauf zu organisieren.

Update 1: Tatsächölich lässt die Brücke Alarms > iCal > Omniocus zu, dass ich ToDos direkt in Alarms verschiebe, diese werden in iCal aktualisiert und – mit etwas Glück – dann nach einem Sync auch von OmniFocus übernommen. Wobei OF wirklich einen automatischen Sync brauchen könnte, muss ich sagen. Aber an sich kann man Alarms als Menu-Erweiterung von OF benutzen, sogar neue Termine eintragen (auch wenn dann natürlich die Projekte und Kontexte usw fehlen). Sehr schön!

Update 2: Noch ein Vorteil der kleineren Software-Macher ist die Geschwindigkeit bei Support-Anfragen. Alarms hat heute via MobileMe/iCal ein Problem mit anderen iCal-Rechnern verursacht (weil ich das Kleingedruckte in den Preferences nicht gelesen habe…), und die Antwort kam binnen 5 Minuten mit einem einfachen Fix für das Problem. Davon darf man bei Adobe doch nur träumen ;-D.

1. Oktober 2010 11:30 Uhr. Kategorie Technik. Tag . Eine Antwort.

Thomas Oberender: Leben auf Probe

hd schellnack

Es ist eigentlich ein Zufall,dass ich für das Bochumer Schauspielhaus ausgerechnet in einer Zeit gearbeitet habe, als ein kleines, vielleicht sogar verschworenes Team zumindest versucht hat, die Regeln eines urbanen Theaters etwas zu verschieben und eine Balance zwischen feuilletonistischer Anerkennung und vollem Haus zu finden. Eine Balance, die sich wie natürlich aus den beiden Chefdramaturgen des Hauses ergab, die nicht immer ohne Konflikte, aber in der Art, wie sie sich ergänzten aus meiner Sicht bis heute einzigartig in ihrer Chemie waren, hier der großartige Instinktmensch mit einem unfassbaren Gespür für Theater als Erlebnismaschine, dort der neugierige, suchende und insofern fast unbewusst vieles anders machende Neuankömmling. Einer der beiden, der mit Matthias Hartmann und Klaus Missbach zunächst auch nach Zürich wechselte und inzwischen in Salzburg als Schauspieldirektor die Festspiele mit leitet, hat sich nun einen literarischen Rückblick auf seine Arbeit als Dramaturg gegönnt, auf die Transformation von Text zu Theater und nicht zuletzt auf die Persönlichkeiten von Darstellern und Regisseuren, denen er begegnete.

Thomas Oberenders «Leben auf Probe» ist insofern nicht zuletzt ein Schlüsselroman und es fällt einem beim Lesen nicht schwer, den beschriebenen Charakteren Gesichter und Namen zuzuordnen. Mitunter stört dieser voyeuristische Aspekt fast, lenkt ab vom archetypischen Element in Oberenders Vignetten. Denn der Autor verzichtet nicht auf Namen, um seine Subjekte zu schonen, die sich in den luziden und oft durchaus auch scharfkantigen Beobachtungen selbst sicher problemlos gezeichnet finden werden, sondern weil er induktiv vorgehend wie in seinen Romanen auch hinter den Protagonisten und ihren Symptomen das große Ganze sucht, ohne wirklich hzu wissen,wonach der da tastet, einfach irgendwie neugierig. Und der so ganz en passant über Schreiben, Rollen, Macht, Theater und Gesellschaft nachdenkt, ohne dabei je die Form kleiner und kleinster Beobachtungen und Deutungen zu verlieren, wie ein Maler Szenen und Situationen einfriert und durchleuchtet, in Schweigen, Gesten, Worten eintaucht. Liebevoll und auch mal gehässig, mitunter deutlich ermüdet und frustriert vom Machtspiel am Theaterhof, immer ein wenig fremdelnd mit dem Betrieb, in den er zumindest zu Beginn ja als Außenseiter kommt, als Durchreisender.

Es ist dieser Status der noch nicht ganz betriebsblinden Neugier, die seltene Sicht des Neugierigen, der hinter die Kulissen blicken darf, die Oberenders Buch so einzigartig macht. Es liefert eine Mixtur aus tiefstem Eingesunkensein in die Theaterwelt, und bewahrt zugleich doch eine ironisch-faszinierte, fast anthropologische Distanz. Der Schreiber, der eben nicht nur Dramaturg ist, kommt nicht aus seiner Haut, bleibt Jäger, bleibt Späher. Und oft blitzt diese kalte Härte durch, dieser analytische Blick, den ein Autor seinen Figuren widmet, wenn er sie seziert, mit dem Oberender, in aufs Gramm abgewogenen Worten, seine Mitmenschen durchleuchtet. Seine auch im Buch offenbar werdende Liebe zu Duane Hansons gefrorenen Alltagsmenschen, seine quecksilbrige Mathematik der Hermeneutik, die sich in seiner Vorliebe für Steve Reichs kristalline Klangstrukturen widerspiegelt – all das prägt in jedem Detail das Buch. Oberender verzögert die Zeit, friert ein, pinnt die Menschen unter sein Mikroskop, lädt jeden Gestus subkontextuell auf, so, dass sich wahrscheinlich viele der im Buch beschriebenen Kollegen und Mitarbeiter fragen dürfen, ob sie jemals einen echten normalen Moment mit Oberender hatten, oder ob sie immer nur Schmetterling im Einweckglas des Forschers waren, der jedes Zucken und Flattern notiert.

Subtil und smart beschreibt Oberender aber nicht nur die Eigenarten des Probenalltags und den Habitus seiner Protagonisten, vielmehr schält er sukzessive heraus, warum Texte auf der Bühne zum Leben erwachen, versucht den Prozess abzubilden, in dem das Paradox Theater funktioniert, schreibt sich über Umwege, über Bande spielend, an ein angreifbares Phänomen heran, wie ein Anthropologe, der fasziniert die Rituale eines Eingeborenenstammes notiert, wie der Intellektuelle unter lauter Bauchmenschen, der einen wie selbstverständlich laufenden Vorgang analysiert und feststellt, dass die Teile keine Summe ergeben. Dabei entsteht fast nebenbei, skizzenhaft, eine komplexe Theorie des modernen Theaters, die sich aus der Alltagshandlung ableitet, aus der eigenen Suche. Wenn Oberender klug zwischen Theater-als-Museum und Theater-als-Kulturhaus, zwischen Archivfunktion und sozialer Plattform unterscheidet, kann man sich als Leser nur all zu gut vorstellen, wie der Autor im dunklen Raum der Probe über Nachttheater und Tagtheater nachdenkt, in einer seltsamen Selbstreflexion und Symbiose von Tun, Nachdenken und Wieder/Anderstun.

So wird «Leben auf Probe» auch zu einem Tagebuch, einer Reise durch Oberenders Faszination für bestimmte Autoren, die die Texte chronologisch spezifischen Stücken zuordnen, einer Fahrt durch seine Euphorien und sein Ermüden an der Egomanie des (selbst)ausbeuterischen Betriebs. So mutiert das Buch nicht zuletzt zu einem dieser phantastischen Zwitterwesen, entpuppt sich als Schlüsselroman, Tagebuch, Sachbuch, Essay und Roadmovie im Stillstand, eine Reise, die den Erzähler ohne Bewegung voranbringt, als Betrachter, als Teilnehmer, als Opfer, als Täter. Es ist die Geschichte einer Entführung, bei der ein Autor verschleppt und in dunklen Räumen gefangen ist, unter Fremden, deren Sprache er nur teilweise beherrscht, von denen er unverhofft umschmeichelt oder angebrüllt wird, denen er misstrauen muss und in die er sich doch zusehends verliebt, klarer Fall von Stockholm-Syndrom.

Und so ist Thomas Oberender bis heute am Theater, längst nicht mehr der großäugige Novize, sondern ein durch Intrigen, durch falsche Versprechen, durch den täglichen Zirkus abgehärteter Mitspieler, einer, der die Seiten gewechselt hat und längst selbst andere entführt, wo er selbst früher der Entführte war, der Autoren ins Theater verschleppt, weil er weiß, dass es eben auch um die Texte geht, nicht nur um die Darsteller, dass das eine ohne das andere nichts ist. Einer, der längst Intendant seines eigenen Hauses sein müsste und dürfte, und sei es nur, um zu sehen, was er anders machen würde, was er von seinem eigenen Weg mitgenommen hat, ob das Theater ihn mehr verändert hat oder er das Theater.

Bis es so weit ist, dass Oberender nicht nur in Salzburg, sondern auf mehrere Jahre in einem Stadttheater sein Labor aufbauen, haben wir eines der besten und persönlichsten, intimsten Bücher über die Faszination Schauspiel, spannend wie ein Chandler, luzide wie ein Cracauer… und mit 155 Seiten so kurz, dass man sich wünscht, Oberenders Beobachtungen und Botschaften aus der Gefangenschaft würden einfach endlos weitergehen, wären Blog, nicht Buch.

28. September 2010 12:28 Uhr. Kategorie Buch. Tag , . Keine Antwort.

Lali Puna: Our Inventions

hd schellnack

Fast sechs Jahre nach «Faking the Books» kommt das Münchener Quartett um Valerie Trebeljahr mit einem neuen Album raus – und es klingt, als sei die Zeit stillgestanden, was durchaus auch heißt, dass der Sound von Lali Puna eben zeitlos ist. Sorgsam achten Trebeljahr, Acher, Brandner und Heiß auf Klänge, die auf eine skandinavische Art diese Aura der Unverortbarkeit haben, die analog klingen oder einen Hauch unmodern, die elektronisch sind, aber niemals wirklich ganz eindeutig auf eine bestimmte Hard- oder Software festzunageln. Fast spiegelbildlich zu The Notwist wird auch Lali Puna auf diesem Album deutlich elektronischer, aber noch meditativer und verträumter als Achers Weilheimer Band, dabei aber oft auch weniger vertrackt und frickelig, ohne diesen typischen Console-Touch eben, wohl aber durchaus mit Harmoniefolgen und Gesangsansätzen, wie man sie von The Notwist eben kennt. Die Songs rauschen dabei mitunter einen Hauch zu steril, zu kinderzimmerproduziert, zu kantenlos, durch die Boxen, verlangen fast nach Kopfhörern, um die Mehrschichtigkeit der Arrangements zu entdecken. Das Album entfaltet mitunter eine Art nicht immer nur positiver Wellness-Wirkung, wirkt schmusig und kuschelig, von den sanften Rhythmen und hypnotischen Sequencen bis hin zu Trebeljahrs unterkühltem Gesang, der wie eine Durchsage aus der sauberen Zukunft eines Stanley Kubrick klingt – Anschnallen zur Saturnreise. Zu aufgeräumt, zu ordentlich, zu kompatibel zu einer Designerlounge wirkt die Gleichmäßigkeit und Harmonie der Kompositionen, die immer eine coole Pose auf der Couch einnehmen, niemals unentspannt werden, niemals auffallen oder gar aufdringlich werden. Und das ist durchaus ein wenig zu viel Prêt-à-porter, ein bisschen zu viel Passform und Harmonie und Perfektion. Nach dem dritten vierten Song sehnt man sich nach einem Fehler, nach einem Entgleisen der Pose, nach irgend etwas, das die ganze Sache auf ein menschliches Maß herabbricht. Aber statt dessen liefert «Our Inventions» einen makellosen Track nach dem nächsten, perfektes Engineering, Vorsprung durch Technik, nahtlos und so aus einem Guß, dass du als Zuhörer keine Chance hast, in diesem fugenlosen glänzen Objekt einen Handhalt zu finden. Entsprechend bleibt kein Lied im Kopf, es oszilliert durch dein Gehirn, macht Spaß und verschwindet spurlos wieder, weil es zu perfekt durch den Windkanal der milden Töne und sanften Grooves gejagt wurde. «Our Inventions» ist perfekte Kopfhörermusik, wie gemacht um bei herbstlichen Sonnenuntergängen durch leere Straßen zu spazieren, aber am Ende ist es kein Album, das dich im Herzen berührt, dich wütend macht oder traurig, begeistert oder abstößt. Es ist makellose Atelierware, die durchaus live auch aufblüht (und zwar gerade durch mehr Krach, Fehlstarts, Lachen, mehr Druck), in der sterilen Schwerelosigkeit der Studioproduktion aber in letzter Konsequenz einfach vielleicht einen entscheidenden Tick zu geleckt geworden ist. Das Interessante daran ist, zu erkennen, dass Perfektion, Schliff, bessere Produktion, Detailversessenheit eben oft eine Produktion auch verschlechtern kann, weil eine Art ephemere, fast unsichtbare Qualität von Spontaneität, Echtheit, Lebendigkeit weggeschliffen wird. Lali Puna dokumentieren hier, das perfekte Detailliebe paradoxerweise zu einem etwas enttäuschendem Ganzen führen kann – wenn jedes Detail gleich perfektionistisch und liebevoll gemacht ist, vorsichtigst mit Uhrmacherpräzision zusammengesetzt, ragt nichts heraus, alles in wie in Bernstein gegossen. Und so ist «Our Inventions» ein Album mit Sturzhelm, es verliert, weil es nichts wagt, es gerät zum Audio-Dekor, weil es zu vorsichtig ist, zu sehr weiß, was es will. Es kann durchaus eine tröstliche Botschaft sein, wenn eine Band mit einfachster Technik bezaubert und mit zunehmender Perfektion und besserer Technik seltsam anonym wirkt – ein Schicksal, das so manche Morr-Musik-Band teilt… es scheint, als würde guter Pop auch in Zeiten digitaler Musikproduktion eben doch davon leben, Macken und Kratzer und Sprünge und Fehler zu haben, eine Naivität, die man eben nicht simulieren kann.

20. September 2010 18:20 Uhr. Kategorie Musik. Tag . Eine Antwort.

«
»

Creative Commons Licence